Saturday, December 31, 2005

Lo mejor del 2005: 17 - 11

17. Turtles Can Fly (Bahman Gobadhi)
Sorprendente filme de un realizador más que interesante. Aunque habría que criticarle cierto gusto por la manipulación (niños lindos y lisiados, música que dicta sentimientos, etc.). Sin embargo, la fuerza del mensaje político es arrolladora, ahora más que nunca.

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16. President's Last Bang (Im Sang-soo)
Otro filme koreano en mi lista... Esta vez se trata de un espectacular thriller político (podría ser alguna adaptación de alguna de las novelas políticas de Vargas Llosa) sobre el asesinato de un dictador por parte de uno de sus más cercanos colaboradores. Buenas intenciones, cumplimiento del deber, etc. se ponen en juego en una trama precisa que delata los mecanismos que rodean al poder.

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15. Manderlay (Lars von Trier)
Ya que estamos en el terreno político, el # 15 de mi lista es la película uno de los directores más ácidos de estos últimos años. En el fondo, creo que von Trier es un idealista (en realidad un "optimista desencantado" como diría Savater) que despotrica contra lo inherentemente perversas que pueden resultar las instituciones. Manderlay sigue el camino trazado por Dogville (aunque en cierto sentido también lo invierte) para hacer alusión a la "exportación" de la democracia a la que se dedica cierto país.

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14. Three... Extremes (Takashi Miike, Fruit Chan, Park Chan-wook)
Segunda ejercicio de un filme colectivo cuya idea original es tomar a tres directores de Asia para trabajar un tema común. En este caso, el japonés Miike, el chino Chan y el coreano Park realizan cada un cortometraje de media hora sobre el horror.

The Box (Miike) es una pequeña obra maestra sobre la culpa, en la que una mujer tiene que enfrentar un hecho traumático de su pasado que la acecha muchos años después en sus sueños. La imaginería visual de Miike está totalmente alejada del kitsch por el que tanto se ha hecho famoso, pero no podría ser más rica, ni estar mejor ejecutada.

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En Dumplings (Chan), el horror no proviene de la mente, sino de las acciones. Es una cinta sobre monstruos morales: una mujer que quiere ser joven para no perder a su esposo, una sexy comadrona inescrupulosa, un esposo egoísta y una sociedad que cultiva la juventud como un valor máximo. Notable.

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Cut (Park) es la más perturbadora de las tres, pero no por eso es la mejor. Al contrario, es bastante efectista, algo descabellada y manipuladora en el peor sentido. Es innegable el talento de Park, pero esta cinta hace que Three... Extremes no califique más alto.
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13. Unknown Pleasures (Jia Zhang Ke)
Filmada en video digital, esta obra del director chino es otro retrato de los jovenes de provincia de la China continental, que tienen que enfrentar un mundo cambiante con todas sus contradicciones: nuevos roles de género, el ingreso del comercialismo capitalista, el desempleo, el ingreso de la cultura occidental, etc.

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12. La niña santa (Lucrecia Martel)
El segundo largo de la directora argentina no podría ser mejor. Dedicada a crear atmósferas, romper las expectativas de la trama, nos muestra una historia sobre una etapa dentro del paso a la madurez de una adolescente.

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11. Zatôichi/Dolls (Takeshi Kitano)
Uno de los grandes maestros del cine actual. La obra de Kitano siempre está en movimiento. En un año hace una cinta intimista y fragmentada sobre el amor, el otro hace su versión de una figura del folklore japonés. Ambas cintas son fabulosas, aunque prefiero Zatôichi porque demuestra a un Kitano concentrado en un solo motivo que además es harto conocido, no duda de llevarlo al extremo, de hacer un cine de espectáculo y divertido como sólo él sabe hacerlo.

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Lo mejor del 2005: 23 - 18

23. A Tale of Cinema (Hong Sang-soo)
Un filme sobre otro filme es el punto de partida para esta simpática reflexión sobre las relaciones humanas, sobre la idea del éxito en las sociedades modernas (como el la de Seúl), sobre el peso de las ilusiones en la vida diaria.

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22. Election/Fulltime Killer/Breaking News (Johnnie To)
El último de los representantes de la más reciente época dorada hongkonesa, Johnnie To, hace un cine de acción, que pese a querer hacerse del mayor público posible, no le teme a la innovación ni subestima la capacidad de retención del espectador. Junto a su compañía productora, Milkyway, viene realizando una obra interesante, donde explora las posibilidades de la imagen en el campo del entretenimiento. Fulltime Killer y Breaking News son cintas obsesionadas con el ritmo y la fuerza de la acción de sus personajes, mientras que Election, la más reciente cinta, es una recreación de los enfrentamientos morales al interior de la mafia hongkonesa.

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21. Taste of Tea (Katsuhito Ishii)
Lisérgico viaje al interior de una familia japonesa, otrora centro del conservadurismo de este país. Estructurado a partir de una serie de raros incidentes (algunos de los cuales sólo suceden en la mente de los personajes), la cinta sorprende por su peculiar sentido del humor, su abundante creatividad.

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20. Cowards Bend the Knee (Guy Maddin)
Cine de guerrilla. Una cinta filmada en 18 mm, proyectada en formato digital, sin lo que algunos llamarían "transfer profesional". Este pequeño homenaje al cine mudo y al noir, explota los recursos del "lenguaje fílmico" al máximo.

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19. Ce jour-lá (Raoul Ruiz)
Brillante cinta de Ruiz, contada en tono de farsa de misterio, sobre una sociedad donde el Estado y el poder económico se confabulan para hacerse de la fortuna de una insana heredera.

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18. Padre e hijo (Aleksander Sokurov)
Filme alegórico sobre las relaciones entre los hombres: padres, hijos, amigos, conocidos; así como todos los valores que se ponen en juego en el mundo masculino: la performance, la lealtad, el amor a la patria, etc.

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Friday, December 30, 2005

Lo mejor del 2005: 30 - 24

A un par de días de acabarse este año, me animo a crear una lista con algo de lo mejor que he visto durante el 2005.

La mayor tendencia que he percibido este año, y que parece ser una tendencia general, es el alejamiento de las salas comerciales. Las mejores cosas para ver están en un 80% fuera del sistema del celuloide, gracias a que la distribución del cine norteamericano copa lo que ofrecen las multisalas. Lo poco que se estrena fuera de los parámetros narrativos del cine americano es recibido, en el mejor de los casos fríamente, o en el peor de los casos con una grocería inconcebible.

En esta ciudad ir al cine se ha convertido en casi una tortura. La gente se la pasa hablando como si estuvieran en la sala de sus casas sin tener el más mínimo respeto por los que vamos a ver la película y no a matar nuestro aburrido tiempo. Lo malo es que los comentarios casi siempre son dignos de un niño de cinco años que se acaba de golpear la cabeza. El comentario más estúpido que he escuchado en este año fue durante una proyección de La caída. "¿Quién es ella?", pregunta una mujer de cerca de 30 años casi a la mitad de la película en una escena en la que aparece Eva Braun. "Es la enamorada de Hitler", responde su compañera...

Y qué decir de los celulares. Los perlas que responden el cel en una sala tienen el descaro de ponerse a conversar y decir: "Aló... Estoy en el cine"... Ni modo ponerse a discutir con semejantes personas...

A esto habría que sumarle la crisis creativa (cuando no comercial) por la que atraviesa Hollywood: sus productos se han vuelto insanamente caros por lo que tratan de alcanzar la mayor audiencia posible atendiendo a una pretendida homogeneidad. Y con resultados nada alentadores. En términos comerciales, Hollywood sigue perdiendo dinero, sosteniéndose en las ventas en retail (DVDs) y en propiedad intelectual (venta a TV, soundtracks, merchandising. etc.). En términos artísticos, la pérdida es todavía mayor. Bajo el criterio marketero de "pre awareness", los estudios lanzan secuelas, remakes, adaptaciones de malas series televisivas, etc. que deben de captar a un público que iría al cine porque conoce los productos de antemano. Lo que no se han dado cuentas estos ejecutivos es que de todas maneras hace falta hacer una película atractiva. Salvo alguna excepción por ahí, la mayoría de estas películas son infumables, incluso para un espectador que va únicamente en busca de entretenimiento.

