Cinema Days

Balance personal del 2008

2008-12-31T10:13:00.011-05:00

Este es mi balance personal del 2008. Como es usual, se trata de una lista que escoge parcialmente lo que llega a mis manos bajo las vías más clásicas de la cinefilia y a través de grupos como Tik o KG. Gracias a ellos, puedo acceder a películas que de otra manera no podría ver porque jamás llegan o tendría que soportar la pésima proyección de algunas mal llamadas salas de cine club, que no ofrecen otra cosa que una mala proyección de video digital.

Perdiendo el tiempo

Ian Curtis no se merecía un biopic tan soso como el perpretado por Anton Corjbin. Salvo la estupenda fotografía y la siempre agradable presencia de Samantha Morton, la película no pasa de ser otra historia que perpetúa el ideal romántico del artista atormentado tan propio de la cultura popular.

El cine asiático apuesta por las grandes fantasías de acción con tintes melodramáticos y nacionalistas al estilo de "Héroe" de Zhang Yimou. Este año, he logrado ver dos fallidas películas que tratan de alcanzar este ideal, colocando a las estrellas más rentables de Asia como Tony Leung Chiu Wai, Takeshi Kaneshiro o Andy Lau. Sin embargo, ni The Warlords (Chan) o Red Cliff (John Woo) no logran pasar de la medianía y están filmadas bajo un estilo rimbombante que recuerda al peor Hollywood.

Aunque tiene momentos de cierta intensidad y una historia es sólida y bien narrada, "Stop Loss" hace extrañar a la serena sencillez de la opera prima de Kimberly Peirce. "Dream" de Kim Ki-duk

Logros parciales
"Cloverfield" de Matt Reeves es una buena película de monstruos, filmada con "bravura" bajo un estilo testimonial simulando una hand-held cacera. Las convenciones del género funcionan perfectamente, el suspenso y los efectos visuales aunque se extraña cierta calidez en la interpretación de los personajes.

"Atonement" de Joe Wright fue una gran sorpresa. Cuando se espera el típico drama de "qualité" que tanto emociona a la Academia, aparece esta película bien construida, con unos planos secuencia espctaculares y con un estupendo reparto, a pesar de Keira Knightley.

"We Own the Night" de James Gray es una buena película que está a medio camino entre el género y el cine de autor.

"Liverpool". Formado por una serie de planos secuencias bien logrados, la última película de Lisandro Alonso tiende a confundir sencillez con vacío.

Otras películas con momentos de interés son "The Good, the Bad and the Weird", REC (con un par de secuencias muy buenas aunque por lo general confunde griterío con sensación de terror), Shaun of the Dead y Hamlet 2, que tiene un musical de antología dentro de una película por lo demás intrascendente.

La lista sin comentarios

30. There will be blood (Paul Thomas Anderson)

29. The History Boys (Nicholas Hytner)

28. The Assasination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik)

27. Centochiodi (Ermanno Olmi)

26. Bashing (Masaki Kobayashi)

25. Grace is gone (James C. Strouse)

24. OldJoy (Kelly Reichardt)

23. Chaser (Na Hong-jin)

22. My Blueberry Nights (Wong Kar Wai)

21. Rois et reine (Arnaud Desplechin)

20. The Last Mistress (Catherine Breillat)

19. Sukiyaki Western Django (Takashi Miike)

18. 3 Monkeys (Nuri Bilge Ceylan)

17. I'm not there (Todd Haynes)

16. Nightwatching (Peter Greenaway)

15. No Country for Old Men / Burn After Reading(Joel Coen)

14. Happy Go Lucky (Mike Leigh)

13. La mujer sin cabeza (Lucrecia Martel)

12. El viaje del balón rojo (Hou Hsiao Hsien)

11. El romance de Astrea y Celadon (Eric Rohmer)

10. Mourning Forest (Naomi Kawase)

9. Syndromes and a Century (Apitchapong "Joe" Weerasethakul)

8. Sparrow (Johnnie To)

7. La Fille coupée en deux (Claude Chabrol)

6. My Winnipeg (Guy Maddin)

5. Die stille vor Bach (Pere Portabella)

4. Notre Musique (JLG)

3. Paranoid Park (Gus Van Sant)

2. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín)

1. Ne touchez pas la hache (Jacques Rivette)

Don Giovanni de parranda con Dudamel

2008-11-30T13:50:00.004-05:00

Joven estrella del mainstream clásico internacional, el venezolano Gustavo Dudamel estrenó en La Scala hace un par de años una de las óperas más tradicionales y representadas de Mozart, Don Giovanni o la . El resultado es, siendo muy optimista, irregular.

La idea de convertir un drama giocoso en un drama, oscureciendo algunas arias tradicionalmente divertidas como "Madamina, il catalogo é questo" o "Batti, batti, o bel Masseto" o el sexteto "Sola, Sola in buoio loco", no hacen si no empobrecer la obra, reducirla a un solo tono, que además tiene un tufillo misántropo (¿alguien merece compasión en esta puesta en escena?).

Un estupendo Leporello

Así, la puesta de Peter Mussbach deja cierto sinsabor. Ciertamente, funciona muy bien partir el escenario en dos grandes muros, así como convertir a los campesinos en un grupo de bailarines, que subrayan o enriquecen algunas arias y la puesta en escena en general. Pero, vestir a los cantantes en una especie de ropa discotequera no funciona. En especial, en el caso del Don Giovanni de Alvarez, que más parece salido de algún bar de amantes de la Harley Davison.

La aproximación musical de Dudamel es irrelevante, sosa y sin mayores aportes a una larga tradición interpretativa. Sobre todo, si se le compara -algo injustamente, probablemente- con las versiones de directores más experimentados e informados, como Gardiner o Jacobs.

La mejor parte se la lleva Ildebrando D'Arcangelo como Leporello. Este estupendo cantante encara su papel con una envidiable seguridad y aplomo, jugando con las frases musicales con bastante buen gusto e ingenio. Asimismo, Verónica Cangemi interpreta muy bien a Zerlina, aun cuando la dirección escénica la obliga a hacer ridiculeces como tirarse encima de Masseto, quien precisamente está estupendamente bien interpretado por el bajo italiano Alex Esposito.

Menos entusiasmo, me producen Carlos Álvarez y Monica Bacelli como unos poco inspirados Don Giovanni y Donna Elvira (ataviada como una revejida vamp). Aunque no están fuera de papel, su interpretación me parece demasiado tradicional. La parte más floja se la lleva el dúo Don Ottavio y Donna Anna, interpretados por un descajado Francesco Meli y una Carmela Remigio, que simplemente no puede con el rol. Sus coloraturas son demasiado forzadas y en el peor de los casos no alcanzan las notas necesarias.

En suma, un Don Giovanni producto de la inmadurez, la creatividad malentendida, que solamente se sostiene por algunos elementos fuertes y una de las mejores partituras del autor.

Los 10 mejores 2007

2008-01-16T21:33:00.001-05:00

Con alguna demora, termino esta lista de los mejores del 2007 del cine que he visto.

10. Princess Racoon

Obra totalmente inventiva. Suzuki mezcla las tradiciones de su país con el pop, la fantasía con la alucinación postmodernista

9. Aleksandra

Una de las películas más accesibles de Aleksander Sokurov, Aleksandra es una mujer de mediana edad presente en un conflicto que le pertenece a medias. Casi al final de su vida, Aleksandra vive en un mundo alterno al de las guerras.

8. Still Life

Jia Zhang Ke es otro especialista en climas, en la sutileza de los movimientos de cámara, de los pequeños gestos de actores que delatan sentimientos arraigados.

7. Flags of our Fathers/Letters from Iwo Jima

Un regreso a forma de Clint Eastwood es este díptico del director norteamericano más interesante de las últimas dos décadas. Dos caras de una moneda en todo sentido. Flags es eufórica, mientras que Iwo Jima tiende a la pasividad.

6. Climates

Probablemente uno de los mejores ejemplos de este estilo contemplativo tan de moda en el circuito art house. Esta cinta de Nuri Bilg Ceylan presta atención a los más mínimos gestos del rostro, a los silencios significativos para dar a conocer el final de una pareja disfuncional.