En todo caso, he confeccionado una lista, algo larga, donde incluyo solamente las películas nuevas que he visto y que se han estrenado entre el 2000 y el 2005. Claro que cuando me refiero a estreno, me estoy refiriendo al estreno en alguno de los centros culturales de la cinefilia: New York, Paris, o en algún circuito festivalero.

Los que se quedaron fuera:

Ni tan buenas, ni tan malas, con un poco de suerte o en un año aburrido estas películas podrían haber ingresado a mi lista:

* Sideways (Alexander Payne)
* Son frére (Patrice Chereau)
* Ae fond Kiss (Ken Loach)
* Last Days (Gus Van Sant)
* Downfall (Oliver Hirschbiegel)
* Hidden Blade (Yohji Yamada)
* Nobody Knows (Hirokazu Koree-da)
* Bright Future (Kiyoshi Kurosawa)
* Chihwaseon (Im Kwom Taek)
* My Sassy Girl (Kwak Jae-young)

30. Comme une image (Agnès Jaoui)
Una de las mejores guionistas del cine actual (junto a Jean Pierre Bacri), Jaoui realiza un film más que interesante; quizás es algo inferior a "El gusto de los otros" por cierta mediatización del material hacia el final de la cinta. Pero aun así, me parece estupendo como un retrato de la influencia de la cultura de la imagen en las relaciones sociales e interpersonales.

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29. Last Life in the Universe (Pen Ek Ratanaruag)
Last Life... es un film imaginativo, bien contado, que no cae en el facilismo de igualar el vacío existencial a la falta de amor romántico. Uno de los mejores trabajos tanto del gran actor japonés Tadanobu Asano (a quien este año vi además en Vital de Sukamoto, Zatôichi de Kitano, Bright Future de Kiyoshi Kurosawa, Taste of Tea de Ishii, Café Lumière de Hou) y del director de fotografía Christopher Doyle.

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28. Infernal Affairs (Andrew Lau, Siu Fai Mak)
Lo mejor del mainstream hongkonés (Tony Leung Chiu Wai, Andy Lau, Kelly Chen, Eric Tsang, Danny Pang en la edición, Chris Doyle en la fotografía) funcionando como un mecanismo de relojería para mostrarnos una de las más eficientes cintas de acción y entretenimiento realizadas en el cine de los últimos años. Aprendan gringos...

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27. Me and You and Everyone We Know (Miranda July)
Miranda July es una "estrella" del circuito cultural de occidente. Mucho antes de interesarse por el cine, ya había realizado varias exposiciones sobre las relaciones de los medios con las personas. Pese a esto, Me and You... es lo menos parecido que hay a un trabajo sobre intelectualizado o autorreflexivo, por el contrario, July asume las convenciones del género de la comedia romántica con el rigor formal de un maestro de los años 30. Una puesta en escena funcional, un retrato adulto y no condescendiente de niños y mayores, hacen de este filme una verdadera delicia.

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26.La Fleur du mal /Merci pour le chocolat (Claude Chabrol)
El maestro francés sigue terco en realizar un cine que disfruta. Ambas películas están ambientadas en la clase media alta de provincias, cuentan con repartos estelares (Huppert. Flon, Magimel, etc.) y se dedican a rastrear el lado oscuro de lo que debería ser una vida apacible de privilegios.

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25. Kung Fu (Stephen Chow)
Diversión de primer nivel, imaginación a raudales, el cine movimiento en su máxima expresión. Chow no le tiene miedo al ridículo y realiza las más disparatadas secuencias para contarnos esta suerte de parodia del descubrimiento personal, tan cara a las cintas de aventuras.

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24. Vera Drake (Mike Leigh)
La película de Leigh es todo lo contrario a los filmes de Chabrol. Acá son las buenas clases trabajadoras las que no acceden al privilegio y las libertades que tienen las personas con dinero. Pero más allá de los, a veces simplistas, análisis sociales de Leigh, lo que se plantea este film es un problema moral: las acciones bien intencionadas frente a las acciones buenas. Vera Drake, notablemente interpretada por Imelda Staunton, es una especie de ángel sin guía, que actúa por su sentido de la compasión, del bienestar del prójimo basado en su propia experiencia.

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TO BE CONTINUED...

Monday, December 12, 2005

Lo mejor del 2005: Boston Film Critics

Aquí va:

Boston Film Critics Awards

Best Picture
Brokeback Mountain

Best Director
Ang Lee (Brokeback Mountain)

Best Actor
Philip Seymour Hoffman (Capote)

Best Actress

Reese Witherspoon (Walk The Line)

Best Supporting Actor
Paul Giamatti (Cinderella Man)

Best Supporting Actress
Catherine Keener (Capote)

Best Screenplay
Dan Futterman (Capote)

Best Documentary
Murderball

David Brudnoy New Filmmaker Award
Joe Wright (Pride & Prejudice)

Best Ensemble Cast
Syriana

Best Cinematography
Robert Elswit (Good Night and Good Luck)

Best Foreign Film
Kung Fu Hustle

Sunday, December 11, 2005

Lo mejor del 2005: LAFCA

El primer premio de peso para la temporada del Oscar fue anunciado. Se trata de Los Angeles Film Critics Association, que dio como ganador a "Brokeback Mountain" de Ang Lee (contrincante: A History of Violence de Cronemberg)

Esta es su lista de premios.

Mejor director: Ang Lee (Brokeback Mountain) Contendiente: D. Cronemberg
Mejor actriz: la poco conocida Vera Farmiga (Down to the Bone) Contendiente: la favorita de la Academia, Judi Dench (Mrs. Henderson Presents)
Mejor actor: el brillante Phillip Seymour Hoffman (Capote) Contendiente: Heath Ledger (Brokeback Mountain) ¿Y Jake???
Mejor guión: Empate entre Capote (Dan Futterman) y "The Squid & the Whale" (Noah Baumbach)
Mejor actriz de reparto: Catherine Keneer (por cada película en la que ha participado este año). Contendiente: Amy Adams (Junebug)
Mejor actor de reparto: William Hurt (A History of Violence) Contendiente: Frank Langella (Good Night, And Good Luck)
Mejor film extranjero: Caché de Michael Haneke. Contendiente: 2046 de Wong Kar Wai
Mejor documental: Grizzly Man de Werner Herzoeg. Contendiente: "Enron: The Smartest Guys in the Room" de Alex Gibney.
Mejor diseño de producción: el siempre notable William Chang por 2046
Mejor música: Joe Hisaishi y Youmi Kimura por "Howl's Moving Castle". Contendiente: Ryuichi Sakamoto por "Tony Takitani"
Mejor cinematografía: Robert Elswit por "Good Night, And Good Luck".Contendientes: Chris Doyle, Leung Kwan Pun & Lai Yiu-Fai por 2046.

Me llama la atención que los apartados más técnicos tengan una predominancia extranjera: Tony Takitani, 2046, Howl's Moving Castle. Para que vean los de Hollywood que con mucho menos dinero se pueden obtener mejores resultados que con toda la pasta que se gastan en sus sosos blockbusters.

Lo mejor del 2005: Newsweek

Las agencias de PR de Hollywood deben estar con los crespos hechos. David Ansen, crítico estrella del Newsweek acaba de publicar su lista de las mejores películas del 2005, y ha puesto cuatro películas extranjeras (la #1 es extranjera), completando la lista con alguna que otra película "independiente", es decir, películas financiadas por las divisiones "artísticas" de los estudios como Fox Searchlight.

Ansen dice que 2005 se recordará como el año de las películas depresivas, por el tono sombrío del que no se salvan ni los blockbusters tipo "War of the Worlds" o "The Revenge of the Sith".

Esta es la lista:

1. Head On, del turco alemán Faith Akin
2. Good Night, and Good Luck, de George Clooney (financiada en parte por Warner Independent Pictures)
3. Rois et reine del ya famoso Arnaud Despechlin
4. Brokeback Mountain de Ang Lee (que espero sea más en la línea de "The Ice Storm" que de "CTHD", financiado por varias compañías como Focus features (perteneciente a Universal), Good Machine (otra especialidad de Universal), Paramount Pictures y otras compañías independientes.
5. La Meglio gioventù, obra de poco más de seis horas de Marco Tullio Giordana.
6. Capote de Bennet Miller. Financiada por United Artists
7. Caché, la última obra del siempre genial Michael Haneke.
8. Munich de Spielberg, el proyecto más interesante del director en mucho tiempo. Producida por Universal, Amblin (la firma de SS), Dreamworks, entre otros socios minoritarios.
9. The Squid & The Whale de Noah Baumbach, la única cinta realmente independiente de la lista.
10. A History of Violence de David Cronemberg, producida por New Line Pictures, que no alcanza a ser una major, pero que se rige bajo algunos de los criterios comerciales del típico Hollywood.

Lo mejor del 2005: Korea

La 25va. edición de los "Premios de la crítica de Korea" (국제영화평론가협회상 en su idioma original XD) ha hecho pública su lista de diez mejores películas. Destaco la presencia de 그때 그 사람들 (The President's Last Bang) dirigida por Im Sang-soo, que se trata de una estupenda mirada irónica al poder, que enfrenta "las buenas intenciones" con los resultados, que enfrenta el deber con el "deber ser".

También en la lista está
친절한 금자씨 (Sympathy For Lady Vengeance) dirigida por el siempre notable Park Chan-wook y que cierra la famosa trilogía de la venganza. Espero verla pronto.

달콤한 인생 (A Bittersweet Life) dirigida por Kim Ji-Woon (espero verla antes de que acabe el año), autor de la interesante "A Tale of Two Sisters".

La lista la completan:
말아톤 (Marathon) - DIR. Jung Yoon-Cheol
주먹이 운다 (Crying Fist) - DIR. Ryu Seung-Wan
혈의 누 (Blood Rain) - DIR. Kim Dae-Seung
연애의 목적 (Rules of Dating) - DIR. Han Jae-Rim
웰컴 투 동막골 (Welcome To Dongmakgol) - DIR. Park Gwang-Hyun
형사 (Duelist) - DIR. Lee Myung-Se
너는 내 운명 (You Are My Sunshine) - DIR. Park Jin-Pyo

Thursday, December 08, 2005

Cierre 2005: Las 50 personas más frías del 2005

Como es costumbre, Film Threat colocó en su site la lista de las 50 personas en Hollywood y alrededores que se enfriaron de alguna manera u otra para el mundo cinematográfico.



El primer lugar fue, obviamente, para Tom Cruise por haber hecho uno de los ridículos más grandes de la historia del cine con su alocado (¿?) romance con Katie Holmes, sus peleas públicas con Brooke Shield, su defensa cerrada a la cientología, su ataque a la psiquiatría (pensar lo bien que le haría a él), etc. Como dicen en FT: " no longer an untouchable movie star, but rather a man on a career suicide mission"

La lista continúa con la víctima de las payasadas de Cruise, es decir, Katie Holmes, que no terminó de cuajar en "Batman Begins" por lo que ha quedado fuera de los planos del remake.

Siguen en la lista: Brett Ratner por el fracaso de X Men (puesto 3), Tom Sizemore por sus problemas legales que incluyen el uso de un pene artificial para pasar una prueba de orina (puesto 4), JLo por sus constantes fracasos comerciales en el cine (puesto 5), Silvester Stallone por sus decrépitos intentos de revivir su "franquicia" de Rocky (puesto 6), Bill Cosby (pongan la razón que pongan siempre estaré de acuerdo - puesto 7), Russell Crowe por ser el patán que siempre ha parecido ser (puesto 8), George Lucas porque a pesar de contar con innumerables recursos -como pocas personas en el mundo pueden- sigue obstinado en hacer esos monumentos a la codicia en que se ha convertido su saga -perdón, franquicia- de Star Wars...

En el puesto 10 algo que me parece importante: ir a una sala de cine. Y es que, aparentemente, es una tendencia mundial el comportarse como un cretino en el cine. La gente habla todo el rato, responden el celular, comen como marranos, llegan media hora tarde y encima te interrumpen para pedirte algo... Con lo buena que se está poniendo la tecnología (incluyendo mi querido BT) lo mejor alternativa es quedarse en casa.

La lista completa de los 50 puede encontrarse en www.filmthreat.com

Wednesday, December 07, 2005

Lo mejor del 2005: NBR















En un movimiento que podría calificarse de turbio, la National Board of Review (la asociación de críticos, historiadores y cinéfilos que inician la temporada de premios) retrasó en una semana la entrega de sus premios a lo mejor del año.

Roger Friedman de Fox News (¿les suena 20th Century Fox?) acusó a la asociación de crear un complot contra ciertas películas y estudios para favorecer a aquellos estudios que han sido "buenos con ellos durante el año"...

La NBR hizo público un comunicado en el que anunciaba el retraso de una semana de sus premios por "la naturaleza incompleta de la lista de filmes elegibles para los premios"...

¿Exposé de Fox News? ¿Presión de los ejecutivos de marketing de los estudios para que incluyan las películas que ellos quieren comercializar bajo el paraguas que dan los premios?

Saturday, December 03, 2005

Lo mejor del 2005: ArtForum

Y ya comenzaron las listas con lo mejor del 2005. La revista ArtForum ha publicado en su versión impresa cinco listas de curadores, artistas y críticos. Esta es la que publica el artista visual Isaac Julien:

1. Brokeback Mountain (Ang Lee) Una película de cowboys con un cambio. El tour de force de Lee es todavía mejor que la historia corta en que se ha basado. El cine queer ha crecido finalmente y se ha convertido en un asunto del mainstream.

2. Darwin's Nightmare (Hubert Sauper)Un documental contra la globalización, filmado como un film de terror ambientado en Africa, donde los peces "caníbales" con enormes dientes son cambiados por armas o aviones traídos por los rusos.

3. Last Days (Gus Van Sant)El arte del cine y el arte de la imagen-movimiento toman otro paso juntos en esta narración fragmentada que reconstruye el tiempo cinematográfico.

4. Inconsolable Memories (Stan Douglas) Una inteligente relaboración de "Memorias del subdesarrollo" de Gutiérrez Alea , el clásico filme cubano de 1968, retoma a los actores de la película original como personajes contemporáneos en una alegoría política que mantiene su sentido de misterio.

5. Moolaadé (Ousmane Sembene) El padre del cine africano se mantiene impresionante en este exposé persuasico de la circunsición femenina. Nada menos que una obra maestra.

6. Broken Flowers (Jim Jarmusch) Jim está de regreso con una típica pieza. Dirección cool enfatiza una suprema actuación contenida de Bill Murray y un casi cameo de Tilda Swinton (nada menos que con una peluca negra).

7. Innocence (Lucile Hadzihalilovic)En este extraño y maravilloso cuento de hadas sobre el cambio de niñas prepúberes, una fuente de agua se convierte en lo que podría ser descrito como una toma orgásmica.

8. Non-Specific Threat (Willie Doherty) Uno de los puntos altos de la 51ava. versión de la Bienal de Venecia, el conmovedor video de Doherty gira alrededor de una hombre blanco calvo cantando un himno acerca de la alienación interna de la psiquis ( de Irlandadel norte).

9. Frammenti Elletrici 1-2-3-4 (Electric Fragments 1-2-3-4) (Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi) Turnándose una y otra en cuantro pantallas, estos fragmentos olvidados de material de archivo, bajaban de velocidad hacia lo hipnótico convirtiéndose al rojo, naranja, azul y verde; con encantadores encuentros coreográficos entre historias personales europeas y las "otras".

10. Three Times (Hou Hsiao-Hsien) Con el énfasis de Hou en la duración fílmica, la puesta en escena se convierte en todo, dejando a la narración fuera.

Tuesday, November 01, 2005

Viewing Log: octubre

Estas son las películas que he visto durante octubre (no cuento repeticiones):

1. Nobody Knows (Koree-da Hirokazu): estupenda revisión de lo duro que es crecer en una sociedad donde el concepto "prójimo" parece no existir.

2. Red Eye (Wes Craven): Peliculeta hecha para matar el tiempo. La película se ajusta al funcionalismo del género con inocencia, y con Rachel Griffiths, heredera directa de la escuela de interpretación Julia Roberts, es decir, "smile 'til the shot is over".

3. ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Abbas Kiarostami): grandiosa película del director iraní sobre el mundo cotidiano de un niño del Irán rural, que tiene que enfrentar sus propias obligaciones y sentido moral frente a un vertical mundo de adultos. Todo el drama es mínimo, con cierta tendencia al minimalismo que desarrollará el director posteriormente.