5. Coeurs

Maravilloso film de Alain Resnais, veterano que ahora arriesga por una puesta en escena que mezcla elementos del cine clásico y destaca su teatralidad, su artificialidad para contar con mayor naturalidad los bericuetos sentimentales de un grupo de personajes.

4. Memories of Murder

El coreano Bong Jon Ho es uno de los más brillantes directores de cine de género. Esta historia de la búsqueda imposible de un asesino está filmada con un ritmo que no se desgasta, una tensión trepidante, una puesta en escena que aprovecha al máxio los recursos genéricos de su material.

3. INLAND EMPIRE

Delirante fantasía de David Lynch, uno de mis dementes favoritos. Diversas viñetas se juntan en esta puesta en escena que al espectador no le queda sino descifrar...

2. Brand Upon the Brain

El canadiense Guy Maddin sigue empeñado en un cine que rinde homenaje a la fantasía y desborde emocional del mejor cine mudo.

1. Secret Sunshine

Obra maestra de Chang Dong-Lee, muestra las desventuras de la religión entendida como una reacción al dolor personal.

Segunda parte (20-11)

2008-01-03T21:04:00.000-05:00

Aciertos
Sin llegar a ser grandes películas, las siguientes obras tienen una serie de méritos que las colocan por encima del promedio:
- Half Nelson de Ryan Fleck, con Ryan Gosling, probablemente uno de los mejores actores de su generación.
- Children of Men. La primera película por encima de lo aceptable de Alfonso Cuarón.
- This is England. Algo frívola, pero interesante cinta de Shane Meadows sobre un púber metido a skinhead en la tatcheriana Inglaterra de los 80s.
- Angel. El mejor Francois Ozon en varios años. Sin perder el toque kitsch, pero sin resultar sosamente predecible.
- Rescue Dawn de Werner Herzoeg, destaca sobre todo por Christian Bale pese a una secuencia final de folletín patriota.
- Old Garden del sólido Im Sang Soo, sobre el aprendizaje sentimental de unos jóvenes coreanos.
- You the Living. Una serie de viñetas sobre la infelicidad y el poder de la música de Roy Andersson.
- Ploy. Pen Ek Ratanaruang en un plan visual impresionante, aunque con poco que decir.

Las favoritas
Estas son las 20 películas que por alguna razón me dan razones para seguir en esto:

20. L'Ivresse du pouvoir.

Estupenda Isabelle Huppert enfrenta a ejecutivos corruptos en una de las admirables piezas de la burguesía francesa que tanto entretienen a Claude Chabrol, uno de los fundadores del cine moderno.

19. Laberinto del fauno.

Clásica en su concepción dramática, esta película de Guillermo del Toro es una buena muestra que el cine fantástico no tiene porque rellenarse de efectos visuales que más parecen piruetas para ser divertido, sorprendente y aterrador al mismo tiempo.

18. Boss of It All

La voluntad de crear nuevas fronteras para el cine sigue como leit motiv en la obra de Lars von Trier. Boss tiene un sistema de filmación mecánico, que sin embargo, mantiene las condiciones de la continuidad espacio temporal del cine clásico.

17. It's a Free World

Ken Loach, uno de los grandes directores británicos de la actualidad nos muestra ahora el mundo de los inmigrantes ilegales desde el punto de vista de una desempleada que aprovecha la desesperanza de otros para hacer dinero.

16. Exiled

El mejor director de policiales de Hong Kong, Johnny To, junta a su troupé para un ejercicio de estilo gratificante.

15. Eastern Promises

David Cronenberg continua con sus retratos sobre la violencia en el cine de género. Esta vez en una todavía más cruda cinta que recuerda algunos aspectos de sus inicios, recuerda sus obsesión con la corporalidad humana. La secuencia del sauna es una de las mejores escenas filmadas por el director.

14. Once

El debutante John Carney ha hecho lo que muchos han intentado en los últimos años, hacer un musical de aires contemporáneos sin perder el sabor romántico y naive del musical clásico.

13. Luz silenciosa

Todo un salto positivo para Carlos Reygadas, cuyas dos primeras películas estaban entre lo infumable y el mal gusto. Luz silenciosa se debate entre la contemplación naturalista y el cine espiritual a lo Dreyer (a quien rinde homenaje abiertamente).

12. I Don't Want to Sleep Alone

Película de cambios para Tsai Ming Liang. Aunque fiel a su estilo tableaux, explora ahora la profundidad de campo, cambia las función del agua como símbolo desbordado de las pasiones humanas. Ahora el agua está estancada como los sentimientos de los protagonistas, resignados a seguir sus pulsiones en una situación de piedad por el ser amado.

11. 4 Months, 3 Weeks and 2 Nights

Durísima obra del rumano Christian Mungiu sobre unas mujeres de clase media baja oprimidas bajo un régimen patriarcal. Pese a que está situada en el pasado, muchos de los principios que rigen la opresión de estas mujeres aún existen en la actualidad.

Lo mejor del 2007

2007-12-31T18:10:00.000-05:00

Y termino este año de total inactividad en ni blog con mi lista/recuento de lo que más me ha gustado del cine visto. Me hubiese gustado poder dedicarle más tiempo al blog, pero los múltiples cambios me han tenido un poco abrumado.

Este año que viene espero poder escribir más, aun cuando en el camino tengo un par de proyectos que van a ser más o menos exigentes.

Decepciones

Precedida por una inexplicable miriada de críticas positivas, Borat es una pieza cómica de dudoso buen gusto, sin mayor mérito cinematográfico, hecha a la medida del contracultural más mainstream de Hollywood.

Zodiac de David Fincher, por el contrario, es una película mucho más ambiciosa estilísticamente, pero que termina vaciando sus aspiraciones por una suerte de rudeza dramática. Si bien lo que busca Fincher es precisamente darle la vuelta a los principios del thriller, no debió ir por el lado literal, poniendo pistas falsas o haciendo perder el interés no sólo de los personajes sino del espectador. ¡Qué diferencia con la maravillosa película que ha hecho Bong Jon-ho con casi el mismo material! Incluso, hay otro ejemplo del cine coreano, Voices of Murder, que también hace los mismo, pero con mucha más sutileza.

Zhang Yimou en otra irrelevancia de producción costosa. Su "The Curse of Golden Flower" es puro camp involuntario, en el que mezcla componentes shakesperianos con espadachines de lentejuelas.

El caso de Takashi Miike es similar, comienza con una película interesante, pero poco a poco sucumbe a la primera idea que se le viene a la cabeza, convirtiendo este filme en una suerte de ensayo de lo que podría haber sido una buena obra.

Los detractores de Park Chan-wook tienen mucho de que hablar a propósito de "I'm a cyborg and that's OK". Esta cinta peca de superficial y naive, muy a pesar de todo el estupendo trabajo visual.

Otro embelezado en su propio talento visual para hacer películas que no interesan a nadie es Quentin Tarantino, cuyo homenaje al Grindhouse es una hora y media de naderías pseudo feministas, con los tres personajes menos carismáticos del año. Jugando contra las espectativas fue su compañero de aventuras cinéfilas, Robert Rodriguez, quien hizo la cinta de acción, mal gusto y políticamente incorrecta más divertida.

28 Weeks Later es lo que típicamente le pasa a una buena idea en Hollywood, la cogen, la inflan con un presupuesto alto (justificado esta vez por los efectos especiales), ruido y explosiones a granel, que le quitan cualquier espontaneidad.

Apocalypto de Mel Gibson es admirada por mucha gente a la que respeto, sin embargo, me parece tan solo una especie de Rambo versión mesoamerica

Fallidas también son "Belle Tojours" del siempre brillante Manoel de Oliveira. Este pequeño homenaje al film de Buñuel es poco inspirado. Lo mismo se puede decir de "Black Dahlia" de Brian de Palma, una cinta sin foco alguno, con una inexplicable Scarlett Johannson.