4. As Tears Go By (Wong Kar Wai): primera película de Wong en la que varios de las estrellas del cine de Hong Kong viven un drama fraternal y pasional. Andy Lau, Maggie Cheung y Jackie Cheung forman parte de esta tragedia de la pequeña mafia hongkonesa. Por ratos, de la mano de JC, la película tiene mucho de los tonos exaltados de un John Woo, pero en otros momentos, prefiere la atmósfera a la acción, la imagen a los actores.

5. La vida continúa (Abbas Kiarostami): un terremoto que azota la tierra en que se filmó ¿Dónde está...? es el inicio de la búsqueda del protagonista. Nunca sabemos de él directamente, lástima, porque se trata de un pretexto para ver cómo los seres humanos tenemos el instinto de seguir viviendo pese a las circunstancias más adversas, incluso ante aquellas sobre las que no tenemos algún poder de cambio.

6. Ashes of Time (Wong Kar Wai): el wu xian pi convertido en poema visual. Este film es el corolario del cine de acción hongkonés, antes que Yimou lo convertiera en un asunto de manierismo. Las historias pasionales se entrecruzan, vemos historias típicas del género, bajo la lupa preciosista de Wong.

7. 5x2 (Francois Ozon): este director francés va en picada; cada película nueva que veo me parece inferior a la anterior. Esta vez, trata la trama de modo inverso, convirtiendo su película en una suerte de charada visual, de trampa para el espectador (como lo fue Swimming Pool). Salva a esta película la siempre grata presencia de Valeria Bruni Tedeschi.

8. Shall We Dance (Mark Sandrich): primera incursión de la dupla Astaire y Rogers como pareja cinematográfica. Como siempre Astaire está magnífico, sus movimientos son magníficos, su presencia en pantalla es apabullante. La Rogers, curiosamente, mantiene la dicción de las actrices menos interesantes de los 30s (muy raro, considerando lo bien que sale en Stage Door y 42nd Street), pero se ilumina maravillosamente junto a Astaire.

9. The Skybridge is Gone (Tsai Ming Liang): cortometraje "puente" entre What Time is it There? y Wayward Cloud. En términos de trama, nos cuenta el regreso de Shang y el nuevo oficio de Hsao. Estilísticamente, la película anuncia el cambio de registro entre el letargo del primero y lo idiosincrático del segundo.

10. This Gun's for Hire (Frank Tuttle): film noir que marca el inicio del estrellato de Veronika Lake y Alan Ladd. Lo curioso es el estado del registro de ambos. La Lake es la típica estrella que basa su personaje en su belleza, su star quality y que como actriz es una perfecta tabla. Ladd es, por el contrario, un magnífico actor, capaz de darle vida a un rol algo menor en un filme de por sí imperfecto.

11. Legend of Sansho Bailiff (Kenji Mizoguchi): otra de las grandes tragedias de Mizoguchi. Esta vez es la triste historia de la desintegración de una familia, como producto de una actitud moral superior, que obliga a los personajes a buscar el bien comun, sacrificando su propio bienestar. Mizoguchi filma como pocos, llenando cada imagen de fuerza expresiva.

12. Taste of Tea (Katsushito Ishii): delirante historia de una familia japonesa. Ishii apela a la imagen surrealista, a la narración sugerente, a la ausencia de una trama general. Simplemente una gran obra, aunque -lástima- sea tan poco conocida.

13. Clash by Night (Fritz Lang): melodrama ambientado en un pequeño pueblo pesquero. La Stanwyck, brillante como de costumbre, se enfrenta a sus propias pasiones y ambiciones para al final descubrir el verdadero valor de sus sentimientos.

14. Cinderella Man (Ron Howard): "Richie Cunningham" está lejos de ser uno de los mejores artesanos del Hollywood actual, al contrario, muchas de sus cintas -incluída esta- tiene tantos desbalances que parecen impensables en una industria tan consolidada. Aun así, Cinderella es su mejor filme hasta el momento. Tiene una historia coherente, una resolución clara, unas preocupaciones bien llevadas (aun cuando podríamos no estar de acuerdo con la política que subyace al filme). Russell Crowe es un actor notable, lo mismo que Paul Giamatti (el otro lado de la moneda). Lo único lamentable a nivel actoral es la presencia de Reneé Zelwegger, que parece estar en otra época, cuya dicción es impensable para una mujer de la época, cuya voz de pato Donald hace imposible cualquier disfrute de sus escenas.

15. La sed (Ingmar Bergman): crisis europea tras la segunda guerra mundial. Una serie de viñetas sobre el amor en tiempos de dolor, donde la soledad y el vacío existencial sólo se sostiene por un pacto imperfecto por naturaleza, pero que parece ser lo único que nos queda para hacer la vida más soportable.

16. 47 espadas de venganza (Kenji Fukasaku): versión setentera del drama japonés sobre la rebelión de los servidores de un señor contra el Shogun. Este filme se concentra precisamente en este conflicto, en la separación en términos de acción de los que se preparan para la venganza y del mundo establecido (¿inactivo?) del Shogun. Toshiro Mifune y Sonny Chiba se encuentran como personajes secundarios de ambos bandos.

17. Formula 17 (Chen Yin-jung): simpática comedia sobre un adolescente gay que viaja a la gran ciudad a conocer un "affaire" on-line. La historia está enraizada en el género de la comedia romántica y por ratos mantiene varias de las estrategias típicas de una comedia norteamericana (como la trama y las apariciones musicales de bandas con música de moda casi inofensiva). Es un filme que se explica más por el cine mismo, que por la realidad.

18. The Barkleys of Broadway (Charles Walters): última aparición del dúo Astaire-Rogers. La historia es algo abusiva para la parte femenina, que es retratada como una incompetente tonta que no puede hacer nada sin su hombre. Los musicales están bien, aunque algo lejanos de los mejores momentos de la dupla.

19. A Scene at the Sea (Takeshi Kitano): otra gran cinta de Takeshi. Esta vez apela más al minimalismo, a la repetición de escenas y secuencias enteras que demuestran lo irrepetible del tiempo.Esto, pese a lo estancado de la vida de los personajes que parecene encontrar en el surf y el mar, la única salida para su existencia anodina, su calidad de outsiders.

20. Son frére (Patrice Chereau): más que interesante ejercicio de Chereau sobre los estados del cuerpo, sobre la degradación espiritual del cuerpo. Un pequeño movimiento que muchos han asociado a Lucien Freud, pero la escena previa a la operación, para mi gusto, es puro Mantegna.

21. Ce jour-lá (Raoul Ruiz): integrado en la cultura europea, Ruiz hace un ejercicio entre surrealista y rivettiano sobre la ambición que mueve la cultura occidental actual. El Estado suizo (ejemplo de la civilización occidental) mueve los hilos del poder económico para asesinar a la delirante Livia, la heredera de una fortuna derivada del comercio actual (el de las marcas), para lo que deja libre a un confundido asesino.

22. Um filme falado (Manoel de Oliveira): notable filme del maestro Oliveira sobre los avatares de la Europa contemporánea. Un mundo de rico pasado y apacible presente, pero que todavía ve al resto de la humanidad con una mirada exótica, como el souvenir de la mujer musulmana, como un problema ajeno al mundo en que viven. El estilo es radical, la primera parte es una suerte de visita guíada por las ciudades más importantes (en términos culturales) del mediterráneo, en el que la cámara se pasea con una intención difícil de adivinar en un principio. La segunda parte es una larga conversación entre tres brillantes mujeres, representantes de lo mejor y peor (el filme sugiere constantemente las contradicciones de la cultura) del mundo europeo junto al capitán del barco, un norteamericano. La tercera parte, es la inclusión en la mesa de la madre e hija turistas, cuyo final es amargo, terrible, es el final del deseo de entender más el pasado, las otras culturas, de integrarse a un mundo, que meses después de la fecha del filme (julio 2001) se convierte en una pesadilla.


Thursday, October 20, 2005

Viewing Log: narcisismo puro

Siguiendo la tradición ciberné(rd)tica de poner una lista de películas nuevas que se ha visto en un período, haré una lista mensual. Esta es la que corresponde a setiembre, mes de terrible inactividad de mi blog:

Por orden de visión:

1. Sympathy for Mr. Vengeance de Park Chan Wook. Por cierto, una película fascinante y una película, a mi gusto, mucho mejor que OLDBOY.

2. Ucellacci e Uccellini de Pier Paolo Pasolini. El placer de ver al ucellini favorito de PPP: Ninetto Davoli, en una película brillante. Por cierto, siempre entendí que se trataba de un cuervo perteneciente a la inteligentsia socialista.

3. Assasination of Richard Nixon de Niels Muller. Mucho mejor de lo que esperaba.

4.Meet Me in St. Louis de Vincent Minelli. Aunque los números musicales no son exhuberantes, se trata de uno de los filmes más bellos de la época. Es un verdadero placer escuchar a la Garland.

5. Stagefrigth de Alfred Hitchcock. El cine de Hitch nunca cansa, aun cuando no se trate de una obra maestra. La Dietrich no pierde oportunidad para mostrar sus números musicales y Hitch se manda unas tomas directamente tomadas de von Sternberg. El villano del filme es de antología.

6. Teorema de PPP. Uno queda como transformado luego de esta más que brillante parábola de ribetes cristianos. Y eso que no cuento el placer de ver a Silvana Mangano en uno de esos roles de "mujer rica pero sexualmente insatisfecha, frívola pero infeliz, y con una autoconsciencia de clase que le habrían ahorrado varios dolores de cabeza a la corono británica." Además de Laura Betti alcanzando la santidad. También aparece Ninetto entregando cartas mientras vuela como un pajarillo.

7. 3 Iron de Kim Ki-duk. La última media hora de esta película es poco más que fascinante, es cine en su estado puro. Kim es capaz de hacer una obra brillante como esta y una cosa tan mamarrachienta como su Spring, Summer y demáses. En todo caso, se trata de una cinta excepcional, como pocas de las que se han realizado en los últimos años.

8. Sin City de Robert Rodriguez. Los vanos intentos de RR de ser novedoso e interesante. Una banda sonora hecha por un adicto al speed metal o alguien que trabaja taladrando pisos. La cinta tiene sus momentos, pero desfallece al intentar dar unidad a algo que quedaba mejor como viñetas, como episodios sueltos en el aire.

9. The Fury de Brian de Palma. Esta película me convenció que los Douglas tienen mala vejez. A los que no se les da por casarse con chicas 30 años menores que ella, les da por salir semi desnudos y jugar al decrépito héroe de acción. La película es insufrible, pese a su gusto por la serie B y pese a John Cassavettes.

10. Last Days de Gus Van Sant. Mi comentario sobre este filme está en otro post, más abajo.

11. Stella Dallas de King Vidor. La última vez que lloré tanto por algo, fue con Andrea Chernier. El melodrama de sacrificio en su mejor expresión. El movimiento de cámara final que hace Vidor sobre la Stanwyck, me recuerda a ciertos fragmentos de Breaking the Waves. Y no puedo dejar de asociar el despertar final de la Bergman de Stromboli, al sentimiento que la niña despierta en el alma de Stella Dallas.

12. A Tale of Cinema de Hong Sang-soo. Si se trata de hacer cine inteligente y arriesgado, ya sabemos hacia dónde ir. Hong es un director in progress, alguien que parece estar haciendo los cimientos de grandes obras. Esperaré un poco más para dar mi opinión sobre este director, que hasta ahora viene haciendo las cosas muy por encima del promedio.

13. Le Boucher de Claude Chabrol. Uno de los clásicos del director francés que muestra los límites entre una sociedad civilizada y los instintos humanos más profundos.

14. El ángel ebrio de Akira Kurosawa. Nuevamente AK demostrando por qué es una de las figuras centrales del cine. Como el Fellini post neorealista, AK prefiere una puesta en escena que tiende hacia un estilo clásico, controlado y funcional. Si hay algo que da a entender cada película de Kurosawa es que un director de cine es, sobre todo, un creador de imágenes.

15. Palindromes de Todd Solondz. Ejercicio formal medio tramposo. Ya comentaré más adelante.

16. Super espías de Danny Pang. Hong Kong hi tech, para un director con escasa imaginación.

17. A la verticale de l'été de Ann Tran Hung. Vietnamita radicado en Francia, haciendo una mezcla medio pesada de Lou Reed, exotismo oriental, intentos Chejovianos y fotografía preciosista. Hay tanto de realidad en esta película, como en la sonrisa de Tom Cruise.

18. House of Bamboo de Samuel Fuller. Sospecho que esta es una pésima introducción al cine de este director, la historia es bastante sosa, la cinematografía está un poco mejor, pero poco ayuda a una cinta que quiere decir tan poco en tanto tiempo.

19. Wayward Cloud de Tsai Ming Liang. Uno de mis favoritos hace una obra delirante, excéntrica y polémica. Salvo el final, que borda el esperpento, la película está bastante bien, aunque sin llegar a los niveles de Good Bye Dragon Inn o The River.

20. Die With Your Boots On de Raoul Walsh. Me da la impresión que nadie editaba con la velocidad con la que se trabajaban los filmes de este director. Tanto White Heat como Die with... se adelantan varios años al aburrido de Scorsese y sus imitadores. La escena de despedida entre Flynn y De Havilland podría ser una película por sí misma.

21. Nightmare Alley de Edmond Goulding. Ya le dedicaré un poco más de tiempo a esta obra fascinante, que me ha enseñado varias cosas valiosas sobre el cine y sobre el mundo mismo. Tyron Power es de esos actores que ya no pueden existir porque el mundo se ha hecho más pequeño, parafraseando a Norma Desmond.




Tuesday, October 18, 2005

Los 15 años de IMDB


Tengo que admitir que le tengo mucho cariño a IMDB. De hecho, fue la primera página a la que ingresé en uno de los tres salones de la UdeL que permitía que los alumnos más curiosos entráramos, por una hora, a conocer un novedoso invento llamado Internet.

Desde entonces, es mi referencia para chequear los datos de las películas: qué ha hecho antes el director, el reparto, si la película tiene premios, links a críticos de medios como el NYT, el Village Voice, WSW, el a veces gracioso Mr. Cranky, y mis favoritos, DVD Beaver.

Las dos peores cosas que tiene son las críticas de los usuarios, en un 95% opiniones cargadas de ignorancia, y los messages boards, también responsabilidad de unos usuarios que parecen tener un sistema que les permite escribir desde los cojones a la PC.

Para terminar de malograr su buena imagen (y quizás sea la razón de las cosas malas), acaban de publicar una lista de las mejores 15 películas según el staff de IMDB. Francamente, creo que se la escribió un ejecutivo de PR de una distribuidora gringa o del Blockbuster. Simplemente patética. Y ni qué decir de sus comentarios año a año, en el que se enteraran de grandes hechos que han marcado la historia del cine de los últimos 15 años, como los rompimientos entre Bradd Pitt y Jennifer Anniston, o el de Tom Cruise y Nicole Kidman.

Christopher Doyle ... again

Filmmaker Magazine acaba de poner en circulación su nuevo número. Entre otras cosas, destaco la entrevista a Christopher Doyle, el más endiosado de los directores de fotografía actuales. Independientemente de lo brillante de su trabajo, creo que la gente tiende a inflar mucho su participación en el resultado final de una película (alguna vez leí la opinión de algún cretino que decía que sin él Wong Kar Wai no sería nada), como -citando a All About Eve- si se olvidaran que el piano no compuso la sinfonía. En todo caso, se manda unas declaraciones que tienen mucho de verdad. Estos son unos fragmentos que traduzco:

"Creo que la diferencia (entre el cine norteamericano y el asiático) es el nivel de energía. Asia está como la nueva ola australiana, el cinema novo brasileño, la nueva ola francesa. ¿Por qué? Porque hay una confluencia de intenciones y economía, aquellos elementos que funcionaron bien antes. Lo que es extraño en occidente, -bueno, no tan extraño-, es que la gente está perdida. Seamos honestos (se ríe). Ya sea que culpen al 11 de setiembre o a la falta de educación de las escuelas, la gente está perdida."

"El clima actual en la mayoría de los países occidentales es anti-artista, poque la función de un artista es abrirle los ojos a la gente, y esa no es la función de una meritocracia petrolera texana. Hello! Y cada persona en el mundo real ve esto, y es por eso por lo que nosotros (los asiáticos) hacemos el cine que hacemos. Porque ustedes no tienen la libertad, no tienen la integridad. Tienen que hacer remakes de todo lo que hacemos. Voy a ver a Martin Scorsese y le digo: "¿No crees que debería decirte acerca de los lentes?" Él me dice: "¿Qué quieres decir?" Y le digo: "Bueno, estás haciendo un remake de mi film Inffernal Affairs. Película que fue probablemente escrita en una semana, la filmamos en un mes y tú vas a hacer un remake. Ja, ja, ja. ¡Buena suerte!"