Lo mejor de mi 2006 (Parte 2)

2007-01-08T22:43:00.000-05:00

30. "A History of Violence"
Cronenberg está en un estado en que podría filmar cualquier cosa con los ojos cerrados. AHOV es una muestra de cómo una visión personal (al mejor estilo del cine clásico) puede teñir cualquier historia. Los monstruos en esta película viven en el fondo de las personas "normales", del clásico americano del cine, que por defender su modo de vida es capaz de acabar con los malos.

29. "Takeshis"
Este es un filme de trancisión, autorreflexivo que mediante la parodia trata de cerrar un ciclo de la obra de uno de los más importantes directores de la actualidad. Takeshi Kitano se ríe de sí mismo, de su fama, su "leyenda" en este arrebato narcisista que es muy divertido. Parafraseando a la West: "cuando es bueno es bueno, cuando es malo es mejor".

28. "Triple Agent"
El maestro Rohmer sigue en actividad, pero lejos de repetirse (ejem, ¿alguien dijo Allen o Scorsese?), ha cambiado el chip y ahora viene realizando pequeñas historias pasionales bajo el prisma de una época histórica controversial. A la traición sentida por una mujer durante la revolución francesa en "La dama y el duque", "Triple Agent" suma la historia de un traidor en la Francia ocupada de la segunda guerra mundial.

27. "The Squid & the Whale"
Notable guión de Noah Baumbach: situaciones claramente delineadas y atractivas, personajes delineados en su complejidad y riqueza. A esto sumémosle grandes actores y tenemos una película redonda.

26. "Il Caimano"
Evidentemente no es el mejor filme de Nanni Moretti, pero tiene harta fuerza y relevancia. Moretti regresa con un discurso político al mostrar no tanto la desfachatez del impresentable Berlusconi, sino la docilidad de los medios para si quiera cuestionar el orden establecido por un poderoso sinverguenza.

25. "Lights in the Dusk"
Aki Kaurismaki en onda noir. Una femme fatale traicionera, una Finlandia fría e inhóspita, el mundo corporativo que domina las relaciones sociales y un alma simple pero leal que debe enfrentar los males del mundo.

24. "El aura"
El desaparecido Fabián Bielinsky mostró con su última película de qué estaba hecho. El siempre brillante Ricardo Darín interpreta a un hombre enfrascado en una clásica lucha entre cuerpo y mente; clásica división expresada en la epilepsia, enfermedad que descontrola a ambos al mismo tiempo.

23. "Five Obstructions"
Los delirios de Lars Von Trier son muy divertidos. Un proyecto más cercano a Dogma antes que a sus filmes "americanos", reúne al director danés con su compatriota Jörgen Leth, plantéandole el remake de su corto "The Perfect Human" siguiendo unas cuantas reglas. Más que un documental en el sentido estricto, un experimento sobre el espacio y el tiempo.

22. "La dama de honor"
De Claude Chabrol se podría decir que viene filmando una misma película siempre, aquella en que la recatada burguesía se desmorona o entra en conflicto con su naturaleza pasional. El brillante Benoît Magimel compone a uno de los mejores personajes aparecidos en las últimas películas del director francés.

21. "The New World"
A veces tengo dudas de los arranques atemporales que acechan al cine de época, llámese actitudes modernas para personajes históricos, música romántica antes del siglo XVIII, etc. Sin embargo, la última cinta de Mallick a pesar de estos detalles es una obra espléndida, cargada de nostalgia e ilusión.

20. "Seven Days in September"
Todo el que quiera saber qué pasó en el corazón de las personas durante el 11 de setiembre del 2001 y los días que le siguieron, sólo tiene que ver este documental de Steve Rosenbaum, que reúne testimonios y cintas de videastas (profesionales y aficionados) durante estos trágicos días. Desde las primeras reacciones convertidas en cliché ("era una linda mañana soleada") hasta escenas pocas veces vistas luego del derrumbe así como el dolor y rabia de sentirse atacado sin saber por qué.

19. "Volver"
Ver los filmes de Almodóvar es casi como reencontrarse con un viejo amigo. Muchas cosas conocidas y muchas sorpresas a lavez, pero siempre la seguridad que pasarás un buen momento. Este melodrama es un reencuentro con viejas colaboradoras de Almodóvar (especialmente, Maura y Lampreave) y el descubrimiento de que Penélope Cruz es capaz de actuar.

18. "Je reintre a la maison"
Uno de los filmes más emotivos de Manoel de Oliveira, lejos de la experimentación formal que tienen sus mejores trabajos, y aún así una gran película sobre el final de la vida. Michel Piccoli interpreta, con la solvencia que es natural en él, a un actor que se encuentra al final de su vida, que comienza a romper todos aquellos hábitos cotidianos y a quien sólo le queda refugiarse del mundo.

17. "Election 2"
Johnnie To trabaja sin descanso. La segunda parte de una pretendida trilogía sobre la mafia hongkonesa continúa los motivos iniciados en la entrega anterior, pero fortalece el aspecto visual, tiene un mejor control de sus elementos dramáticos, mejores giros en el guión, y unos personajes todavía más trágicos. Se espera mucho de la tercera parte.

16. "Welcome to Dongmakgol"
Lo que le falta al cine norteamericano industrial, le sobra al cine coreano. Esta película pacifista de Park Kwan-hyun destaca por su exquisita invención visual, su capacidad para atrapar al espectador y la manera de contar su anécdota.

15. "La meglio gioventú"
Marco Tulio Giordana es el responsable de esta obra casi épica de más de 7 horas de duración. La única vez que me he quedado pegado a la pantalla por tanto tiempo. Suficiente argumento, creo.

14. "Death of mr. Lazarescu"
La segunda película de Christi Puiu es difícil de ver no tanto por la dureza de las imágenes en sí, sino por la manera en que representan una realidad tan cotidiana, la de un sistema de salud inhumano, incapaz de atender a todos por igual. Y pensar que el sistema de esta película ofrece más prestaciones que el existente en este país.

13. "The World"
Jia Zhang Ke continúa fiel a varios de los temas que más parecen interesarle (impacto de la globalización en las culturas locales, las migraciones, los pequeños artistas, etc.), pero esta vez le da un aire decididamente más pop (no es que no estuviera presente antes en sus películas). Pocos son capaces de hacer del desencanto juvenil una obra honesta.

12. "Caché"
Michael Haneke se ha convertido en uno de mis directores favoritos. Su más reciente película (antes del proyecto de remake de Funny Games) desnuda al máximo los recursos del cine de suspenso, los pone en calidad de obra abierta y lleva al extremo el trabajo de lectura e interpretación del público.

11. "L'Enfant"
Los Dardenne son los mejores herederos de la tradición propuesta por Bresson de un cine espiritual (aunque con mucho más optimismo que el director francés), libre de manipulaciones, formalmente rigurosas y moralmente cuestionadoras.

10. "United 93"
La escena en que los secuestradores están rezando para cumplir su objetivo mientras los secuestrados rezan para salvar sus vidas es probablemente la mejor escena filmada en muchos años en Hollywood. Esto resume el conflicto emocional y cultural que atravieza Occidente a partir de esa terrible fecha. El ejecutivo de Hollywood que dió luz verde a esta genial obra de Paul Greengrass debería tener un premio.

09. "Tickets"
Tres grandes directores (Abbas Kiarostami, Ermano Olmi y Ken Loach) se reunieron para realizar una obra sobre la Europa actual (inmigración, seguridad, auge del mundo corporativo, etc.) que bien podría ser un homenaje al cine mismo. La historia de Olmi de un viejo investigador (con grandes ecos a Visconti) es probablemente la mejor del grupo por la nostalgia que despide. La historia de Kiarostami se parece poco a lo que usualmente realiza el director iraní, pero está bien estructurada y bien interpretada. La historia de Loach es entrañable (reuniendo a sus actores de Sweet Sixteen) y cierra con mucha empatía populista esta historia.

08. "The Host"
Una historia que bien podría ser el inicio de una tonta película de serie B se convierte en manos del director surcoreano Bong Joon-ho en un alegato ambientalista. Los primeros 30 minutos del ataque de la bestia tienen una precisión y un timing que el mismo Hitch admiraría.