Doyle acompañado de Tom Twyker en la Berlinale 2003

Sobre Shall We Dance? (2004): La nueva versión es el pedazo más grande de mierda. Uno no sabe de qué mierda se trata. Y la versión original no es precisamente arte. No estamos hablando de un Kieslowski o Tarkovsky. Estamos hablando de una película del mainstream japonés, y ni siquiera pueden hacer eso bien.

Sobre The Aviator: "Si Martin Scorsese puede hacer un pedazo de mierda llamado "The Aviator" y entonces hacer un remake de una película hongkonesa, ¿no crees que ha perdido el camino? Piénsalo bien. "¡Necesito mi Oscar! ¡Quiero mi puto Oscar!" ¿Están los americanos locos? No hay una sola persona de los votantes del Oscar que sea menor de 65 años. Ni siquiera saben como conectarse a Internet. No tienen idea de lo que es el mundo real, No tienen más experiencias visuales. Lo que tienen son preocupaciones. Así que, ¿por qué un gran director como Scorsese tiene que chupársela a los miembros de la Academia con una mierda llamada The Aviator? ¿Y ahora tiene que hacer un remake de nuestra película?".

Thursday, September 15, 2005

Last Days

Algo pasó en la mente de Gus Van Sant cuando un amigo suyo le mostró una versión de Satantangó de Béla Tarr. Afincado en una industria cada vez más sosa (salvo notorias excepciones), el director parecía haber encontrado una serie de nuevas ideas para recomenzar su carrera como director interesante. Aun cuando varias de sus películas en Hollywood tengan cierto interés, en especial Good Will Hunting, una película que pese a tener un guión algo predecible, está manejado con un sentido del drama que sólo los mejores directores son capaces (me remito en especial a las secuencias con Minnie Driver). Su proyecto de Psycho, ampliamente criticado, tiene algunos puntos interesantes sobre la puesta en escena, la imposibilidad de re-crear un filme al pie de la letra, etc. Mucho más abajo están To Die For y sobre todo Finding Forrester, que más parece una floja película para televisión.

La primera etapa de Van Sant tiene su punto más alto en My Own Private Idaho, una cinta sobre dos jóvenes dedicados a la prostitución. Este filme es una suerte de adaptación del Henry IV de Shakespeare, convirtiendo a Falstaff en un explotador traficante y vago, y al futuro Henry V en el heredero de una fortuna familiar. Pero, mientras que en la obra de Shakespeare, el paso a la sociedad legal se produce a favor del orden establecido (una nación que recibe del fango a un valiente rey), en MOPI se produce una pérdida espiritual, una traición a la naturaleza libre de la calle.

"Gerry", trabajado junto a Matt Damon y Casey Affleck (quien me parece cambió de apellido recientemente), es minimalismo puro. Un hecho (un paseo en el desierto), una acción (la búsqueda de algo no determinado), un par de personajes, un lugar (el Death Valley de innumerables filmes míticos como Greed de Stroheim) son los elementos básicos para (des)armar una narrativa más que una historia. En este film, acompañado de la música de Arvö Part, el director utiliza la repetición de la estructura básica de una narración dramática y las desnuda, nos muestra su composición, nos muestra el esqueleto de lo que un filme es, léase, enfrentamiento de fuerzas contrarias, creando a partir de la naturaleza misma un mundo abstracto.

"Elephant" lleva esas reflexiones a un hecho todavía más concreto: la tragedia de la escuela secundaria Columbine. Aquí no se trata de re-utilizar la narrativa del periodismo, ni la del drama cotidiano. Es más bien una suerte de revisión del imaginario colectivo adolescente (el outsider, los profesores, la dificultad del mundo adolescente, las relaciones familiares, el mundo estetizado, las relaciones entre pares, etc.), enfrentados con lo más diabólico de la cultura, es decir, la violencia gratuita, injustificada, que nace quizás de la propia naturaleza humana que todo un sistema trata de ocultar a través de sus aparatos culturales. A mi juicio, esta es la obra definitiva del director.

"Last Days", sin llegar a las grandes dimensiones del filme predecesor es un filme poco menos que notable. La película nos muestra las últimas horas de Blake (Michael Pitt), un cantante de grunge inspirado en el malogrado Kurt Cobain, inexplicable ídolo musical de los noventas. A través de la poco más de hora y media del filme, vemos a Blake murmurar melodías, letras de canciones, frases inconexas; mientras se encuentra sumergido en una suerte de estado de letargo producto de alguna droga dura. Las referencias a la realidad del otrora líder de Nirvana son constantes a través de detalles como la casa donde fallece el músico, la visita de músicos amigos suyos para que entre en rehabilitación (cameo de la mismísima Kim Gordon), el look mismo de Blake, etc.

El filme entonces, se concentra en estos últimos días, pero de una manera atípica. La temporalidad como en "Elephant" es indeterminada (aunque a diferencia de ésta no pertenece a ningún punto de vista); vemos escenas que comienzan dos o tres veces, no hay un sentido cronológico claro (la música que abre y cierra el filme nos da la sensación de una forma cerrada), no sabemos si entre un hecho y otro pasan horas o días.

No hay, tampoco, el más mínimo interés en un retrato psicológico, al contrario, Blake es una especie de símbolo. Lo que para mí se convierte en el meollo del asunto. Blake como el líder de Nirvana, pertenece a una cultura que considera que el arte es básicamente una cuestión de "expresión personal". Es una idea muy difundida (cuyo punto de partida es el romanticismo y su punto más álgido es el expresionismo abstracto), pero como nos muestra el mismo filme, se muerde la cola a sí misma. Veamos. La música grunge parte de la idea que el rock americano de finales de los ochentas (la época de la explosión del hair metal) necesita dejar su lado frívolo, aparatoso, comercial, y regresar a la expresión pura, sin importar si se trata de una voz desafinada, unas guitarras sin mayor trabajo de afinación, un patrón rítmico mínimo, etc. En fin, una idea del rock democratizada a partir de una suerte de imperativo categórico emocional: un artista es más válido cuanto más condiciones tenga para expresar lo que siente, independientemente de la (im)pericia técnica.

Blake es precisamente la encarnación de esto. Es un tipo que sólo vive para sentir, ya sea mediante la ayuda de drogas o de los fantasmas que podrían atormentarlo. Su música es precisamente la puesta en escena de esa expresividad en estado puro que tanto parece haberle gustado a la cultura del grunge.

Este último punto es quizás lo que hace que más se diferencie este film de género del bio pic. Películas como "Amadeus", "Tous les matins du monde", "Pollock", "Ray", entre otras, toman al personaje principal y realizan una suerte de hagiografía dramática, donde el artista es víctima de aquellas pasiones que aparecen como una suerte de don divino (como bien lo expresaba el Salieri de Forman), muy a pesar de la sociedad y de ellos mismos. Los fantasmas de Blake son casi inexistentes, su mundo es el de casi un autista, impenetrable, incapaz de relacionarse con nadie realmente.

Alrededor de Blake pululan una serie de personajes que viven como en una especie de culto al cantante. No le hablan directamente (salvo cuando necesitan algo), lo dejan andar todo el día en el estado que quiere, etc. Son como los sacerdotes del mito cultural, aquellos que contribuyen a que la idea del creativo excéntrico se pueda mantener. Ellos al mismo tiempo se encuentran encerrados en su propio universo de placer (música, drogas, sexo, alcohol, etc.), que ciertamente es de una índole más comunitaria, pero que simboliza la suerte de canibalismo con la que la cultura trata a estos ídolos emocionales.

"Last Days" acaba con la ascención del "santo" a los cielos mientras suenan las voces de un motete de Janecquin, un músico renacentista, representante de aquella época en que la música era un camino a la espiritualidad, pero que se basaba en principios formales estrictos y la caprichosa "expresión personal" era una cuestión que quedaba lejos del arte. Por lo menos del verdadero.