07. "OffSide" y "Crimson Gold"
"Crimson Gold", con guión de Kiarostami, era ya de por sí una obra admirable (aunque quizás pecaba de "miserabilista") , pero es con "Off Side" que Jafar Panahi logra uno de los puntos altos de su filmografía. La película cuenta las desventuras de un grupo de mujeres que se enfrentan contra la autoridad por ir a un partido de fútbol (prohibido para mujeres por los líderes religiosos), pero con un espíritu ameno e innovador.

06. "Moolaadé"
Ousmane Sembene cuenta también otra historia de mujeres reprimidas por el poder patriarcal. Quizás es un poco didáctica, pero no deja de tener fuerza emotiva, ser clara en sus propósitos y emocionante.

05. "The Sun"
La tercera de una trilogía del director Aleksander Sokurov sobre el poder es una película claramente intelectual. Y, sin embargo, no tiene los defectos que suelen acharse a este estilo de cintas. Todo lo contrario, la historia de la caída moral del emperador japonés Akihito está filmada con naturalidad (a pesar de los múltiples artificios de los que se vale el director) y detalle.

04. "Sympathy for Lady Vengeance"
Park Chan-wook cierra su trilogía sobre la venganza con una obra hiper barroca (incluída la cantata Cessate omai Cessate en el soundtrack), con una secuencia espectacular de la venganza grupal. Admirable tanto en su versión a color como la que se convierte al blanco y negro.

03. "Tropical Malady" y "Blissfully Yours"
Las películas de Apitchapong Weerasethakul son casi tan difíciles como su nombre. Bueno, no tanto. BY es bastante accesible, a pesar de la estructura díptica de las películas de este director, y recuerda en sentimiento a las cintas de Tsai. TM es mucho más rigurosa y exquisita, con una segunda secuencia delirante.

02. "Saddest Music in the World"
Sólo Guy Maddin es capaz de realizar una magnífica película que tiene de Jean Vigo, cine mudo, musical de los 30s, melodrama y delirium tremens.

01. "Werckmeister Harmonies"
El maestro Béla Tarr cada vez depura más su estilo. Una fábula apocalíptica en un poblado rural casi kafkiano, con grupos armados, motivos nazis y una triste ballena gigante que se resiste a desaparecer.

Lo mejor de mi 2006 (Parte 1)

2007-01-08T21:29:00.000-05:00

Este año no tengo ni la paciencia ni la motivación para realizar una lista decorada con fotogramas, así que la selección que pongo la haré con la única finalidad de que quede como una suerte de registro de mi año cinematográfico.

A diferencia de otras listas me tienen sin cuidado tanto lo que se haya estrenado en las salas comerciales como, por lo menos este año, los avatares de la distribución fílmica en esta parte del planeta. Mi criterio es sencillo, sólo colcaré aquellas películas que estrenadas mundialmente en los últimos cinco años, de esta manera, me evito tener una lista con 10 películas de Mizoguchi, 5 de Bresson, 3 de Lang, etc.

Decepciones y bodrios:
"Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest" no es exactamente una decepción, pues eso significaría que, en algún momento de la película, tuviera la esperanza de que las cosas van a ir por buen rumbo. Esta película es, en el mejor de los casos, una secuencia de acción extendida ad nauseam por un equipo de marketing cuyo conocimiento de las aventuras en altamar se remite a Sam Pistolas (Yosmite Sam) vestido de pirata.

"Riding Along a Thousand Miles" del "artístico" Zhang Yimou es otra muestra más de la adicción del director chino por las imágenes rebuscadas y vacías, los sentimientos azucarados y simplones y las metáforas de separata del curso de Cine Arte. Hablando de manuales no puedo dejar de mencionar los dos últimos mamotretos de Woody Allen: "Match Point" y "Scoop". La primera es un recetario de tópicos de sus mejores películas (ojo a la ironía: el Allen de los 80s es "Bergman for Dummies" y "Match Point" es Allen for Dummies) y la segunda es un recetario de tópicos de sus peores películas.

Steven Soderbergh no se pudo despegar de sus exitosos motivos hollywoodenses con "Bubble", una película que hecha un vistazo a las clases bajas de su país y, en lugar, de encontrarse con la ambivalencia moral de quienes tienen poco que ganar y mucho que perder (como lo hacen muy a su modo Kaurismaki y los Dardenne) se encuentra con un policial reaccionario donde una mujer gorda, fea, frustrada y envidiosa asesina a una joven linda, despreocupada e inmoral.

"Il centi pasi" de Marco Tulio Giordana e "Invisible Waves" de Pen Ek Ratanaruang son decididamente decepciones porque ambos son directores probadamente buenos y que, por razones que se me escapan, han realizado películas demasiado menores para ellos. Marco Tulio comete el típico error de confundir biografía con hagiografía; mientras que el director tailandés realiza una suerte de filme criminal vacío, con un hiperafectado Tadanobu Asano (por otro lado un genial actor) y plagado de esteticismos.

Con "Clerks 2" estoy en el limbo. Es por momentos tan vana, vacía y "mal gustosa" que hace pensar en cuánto ha cambiado el mundo de los 90s. Del liberalismo hemos pasado al conservadurismo no sólo en lo moral, sino también en lo estético. El primer Clerks era una serie de viñetas sobre un grupo de galifardos perdiendo el tiempo, el segundo es una historia dirigida al público juvenil del sector urbano, que consumen por marcas y que en el minuto 16 de la película se deben haber reído por lo menos 15 veces para que envíen SMS a sus amigos contándoles lo cool es que ir al multiplex.

"Es un honor el haber sido nominado"
Antes de la lista doy un breve recuento de algunas cosas interesantes vistas en el año y que, por tener que ceñirme absurdamente a un número, debo cortar:

"The Constant Gardener" de Fernando Meirelles es una muestra de que una historia hecha en Hollywood no tiene por qué ser poco original y es capaz de transmitir emociones de manera intensa, bajo un estilo visual impresionante.

"A Bittersweet Life" de Kim Ji-woom saca parte de lo mejor que este director coreano tiene para mostrar; un filme cargado de acción, hiperkinético y estimulante.

"Yes" trae a la mejor Sally Potter, con una película de tintes shakesperianos no sólo porque está recitada en verso, sino porque se trata de un amor imposibilitado por la diferencia de clases, de razas, del enfrentamiento entre dos enemigos, etc. A la clara presencia del teatro Potter le da un innegable toque cinematográfico.

"Road to Guantanamo" y "A Cock & Bull Story" de Michael Winterbottom son ciertamente obras interesantes. La primera es un docudrama sobre unos ingleses que por (aparentemente) su estupidez terminan en las "prisiones" norteamericanas para "combatientes" del Islam. Mientras que "A Cock" es una adaptación, ahora en términos de docudrama falso, (habrá quien diga que ambas son lo mismo) de la clásica novela de Sterne y obra maestra de la digresión.

"Como un avión estrellado" de Ezequiel Acuña confirma la tesis de "Nadar solo" y coloca al joven director argentino como un notable recreador de sentimientos y frustraciones juveniles. Con un soundtrack envidiable y un ritmo que enorgullecerían al mismo Hou.

El mundo al final de "Shortbus" de John Cameron Mitchell me simpatiza: un travesti cantando acompañado por una banda de vientos, mientras todos se besan apasionadamente y una mujer tiene su primer orgasmo. Hablando de "Joy de vivre".

Bruce La Bruce es algo así como la antítesis de JCM. Mientras que el primero busca en las diferencias aquello que nos hace comunes (una especie de Kant libidinoso), La Bruce busca que las diferencias (en especial, las sexuales) sean la partida para una revolución que acabe con el mundo burgués (una especie de Mao libidinoso). Su "Rapsberry Reich" es una obra que mezcla el hardcore gay con los panfletos de los discursos políticos en un arrebato que no deja títere sin cabeza. Prohibido para señoritas.

Film meme 2

2006-12-10T11:39:00.000-05:00

1) ¿Cuál fue la última película que viste y por qué?
Keane de Lodge Kerrigan. Recuerdo haberla visto en alguna lista de mejores películas (¿en el Village Voice?) y desde ahí me llamó la atención.