Saturday, September 10, 2005

Café Lumière

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Hou Hsiao-hsien es uno de los más importantes directores que aparecieron en la década de los 80s en Taiwán. Aunque, ciertamente, nació en un pequeño poblado rural de la China contiental. Para muchos, uno de los autores más visionarios del panorama mundial cinematográfico actual y que a la fecha cuenta con alrededor de 20 películas.

La obra de Hou es árida, compleja, absolutamente ajena a cualquier parámetro del cine como entretenimiento. Sus largas tomas, con las que se le asocia permanentemente, lo hacen uno de los directores menos atractivos para la industria, consiguiendo una alarmante escasa distribución mundial, y la chance de verlo se reduce a las posibilidades de los festivales locales y, gracias a Dios, al DVD.

A Hou le gusta experimentar constantemente, aun cuando apele a una serie de constantes iconográficas, temáticas y de estilo. Cada film suyo de los estrenados en la última década apuesta por un régimen de puesta en escena y puesta en serie diferentes. En Flowers of Shanghai, por ejemplo, opta por una narrativa episódica, con una cámara que se mantiene fija durante el registro. En Millenium Mambo, se trata de un film apoyado en la memoria, con largas tomas acompañadas de música que parecen arrancadas de algún sueño. En The Puppet Master se trata de una entrevista a un titiritero real, acompañadas de la dramatización de su vida, y así.

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Café Lumière apuesta también por un registro diferente aunque, me parece, no desentona con la obra general del autor. El film nace como un proyecto de encargo de la compañía Sochiku, uno de los grandes estudios del Japón, que celebraba el centenario del mítico Yazujiro Ozu. Por esta razón CL se encuentra ajena a ciertos contenidos temáticos de la obra anterior de Hou, como sucede con las relaciones entre memoria e historia (que eran la base de filmes como Puppet Master o Good Men, Good Women).

Así, el film toma una serie de elementos iconográficos y temáticos derivados del cine de Ozu: los trenes arribando a la estación, la familia conversando durante una comida, los problemas de la modernidad frente a los valores tradicionales tan caros a los japoneses, las tomas largas, etc. Pero que ahora se encuentran rodeados de las reflexiones y del rigor estilístico del director chino.

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Aunque el filme no tiene una trama, en el sentido de una historia concatenada a partir de acciones, hay una narrativa que el espectador puede interpretar a partir de lo expuesto: Yoko (Hitoto Yo), una joven japonesa que vivía en Taiwán, le cuenta a su familia (madrastra y padre) que se va a convertir en madre soltera, a la par que investiga sobre un músico taiwanés que vivió en el Japón. Mientras pasa esto, aprovecha su tiempo para visitar a Hajime (Asano Tadanobu), un librero que se dedica a grabar los sonidos de la cadena de trenes que se encuentran en Tokyo.

Como en otros filmes del director, estamos frente a una mujer que se encuentra en un momento decisivo de su vida, desafiando a un sistema opresivo por naturaleza, aun cuando la nueva sociedad japonesa le permite potencialmente vivir una vida tranquila como madre soltera. De hecho, Yoko parece llamada a convertirse en una outsider por su renuencia a algunas reglas tradicionales a partir de su rechazo a hacer una familia con el taiwanés (rechazándolo además porque no se encuentra a gusto con la familia grande del sujeto y por el negocio familiar). Asimismo, por realizar pequeños detalles mal vistos por su madrastra, una persona de provincias (donde se resiste más a abandonar las costumbres de las sociedades tradicionales), como sucede cuando Yoko pide sake y vasos de una vecina.

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Estamos en un Tokyo impersonal, donde las viejas tradiciones son solo un recuerdo, una fotografía descolorida (como las que encuentra al entrevistar a una pariente del músico taiwanés), locales famosos que ya nadie recuerda, largos viajes en el tren, etc. Pero también, nos encontramos ante una familia disfuncional, donde las posibilidades de real comunicación se han extravíado, a pesar de que se comparten algunas actividades que en el Japón tradicional servían como procesos de integración familiar, léase la visita al cementerio, las comidas familiares, etc.

Yoko y Hajime mantienen una relación basada en una compañía tácita, pero fiel (recordemos como Hajime la acompaña mientras duerme); compartiendo los datos de la investigación, haciéndose regalos sin mayor efusividad, mostrando las cosa que hacen (como los gráficos que Hajime le muestra a Yoko), en suma, compartiendo su soledad.

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Al igual que este film es una suerte de espejo de un film de Ozu, la cinta de Hou se dedica a crear mundos que se reflejan unos a otros: el padre de Yoko se encierra en su mutismo, mientras que la madrastra se frustra por no tener la autoridad paternal para encaminar a su hijastra; Hajime crea un gráfico en la que él se dibuja al centro como un feto cubierto por una matriz formada de vagones, mientras que la ciudad se encuentra rodeada de vías ferreas; Hajime, una japonesa que escapa del clima mercantilista de Taiwán (simbolizado por la familia industrial), investiga la vida de un músico taiwanés que disfruta los valores tradicionales de Japón; en la estación del tren (un lugar público) Hajime y Yoko se encuentran más cerca de lo que ella se encuentra con su familia al interior del hogar (lugar privado).

Café Lumière es, a fin de cuentas, una espiral del mundo, un espacio cíclico en que las cosas parecen que se repiten una vez sobre otra. Es una reflexión sobre un tiempo casi cíclico que a manera de una espiral repite la misma historia, pero alterando los elementos, es la misma figura repetida en cantidad, pero que al mismo tiempo tiene un inherente cambio cualitativo. Es como la metáfora misma del nombre, que alude a los Lumière, aquellos franceses pioneros que filmaban con la cámara fija y que filmaban a las personas salir y entrar a los trenes.

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Monday, August 22, 2005

Tokyo Raiders - Seoul Raiders

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El cine pan-asiático no sólo es famoso por sus grandes autores, sino también por lograr lo que hasta ahora sólo habían alcanzado el cine norteamericano y el cine hindú: crear un circuito cinematográfico basado en criterios industriales. Corea del Sur, Hong Kong, Taiwán, Tailandia, Japón, China continental, entre otros, forman hoy un interesante circuito comercial de la industria del espectáculo (incluyendo la música popular, la televisión, Internet y otros medios digitales) donde Hollywood tiene una presencia importante pero no de absoluto dominio, como sí sucede en buena parte del mundo.

De todas estas industrias, sin duda, la más solvente es la hongkonesa, que con sus directores de filmes de acción, tales como John Woo o Tsui Hark, han logrado influenciar incluso al cine occidental. Al interior de esta gama de directores, se encuentra Jingle Ma, un artesano con el suficiente oficio y visión comercial como para hacerse de un par de éxitos de taquilla.

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Tokyo Raiders y la secuela Seoul Raiders, sin embargo, estuvieron algo lejos del tan añorado éxito comercial, funcionando relativamente bien en la taquilla. Ambas películas se basan en tramas que buscan la constante sorpresa, la ejecución de escenas adrenalínicas, abundantes cantidades de acción y piruetas, algunas dosis de humor, así como el encanto de sus protagonistas.

Las historias de ambas películas involucran a Lin (Tony Leung Chiu Wai), una suerte de agente secreto de filiación hongkonesa que se pasea en las calles de ambos países (Japón y Korea del Sur) para defender los intereses de algún tercero en discordia. Para esto, cuenta con una serie de artefactos y un grupo de bellezas locales que lo ayudan en cada una de sus tareas.

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En Tokyo Raiders (2000), trata de cuidar a Macy (Kelly Chen), hija de un famoso empresario, que acaba de ser abandonada por su novio japonés (Tôru Nakamura). Ella viaja a Tokyo para buscarlo junto a Yung (Eking Cheng), su estafado diseñador de interiores. Así, cuentan con la ayuda de Lin y sus asistentes para encontrarlo cuando tropiezan con el jefe Ito (Hiroshi Abe), uno de los yakuzas más poderosos del país.

Seoul Raiders (2005), por su parte, introduce a Lin convertido en un cazarecompensas tratando de atrapara a un grupo de hongkoneses que han robado las placas para realizar billetes norteamericanos y vendérselos a la mafia koreana, quienes a su vez, lo venderían a los grupos radicales islámicos. El encargado de esta venta es Owen (Richie Ren). En el camino de sus actividades, Lin se encuentra con una joven que dice ser también una cazarecompensas, la china J.J., interpretada por Shu Qi.