2) Nombrar algún director de fotografía que te parezca bueno. Alguna muestra de su obra.
Los directores asiáticos son extremadamente buenos (incluyendo al asiático por vocación: Chris Doyle) y me gusta mucho lo que Ping Bing Lee ha hecho para Hou Hsiao Hsien (Café Lumiére, Three Times, Millenium Mambo, etc.). Me llama la atención, en especial, que se tratan de filmes con pocos cortes, donde la imagen debe expresar mucho pero con pocos recursos.

3) ¿Joe Don Baker o Bo Svenson?
No me podrían importar menos.

4) Nombra el momento de una película que te haya sorprendido
Recientemente, la aparición de la bestia en The Host, pero por una cuestión de crudeza, supongo que las escenas de mutilación de Audition de Miike son una de las cosas que más me vienen a la cabeza...

5) Película favorita sobre las películas...
The Player de Robert Altman

6) Película favorita de Fritz Lang
Los Nibelungos...

7) La primera vez que te reconociste en una película.
No sé por qué pero Judy Davis en Husbands & Wives de Allen me recordó cómo me sentía en alguna época de mivida

8) ¿Carole Bouquet o Angela Molina?
Difícil. Pero me quedaré con la delicadeza que la Molina demostró en Carne Trémula.

9) Nombra el nombre de una pelícual que redime el concepto de nostalgia como algo más que un producto comerciable.
Casi todo Wong Kar-wai. Pero me quedaré con "In the Mood for Love"

10) Aparición favorita de un atleta como actor de una película.
Me gustaba el actor que hizo de Darth Maul aunque la cinta no vale dos centavos. Pero la fuerza del actor y sus acrobacias son impresionantes.

11) Película favorita de Hal Ashby.
Coming Home

12) Nombra la primera función doble que programaste para tu propia "sala de cine".
No recuerdo. Han sido tantas.

13) ¿Cuál es el nombre de tu propia "sala de cine"?
No tiene nombre...

14) ¿Humphrey Bogart o Elliot Gould?
¿En serio? Humphs.

15) Película favorita de Robert Stevenson
No he visto ninguna.

16) Describe un momento favorito en el cine por el uso del sonido.
Los gritos, llantos y el silencio durante la secuencia de la muerte de Harriet Anderson en Gritos y Susurros.

17) Pink Flamingoes-- ¿Sí o no?
Nop.

18) Favorito soundtrack de una película.
Singing in the Rain...

19) ¿Fay Wray o Naomi Watts?
¿A qué viene la pregunta? Imposible compararlas

20) ¿Hay alguna película que te haría cuestionar el juicio o gusto de un crítico, blogger o amigo, si supieras que ellos la defienden?
De hecho sigo cuestionando por qué les gusta la película de barbie taco.

21) Escoge una nueva categoría para el Oscar y quién debería ganarlo
¿Qué el Oscar no es sólo un asunto de vestidos?

22) Película favorita de Paul Verhoeven
None.

23) ¿Qué crees que el cine hace mejor que otras artes?
Deslumbrarnos.

24) ¿Peter Ustinov o Albert Finney?
Ustinov de lejos...

25) Logo favorito de un estudio que aparece antes de una película.
RKO

26) Nombra el libro más importante sobre el cine, según tu juicio personal
La imagen movimiento de Gilles Deleuze. Una Biblia sobre el cine hecho antes de los 70s.

27) Nombra la película con el mejor final sorpresivo
Ni idea.

28) Película favorita de Francois Truffaut.
Los 400 golpes.

29) Olivia Hussey or Claire Danes?
Claire!

30) Más memorable encuentro con una celebridad.
Nunca me he encontrado con nadie que valga la pena.

31) ¿Cuándo te diste cuenta que los filmes eran dirigidos?
Con Blue Velvet.

Lo mejor del año según Waters

2006-12-01T23:40:00.000-05:00

John Waters, el más kitsch de los directores americanos, ha escrito su lista de lo mejor del año para la revista Artforum. Su elección del puesto 2 es más que curiosa: Jackass Number 2.

"Exhibiéndose en más de 300 pantallas, Jackass fue la número uno en la taquilla de Estados Unidos en su primera semana; y las estrellas masculinas de esta película comen mierda y toman semen de caballo, todo de verdad. También están desnudos un montón. Si esto no es terrorismi cultural, entonces no sé qué puede serlo", sentencia Waters.

El resto de la lista es como va:

1 United 93 (Paul Greengrass)

2 Jackass Number Two (Jeff Tremaine)

3 The Last King of Scotland (Kevin Macdonald)

4 Shortbus (John Cameron Mitchell)

5 The Departed (Martin Scorsese)

6 Sherrybaby (Laurie Collyer)

7 Inside Man (Spike Lee)

8 Sleeping Dogs Lie (Bobcat Goldthwait)

9 Hamilton (Matthew Porterfield)

10 Marie Antoinette (Sofia Coppola)

Infiltrándose en Asuntos Infernales

2006-11-29T13:35:00.000-05:00

Tengo sentimientos encontrados The Departed, la más reciente película de Scorsese. Por un lado, creo que es su mejor película desde "GoodFellas" y, sin embargo, creo que está lejos de su ya mítica obra de los años setentas.

Como todo remake, la película le debe demasiado al original, en este caso, la primera parte de la trilogía hongkonesa "Inffernal Affairs". El plot es básicamente el mismo, salvo un par de detalles que la hacen una producción plenamente americana (aunque IA es una película que mira hacia América, tal como lo señala en su blog David Bordwell): la historia de amor y la moraleja.

David Cook señala en uno de sus libros que el cine americano suele individualizar los grandes problemas sociales de acuerdo a visión del mundo. Una de las estrategias que utiliza es colocar una historia de amor sentimental en medio de la trama. En IA existía una velada historia de amor que servía para darle mayor identidad y peso emocional al personaje de Tony Leung Chiu-Wai (uno de los grandes actores del cine actual). En TD la historia de amor sirve para premiar y castigar a los personajes. Al Billy de DiCaprio se le da un premio a su buena labor policial: el sexo pasional puro a través de la única escena de sexo explícita de toda la película. (Hay otra que sí es muy buena en la que Nicholson/Costello se encuentra en la ópera con un par de diabólicas féminas, aunque no es explícita). Mientras que al personaje de Damon se le niega eso (recordemos escenas que hablan de su insatisfacción sexual), es más, al final se le niega la paternidad, el camino a la trascendencia humana según el paradigma machista que parece dirigir toda la película, y que resulta el éxito del personaje de Di Caprio.

Pero la más grande diferencia entre ambas cintas es el resultado final. En el cine asiático (sigo aqui también los comentarios de Bordwell), los héroes tienden al sacrificio y no al éxito. O más bien el éxito consiste en sacrificarse por un objetivo mayor a ellos. En el cine americano (salvo en el melodrama del clásico), el happy ending es casi un must. En TD está claramente asegurado con el castigo total al personaje de Damon, a través de este personaje que representa el límite entre el hombre outlaw y el hombre de bien, es decir, el Duigan que interpreta brillantemente Mark Whalberg. Es sintomático que el personaje en el estado intermedio entre bondad y maldad sea el que pone el necesario balance al mundo americano, castigando finalmente al culpable por todos sus pecados. Recordemos que la moral del cine americano siempre teme a los personajes que se encuentran en los extremos.

Y con todo esto, lo más débil de la cinta es un vano intento de Scorsese: hacer más realista una historia policial que no fue concebida como tal desde el principio. En IA la imagen apoyada en la fotografía de Chris Doyle estaba en una clave casi surreal que la hacían existir plenamente como una ficción casi absoluta (escenarios plagados de nubes, diseños hi tech, etc.). En TD, la localización bostoniana pone en entredicho la credibilidad del filme, hace evidente las moralejas y las suturas del guión. Pero sobre todo, caricaturiza algunos personajes, siendo el peor de todos el Costello que hace Nicholson.

Está más que claro que las muecas de Nicholson son pésimas para cualquier película que quiera pasar por realista. En realidad, las muecas tal como están en TD porque en "About Schmidt" o en "As Good as it Gets", Nicholson estaba soberbio, sin exagerar la mirada o sobreactuar como un payaso.

Aún así, TD no es una mala película. Tiene un ritmo bien administrado a pesar de sus arrebatos en el tiempo y su multiplicidad de personajes. Además, tiene unos momentos que regresan al mejor Scorsese (la ya mencionada secuencia en la ópera, algunos diálogos de Di Caprio, la mayoría de intervenciones de Mark Whalberg, etc.).

Miike goes to Hollywood

2006-11-20T21:45:00.000-05:00

Hollywood siempre se ha aprovechado de los talentos extranjeros para hacer grandes películas. Grandes directores como Sjöstrom, Murnau, Sternberg, Hitchcock, Wilder, Curtiz, Stroheim, etc. cimentaron el cine clásico americano y crearon esa máquina de crear sueños que ha sido Hollywood por muchos años, y que aún se mantiene aunque quizás con mucha menos creatividad (teniendo en cuenta que los "talentos" llegados a Hollywood son del calibre de Verhoeven o Petersen).

Pero como para no perder la esperanza o quizás para perderla (habrá que ver los resultados), algunos directores interesante se han embarcado en proyectos americanos. Michael Haneke tiene en proyecto el remake de su terrorífica Funny Games , mientras que Wong Kar Wai tiene pensado, por lo menos, realizar dos películas: My Blueberry Night (con la cantante Norah Jones, el estupendo Jude Law y la sosa, pero inexplicablemente adorada, Natalie Portman) y "The Lady from Shanghai" que no sé sabe si finalmente se llevará a cabo tras la aparente renuncia de Nicole Kidman.

Recién leo que Takashi Miike, estupendo director ligado al cine de horror y el exceso, tiene un proyecto cinematográfico en mente. Ahora bien, el japonés había filmado ya un brillante capítulo para la serie televisiva "Masters of Horror" que nunca fue transmitida por la televisión por su crudeza (y vaya que la hay).

La película tiene a Quentin Tarantino como actor principal, quien ya nos había sorprendido con su "talento" en alguna peliculeta de Robert Rodriguez. Miike dice que lo escogió porque "es un tipo que no juega con las reglas de Hollywood"... ¿Será el mismo Tarantino que conocemos?

Según Twitch, la película sería una suerte de variación de un "clásico" de Sergio Corbucci y que se llamaría: Sukiyaqui Western: Django. El reparto es principalmente japonés y se espera el estreno para setiembre del 2007.

Scoop: el último Allen

2006-11-18T00:27:00.000-05:00

No voy a negar lo importante que resultó el cine de Woody Allen para mi formación cinéfila. La primera película que vi de él fue "Shadows and Fog" en la antigua sala del cine Julieta de Miraflores. En aquel entonces (¿fue en el 90 o en el 91?) no tenía gran idea de qué se trataba esto del cine, pero su reparto estelar me llamó la atención. Por alguna extraña razón sabía quién eran John Malkovich y John Cusack.

Poco tiempo después comencé a ver películas como loco y me encontré en la cartelera con "Husbands & Wives". Quedé alucinado con las actrices de Allen. La Farrow, en el que seguramente es su mejor papel, se mostraba fascinante, con su personalidad mousy, su timbre chillón y el cabello corto que la hacían ver tan vulnerable y al mismo tiempo, tan segura de lo que quería. Judy Davis, en el que debe ser uno de sus mejores roles, interpretando a una sofisticada y neurótica neoyorquina. Pero, lo que más me llamaba la atención era la capacidad del director de contar los sentimientos de sus personajes sin pudor alguno, poniendo en evidencia cómo las relaciones afectan a las personas. Todo esto de una manera que era inédita para mi entonces. Con películas como ésta y otras como "Annie Hall", "Manhattan" o "Hannah and her Sisters" se completó buena parte de mi educación cinéfilo-sentimental.

Tiempo después, tras aprender algo más de la estructura dramática que mueve a algunas películas, comencé a admirar el talento de Allen para armar historias redondas; delinear personajes complejos, interesantes, llenos de defectos pero adorables al mismo tiempo. Sumado a esto, estaba su amor por el cine, por la comedia del cine clásico, por Federico Fellini, por Ingmar Bergman y por los absurdos hermanos Marx.

Digo todo esto para señalar lo doloroso que resulta ver a Allen metido en el embrollo de la falta de creatividad. Sus películas desde "Small Times Crooks" en adelante son poco menos que mediocres. En el caso de "Scoop" estamos ante una necedad sin parangones para el director. Todas aquellas cosas que me hacían esperar cada diciembre el estreno de su más reciente película ha desaparecido. De hecho, el misterio más grande que oculta "Scoop" es dónde quedó el buen Allen que todos aprendimos a querer.

La historia es poco menos que una necedad, de esas que cualquier director del cine clásico americano filmaba con los ojos vendados, pero que manejaban con tanto gusto que terminaban por ser admirables. Sin embargo, Allen las filma con una dejadez imperdonable. Veamos sino la incoherencia con la que está dirigida la Johannson, que por momentos habla y gesticula como los héroes masculinos del director y veinte minutos más tarde lo hace de manera natural.

Los personajes secundarios casi no existen. Es más, el antagonista de la historia, interpretado por Hugh Jackman, tiene la ligereza de una pluma. No existe la menor motivación que diriga al personaje o si quiera que nos permita relacionarnos con él (¿lo admiramos u odiamos o simplemente no nos importa?).

En suma, todo un retroceso al peor Allen en años.

Lynch en campaña

2006-11-14T10:53:00.000-05:00

Las campañas para el premio más mamón y al mismo tiempo más codiciado del cine han comenzado a inicios de este mes. Normalmente se pueden ver ejércitos de publicistas y relacionistas públicos tratando de convencer a medios y miembros votantes de la Academia para lograr un voto, pero pocas veces se ha visto algo como esto:

El mismo David Lynch empeñado en lograr una nominación para la excelente actriz Laura Dern, actriz principal de su más reciente aventura cinematográfica: Inland Empire.

Lynch estaba acompañado de esta banderola con la frase "For Your Consideration" y una vaca. ¿Qué tiene que ver la vaca con todo esto? Ni idea. Quizás tenga alguna relación con el ¿argumento? de Inland Empire o sea parte del espíritu surreal de uno de los grandes directores del cine americano actual.

Un par de slackers que pasaba por ahí decidió grabarlo y preguntar por la vaca...

http://www.youtube.com/watch?v=Ut6zdE8qWj0&eurl=

L'Enfant

2006-05-16T19:12:00.000-05:00

L'Enfant (el infante), ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año pasado, está poblada de niños; hay un bebé recién nacido, un grupo de niños que dividen su tiempo entre sus juegos y el robo, pero sobre todo, está Bruno, quien en la historia debe tener poco más de 20 años, y que es el verdadero niño de la historia.

Los que estamos siguiendo la más que interesante obra de los hermanos Dardenne (Jean Pierre & Luc), conocimos a Jeremie Renier, que ahora interpreta a Bruno, en "La Promesse", una de las experiencias más bellas del cine europeo de los últimos años. En ella, interpretaba a un adolescente, que tras vivir una vida amoral a cargo de un padre corrupto (Olivier Gourmet, actor recurrente en las películas de los hermanos belgas), decide redimirse para hacer valer su promesa a un moribundo.

En L'Enfant, un Renier ya adulto interpreta a este bribón dedicado al hurto menor, que se dedica a aprovecharse tanto de la buena voluntad de las personas como de las ventajas y resquicios que le ofrece la sociedad de la abundancia en la que vive. Al inicio del filme, vemos a Sonia (Deborah Francois), su enamorada que acaba de dar a luz a un pequeño niño, y que luce tan despreocupada como él. Bruno casi ignora al pequeño, pero se lleva a Sonia a dar una vuelta a pasar el día juntos.

Todo parece marchar con cierta tranquilidad hasta que Bruno se entera por una de sus reducidoras que existe la posibilidad de vender al pequeño. Aprovechando un descuido de la madre lo entrega a una mafia con la misma frialdad con la que vende sus artículos robados. Sonia al preguntarle por el niño recibe de respuesta: "Lo vendí, pero podemos hacer otro". La chica casi no puede creerlo y se desmaya. Algunos minutos después la encontramos en un hospital del Estado, donde acusa a Bruno de vender a su hijo.