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Hay una clara diferencia estilística entre una película y otra. TR parece una película de Jackie Chan en su tratamiento de la acción en términos cómicos, su fotografía (realizada por el mismo Ma) opaca, casi naturalista. SR parece un producto más hi-tech, con hombres vestidos de un negro brillante, trabajo fotográfico más estilizado, acciones más basadas en la grandiosidad que en la pirueta del actor.

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En fin, se tratan de películas bastante livianas, con algunas resoluciones visuales algo torpes, interesadas en dar golpes de efecto al espectador, retrogradamente sexistas, poco novedosas, etc. Quizás, la menos lograda sea SR debido a lo rebuscada de sus salidas dramáticas y sus postizas resoluciones en la trama.

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Si hay alguna razón para ver esta película es el estupendo grupo de actores que forman parte del star system de la zona. En primer lugar, es interesante ver a Tony Leung Chiu Wai retomar su papel de actor de artes marciales, donde además, maneja una personalidad chispeante y cínica. Como todo actor de la zona realiza sus propias piruetas (incluído el salto entre dos vehículos en movimiento). Esta es la segunda vez que veo a Ekin Cheng y ha cambiado un poco la percepción que tenía de él, en esta película lo veo mucho más animado, expresivo, capaz de crear un personaje donde casi no lo hay. Kelly Chen demuestra acá porque es una de las mujeres más adoradas de Hong Kong. Shu Qi, la notable actriz de Millenium Mambo y El Ojo 2, luce simplemente esplendorosa. Richie Ren, Tôru Nakamura e Hiroshi Abe cumplen con sus roles algo secundarios. También se tiene la oportunidad de ver un par de cameos interesantes como el de Yuki Moriyama y Cecilia Cheung.

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Saturday, July 30, 2005

Morrissey versus Warhol

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Paul Morrissey

"Realmente tengo que explicar quién era Andy (Warhol). Era un hombre discapacitado, autista y disléxico al grado de no poder leer una sola palabra. Era asustadizo y tímido; no tenía intereses artísticos y no le interesaba otra cosa que hacer dinero"
. Estas son palabras de Paul Morrissey al Times UK (www.timesonline.co.uk), quien parece ya estar harto de que sus obras sean atribuídas al artista emblema del arte pop de los Estados Unidos.

De acuerdo al investigador Maurice Yacowar, también biógrafo de Morrissey: "Él fue responsable de las tres cosas por las que el público conocía a Warhol: el grupo de rock (los proyectos con la Velvet Underground), la revista (Interview Magazine) y, especialmente, las películas (Flesh, Trash y Heat)."

"Alguna vez alguien me preguntó ¿Qué significaba ser el manager de Andy'. Yo respondí que tenía que pensar las cosas que Andy debía hacer, hacerlas y luego pretender que él estaba involucrado", sigue diciendo Morrissey.

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Joe Dallesandro en Heat (Paul Morrissey, 1972)







Thursday, July 21, 2005

Christopher Doyle


Aparentemente los días para ser salvajes entre el director Wong Kar Wai y el director de fotografía Christopher Doyle han terminado. En una entrevista aparecida hace unos días en el diario británico The Guardian, Doyle sostiene: ¿Cuántos años me quedan? ... Creo que el problema para mó es que hay gente que me importa y que son realizadores, y estoy constantemente rechazando proyectos debido a su (se refiere a los largos rodajes de Wong) situación fuera de control. El viaje ha sido maravilloso, pero hay otros grandes amigos míos que me han estado esperando."

Sobre 2046 dice: "Siento, en retrospectiva, que 2046 era innecesaria. Creo que Wong Kar-Wai lo notó en algún momento, y es por eso que le tomó tanto tiempo. Te das cuenta que básicamente habías dicho lo que tenías que decir, así que, ¿para qué decir más? Es como lo siento. Creo que eventualmente tienes que continuar."


Senses of Cinema: nuevo número en línea

Ya está en línea la más reciente edición de Senses of Cinema, la mejor revista de cine que se pueda encontrar en la red. Ahora se pública en períodos más espaciados que antes, pero mantiene la característica de contar con varios de los comentarios más lúcidos e informados de la red, así como una base de datos crítica de algunos de los grandes directores del cine.

Ahora destaco un artículo sobre esa pequeña obra maestra del último cine norteamericano llamada Elephant.



Otro artículo que relaciona, en términos filosóficos, el concepto de "hospitalidad" en Dogville de Lars Von Trier.

Una entrevista a Lisandro Alonso, director de Los muertos, una de las mejores películas hechas en esta parte del continente.


Un análisis de Lancelot du Lac de Robert Bresson

Además una continuación de un artículo sobre los trailers de las películas de Alfred Hitchcock (quien también se suma a la base de datos crítica), un análisis sobre Douglas Sirk, un perfil analítico de Clouzot, Winterbottom y mucho... mucho más.

Sunday, July 17, 2005

Azumi

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Azumi es un manga de Yu Koyama, dibujante de casi 60 años, con una larga y fructífera presencia en este género. Desde su aparición en 1997 se hizo de una gran legión de fanáticos, por lo que su transformación en una película de acción real era sólo cuestión de tiempo. La TOHO, el mítico estudio japonés, responsable de buena parte de lo más importante -cuando no de los más bizarro- del cine de su país, se hizo cargo de la adaptación.

El encargado de tal empresa fue Ryuhei Takamura, cuya Versus, un delirante filme de bajo presupuesto había llamado la atención de los fanáticos del cine de serie B y de ciertos cinéfilos con el criterio un poco liviano.


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La película cuenta el nacimiento de Azumi como héroe. La historia se ubica en el Japón feudal, cuya tradición fílmica (desde Mizzoguchi a Kitano) lo pinta como un territorio inhóspito, donde los estamentos más altos y fuertes tienen un poder tiránico frente al pueblo, siendo las mujeres, niños y campesinos los más golpeados. Al inicio de la película vemos que la madre de Azumi ha muerto y ella está abandonada en un paraje desértico, donde un hombre acompañado de un grupo de niños, se la lleva. Este sujeto es un ronin, un antiguo samurai, que ahora tiene la misión de formar un grupo de asesinos que ayudarán a mantener el orden en el reino, atacando a cualquier señor feudal que quiera combatir al poder establecido.

Este grupo de jóvenes se cría en las montañas, donde aprenderán las más sofisticadas técnicas del combate con sable. Alcanzada cierta edad, el Maestro los obliga a matar a su compañero más cercano y partir en busca de la primera misión: asesinar a tres señores feudales que intentan poner en jaque al estado actual. La película ahondará entonces, en la lucha que tienen con dos de estos señores y su bizarro séquito.

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Estamos pues, ante una historia canónica en su sentido más literal: ante la muerte de la figura materna aparece la figura paterna (y si queda duda hay una crucifixión de alguien a quien llaman Maestro) que enseñará las reglas de un mundo difícil. Es un lugar masculino, misógino y misántropo. Es la creación del mito de una mujer masculinizada, convertida en una especie de ser andrógino (para eso la capa), que blande el sable ante la maldad del mundo.

Pero todo está ambientado dentro de un universo excesivo y hasta kitsch. Los habitantes del Japón feudal forman parte de una suerte de imaginario delirante, parecen sacados de un filme de serie B de Hong Kong o un filme de Sam Raimi. Incluso la música es una versión en guitarra y sintetizador de un filme de aventuras. Se trata de una postura estética del director, legítima sí se quiere.

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En general, es una película aplicada, concentrada en sus temas y en su estética. Pero a veces, eso no es suficiente. La película es cavernaria en su tratamiento del bien y del mal, manipuladora con los sentimientos, retrógrada en el tratamiento de las diferencias (sólo los buenos son bellos, el resto de malos son sexualmente ambiguos, animalescos, feos), superficial en temas como la muerte (hay muertes y sangre por doquier). Su dramaturgia es de fórmula cuando no se muerde la cola (por ejemplo, la reacción del maestro al arribo final de Azumi). Quizás la palabra que mejor resume y describe esta película es "infantil", como gran parte del arte que quiere alcanzar un público heterogéneo.

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Se podría argumentar que esto es cine en estado bruto, es decir, un cine que usa la imagen para alcanzar el máximo movimiento posible, un cine de extensidad y no de intensidad. Puede ser que sea cierto. Pero en este caso, la palabra "bruto" adquiriría un significado muy amplio.

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