Como puede verse, esta serie de actos irreflexivos de Bruno, lo llevan a una suerte de espiral de problemas, a los que se suman su trato con la mafia y con un pequeño compañero de andanzas llamado Steve.

Aunque el argumento pareciera sugerir una cinta cargada de exabruptos y de momentos de tensión, la película nunca hace uso de recursos genéricos (música incidental, fotografía abundante en sombras, etc.), sino que se mantiene en el registro naturalista que caracteriza el cine de ficción de los Dardenne. Precisamente, esta suerte de rigor estilístico lo que convierte a esta película en una obra excepcional.

Los Dardenne se dedican mediante planos secuencias y primeros planos a seguir a sus personajes, observar sus reacciones (o la ausencia de ellas), en un proceso que parece auscultar el alma de las personas que aparecen en la cinta.

Al final de la cinta, como en toda la obra de ficción de los Dardenne, hay una suerte de redención. En este caso, hay un cierto parecido con el final del "Strómboli" de Rossellini, donde el personaje principal finalmente es capaz de tener un sentimiento legítimo en su corazón. Pero a diferencia del filme del maestro italiano, es un final terrenalmente más optimista, con un Bruno que tiene la esperanza que sólo la compañía humana puede ofrecer.

Match Point: el ocaso del juego

2006-04-17T17:06:00.000-05:00

Match Point es el último trabajo realizado por el director norteamericano Woody Allen, otrora prominente figura de lo más logrado del cine de su país, y ahora algo venido a menos a la luz de sus más recientes trabajos. Y es que, como lo comentara en un post anterior, el director de filiación judía parece haber perdido el rumbo intelectual que animaba lo mejor de su obra realizada durante las décadas de los ochentas y los noventas.
Alejado de su idealizada Manhattan, plagada de nerviosos intelectuales de clase media, el director parece haber sido alcanzado por la vorágine artificial de la torpeza etnocéntrica de Hollywood. Si en cintas como "Anything Else" o "Melinda & Melinda" encontrábamos a un Allen incapaz de entender las nuevas relaciones sociales de su país, en su incursión al mundo de la alta burguesía inglesa nos topamos con un Allen superficial, portador de una reflexión simplista sobre la vida, que no duda en apelar a estereotipos y a la autoindulgencia.

Veamos. La película cuenta la historia de Chris Wilton, un arribista irlandés (Jonathan Rhys Meyers) que por azares del destino se involucra con una floreciente familia británica, entablando una relación sentimental con la tímida hija (Emily Mortimer), recibiendo el apoyo de todo el clan familiar. Todo marcha bien, hasta que se encuentra con Nola (Scarlett Johansson), una fallida actriz norteamericana, prometida del hijo de la familia (Matthew Goode), con la que rápidamente entabla una relación ilícita, al menos para los planes matrimoniales y sociales de ambos. Como cualquier persona que conoce una telenovela puede suponer, este es el centro del conflicto del filme, y el punto del problema moral de Wilton.

Como cualquier obra de Allen, la cinta tiene una serie de referencias culturales: las tragedias operísticas del bel canto del XIX (a las que cita constantemente), el suspenso criminal a lo Hitchcock, Dostoievsky, pero sobre todo, las películas del mismo Allen. La cinta es evidentemente una suerte de revisión moral de "Crimes and Misdemeanors", la bergmaniana visión sobre las acciones y las consecuencias que Allen realizó brillantemente en los años ochenta, aunque también toma elementos de otras cintas (la mujer sin rumbo que interpreta la Johansson podemos hallarla en filmes tan diferentes como "Hannah and her sisters" o "Alice"). En cualquier caso, las referencias lejos de enriquecer el filme, tienden a ser la base sobre la que Allen trata de recrear el significado, sin tratar de ampliar las ideas que cualquier referencia cultural podría apuntar en su calidad de idea a priori. Es más, el director apela a una serie de estereotipos más o menos rudos (como el retrato de la familia británica) que expone con escasa convicción.

La prensa británica, siguiendo esta misma línea, ha criticado duramente el uso del lenguaje de Allen, al que han llamado "una versión turística del habla londinense", pues los diálogos suenan tremendamente artificiales para un británico. A lo que podríamos añadir que -en castellano- algunas frases, como la que le suelta Chris Wilton a Nola cuando se conocen, no podrían ser más artificiales (parafraseo): "¿Qué hace una norteamericana en medio de la alta burguesía inglesa?" . Y ni qué decir de algunas secuencias poco imaginativas, como la de la seducción en el campo durante la lluvia, tras una pelea, que incluso un director de comerciales dudaría en utilizar. A lo que habría que sumarle el uso de las locaciones "turísticas" más comunes de Londres, lo que seguro le ha ahorrado harto dinero a la Johansson, pues ya no va a tener que gastar en postales de Londres.

Pero la cereza del pastel está en lo que podríamos llamar el significado profundo del filme. En "Crimes and Misdemeanors", en todo sentido hermana mayor de esta cinta, veíamos una serie de personajes envueltos en un mundo caótico, donde las respuestas parecían difíciles de encontrar. ¿Qué fuerza movía a que un probo rabino judío quedara ciego, mientras que un asesino llevara una vida próspera? ¿Cómo es posible que el éxito y el talento /trabajo duro no vayan juntos como sucedía con los personajes de Alda y Allen? ¿Qué hace que algunos vivan intentando alcanzar una vida plena (como la hermana del director) mientras que otros que parecen haber resuelto todo su esquema intelectual se suicidan (como el filósofo que era materia del documental)? ¿Dios y la verdad no son lo mismo como discutían el padre del personaje principal y su atea hermana comunista? En fin, estábamos frente a toda una serie de preguntas que parecían morderse la cola a sí mismas, dada la complejidad que presentaban.

En "Match Point", el director ya no se hace problemas, nos da una respuesta metafísica a los misterios de la vida con una soltura de huesos que Paulo Coelho, estoy seguro, dudaría en asumir. "Todo depende de la suerte" es la constante monserga de la película. Ciertamente, es una tesis que bien explicada puede resultar medianamente interesante, pero el director no hace nada para discutirla, al contrario, lo que hace es ilustrarnos esta frase simplista, repetirla por aquí y por allá, mientras la historia nos hace una demostración de la idea. No sé si Allen subestima a su público o nosotros lo hemos estado sobrestimando.

En todo caso, la cinta no es una pérdida total. Como todo Allen, estamos ante una cinta bien narrada, con ciertos puntos de interés, con unos actores más o menos buenos (en especial la Johansson, Rhys-Meyers y Goode), con secuencias interesantes como la del reencuentro con los fantasmas, etc. Allen se ha convertido en un director para pasar el rato, para tomar una taza de café, mientras tenemos la tv prendida.

La caperucita del cuento

2006-04-17T16:56:00.000-05:00

A pesar de que este blog no tiene un mínimo interés político, no puedo dejar de estar preocupado por lo que podría pasar en mi país durante los próximos meses...

Afortunadamente, el humor siempre ha sido la mejor respuesta para sobrellevar las grandes crisis. Esto apareció en La República (www.larepublica.com.pe) del jueves 13 de abril.

El adiós de Nice Guy Eddie

2006-01-24T22:48:00.000-05:00

En plena indecisión de ver una película hoy entré unos minutos a curiosear a metafilter, cuando me encuentro con una de esas tristes noticias que uno no quisiera recibir nunca: el fallecimiento de Chris Penn, más conocido como "Nice Guy Eddie" en la archifamosa "Reservoir Dogs", y quizás la mejor,película de QT.

Penn, hermano de Sean fue encontrado muerto en su departamento de L.A., los detalles no los tiene nadie aún. Lo que sí se sabe es que Chris fue uno de los mejores actores que florecieron en la década de los 90 y que avivaron la industria con su look poco convencional, cuando no la representación casi patológica de la neurosis del mundo moderno. Al igual que Steve Buscemi, Tim Roth, Vincent Gallo, Samuel L. Jackson, William H. Macy, etc., fue pieza fundamental en las mejores cintas de los últimos años.

Sus créditos incluyen además una fabulosa actuación en la mejor cinta de Abel Ferrara (cuando no, la única película que le soporto a ese director): "The Funeral", en una de las aventuras cosméticas de Tony Scott llamada "True Romance", así como parte del elenco coral de una de las mejores cintas de Robert Altman, Short Cuts.

So long, Nice Guy Eddie...

La dama de Musashino (Kenji Mizoguchi)

2006-01-24T00:47:00.000-05:00

Musashino, en la actualidad, es una de las zonas más densamente pobladas de Tokyo (más de 10,000 personas por kilómetro cuadrado), pero en la película de Kenji Mizoguchi es una zona cuasi rural, que se convierte en el escenario para una de las transformaciones más profundas de la sociedad japonesa.

El film comienza poco antes del fin de la Segunda Guerra Mundial (dos años de fundarse Musashino como ciudad). En el centro de la historia está una mujer, como sucede casi siempre en el cine de Mizoguchi, considerado uno de los más grandes directores de mujeres (junto a George Cuckor, Ingmar Bergman y Pedro Almodóvar). Se trata de Akiyama Michiko (Tanaka Kinuyo), descendiente de un antiguo samurai y, por lo tanto , perteneciente a los vestigios de lo que fue una sociedad basada en el honor, en la posesión de la tierra y en el respeto a la tradición de los antepasados. Ella está casada infelizmente con un profesor, un intelectual algo frívolo, oportunista y extremadamente egoísta.

Sus únicos parientes son sus padres (que mueren al final de la guerra, como mueren algunas instituciones tradicionales japonesas directamente implicadas en la aventura bélica), un primo casado con Tomiko (Todoroki Yukiko) una casquivana mujer que recibe abiertamente los valores occidentales y otro primo, Tsutomu (Katayama Akihiko), mucho más joven, que ha ido a servir a la guerra.

Lo que sigue es el terreno en el que se mueve Mizoguchi: el más puro melodrama. Tsutomu se enamora perdidamente de Michiko, mientras que el esposo corretea a cuanta mujer se le cruza incluída Tomiko, quien a su vez se siente atrapada en un infeliz matrimonio y aplacada por la soledad. Un buen día Tomiko y el esposo de Michiko (ambos ajenos al grupo familiar) deciden escapar y robarle la casa y las propiedades a la abnegada Michiko, quitándole todo aquello que ella respeta en la vida y por lo que se ha negado a ceder ante el amor de su primo y permitir las sinvergüenzadas del esposo: el honor.

Para evitar esta perdida, no solo para ella sino para los vestigios del clan familiar, Michiko toma una medida radical: decide suicidarse y ceder las tierras a sus primos. Así, las tierras se quedarán dentro del clan y ella no se verá envuelta en un escándalo de divorcio que podría manchar su honor familiar.

"La dama de Musashino" es entonces la historia, en tono de melodrama, de esta recomposición a la que se somete la sociedad japonesa luego de la guerra, aquella que tuvo que soportar la invasión occidental, pero que nunca perdió del todo sus valores tradicionales, sino que los transformaron y adaptaron a las nuevas necesidades, a una visión del mundo menos etnocentrista, sino que mira al futuro con cierta esperanza. Tal como lo hace Tsutomu (en una secuencia muy parecida a la que Truffaut realizaría años después en los 400 golpes) al caminar por los parajes de Musashino y llegar a una pequeña colina en la que puede contemplar la nueva Tokyo, aquella ciudad embestida por la guerra y la cultura occidental, pero que se resiste a morir.

Pero la cinta es también una historia de sacrificio femenino, que por cierto parecían fascinarle al director. La entrega de Michiko hacia unos valores superiores a ella se suman a la lista de heroínas en desgracia que forman parte esencial del mejor melodrama (como sucede en filmes tan diferentes como Stella Dallas, Europa 451, Breaking the Waves o Vera Drake) y que Mizoguchi manejará de manera magistral en otros filmes tan espléndidos como este, tales como"La vida de Oharu" y "Ugetsu Monogatari."

El estilo de Mizoguchi (uno de los directores más importantes de Japón, comparable solamente a Ozu y Kurosawa) es como siempre notable en la composición de encuadres expresivos, que tratan de condensar los sentimientos de los personajes y seguir efectivamente la trama (recordemos que KM es probablemente el más clásico de los tres directores).

"La dama de Musashino" no está entre los filmes más populares y celebrados del director, en parte porque Mizoguchi no recibe la atención que tiene un Kurosawa (merecidamente claro) y que hace que pocas personas puedan ver la obra del director en profundidad. Sin embargo, creo que se trata de una película por encima de lo notable, digno producto de una de las mentes más brillantes del cine mundial, una experiencia excepcional, cargada de aquella intensidad emocional que solo las grandes obras pueden ofrecer.

Adiós Shelley...

2006-01-14T19:05:00.000-05:00

Shelley Winters, una de las más notables actrices del Hollywood clásico falleció ayer a los 83 años.

La Winters fue una de las primeras y más notables actrices del "método", aquella generación de actores que siguiendo la escuela de Lee Strasberg (inspirado a su vez por el ruso Konstantin Stasnilavsky) tratan de replicar su existencia diaria en los personajes que componen. Frases como "memoria emocional" comienzan a hacerse conocidas en actores que parecen "vivir" los personajes que componen, tal como lo demostraron Montgomery Clift, Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, James Dean, Kim Hunter, Robert De Niro, Al Pacino, entre otros actores más recientes.

Los mejores personajes de la Winters, la muestran nerviosa, al punto del colapso emocional. En "Lolita" de Kubrick, cuya dicción y ademanes parecen entorpecidos por una suerte de condición existencial, como harta de la vida que le ha tocado vivir.

En "A Place in the Sun" de George Stevens hace uno de los papeles por los que más será recordada, el de una mujer obrera que se "interpone" en las ambiciones de Monty Clift, y es asesinada casi de casualidad.

Con su amigo y profesor de Shakespeare, Charles Laughton hizo "The Night of the Hunter", una expresionista fábula infantil en la que también es asesinada por su esposo.

Shelley siguió trabajando hasta hace poco (incluídas apariciones en televisión), participando en varias películas más o menos conocidas, pero que ya no tenían el gusto que caracterizó al viejo Hollywood.

Hasta pronto Shelley...

Lo mejor del 2005: 10 - 01

2006-01-01T00:31:00.000-05:00

10. Sarabande (Ingmar Bergman)
La aparentemente última obra del director sueco es una encrucijada sobre la naturaleza del amor (el romántico, el filial, etc.). Además es el reencuentro del director con dos de los personajes y de los actores más notables de toda su filmografía: Erland Josephson y Liv Ullman.

09. Dans ma peau (Marina de Van)
La tercera mujer en mi lista (junto a July y Martel) nos trae la historia más revulsiva de todas: el perfil histérico de una mujer que atosigada por las exigencias del mundo moderno (carrera, vida personal, etc.) comienza a comer pedazos de su propia carne. Pese a lo revulsivo del story line, la película es excepcional en su retrato humano, punzante en el retrato de una sociedad capaz de producir un ser como ella.

08. 3 Iron (Kim Ki-duk)
Uno de los más famosos directores del cine coreano actual, Kim es capaz de hacer una película maravillosa como esta y un mamotreto como Primavera... 3 Iron casi no tiene diálogo, pero dice muchas cosas. Notable la escena del control del espíritu sobre el cuerpo en la que el personaje literalmente se hace humo...

07. OLDBOY/Sympathy for Mr. Vengeance (Park Chan-wook)
Las dos primeras partes de una trilogía sobre el tema de la venganza. OLDBOY está más cercana a una visión religiosa de la venganza, mientras que Mr. Vengeance es una alegoría política donde dos personajes, un mudo pobre y un padre de familia rico, hacen lo posible para recuperar la esperanza robada.

06. Um filme falado (Manoel de Oliveira)
Uno de los directores más mayores de la actualidad, Oliveira es un maestro de la forma y de la sutileza. Una madre y su hija recorren, en un viaje turístico realizado antes del 11/9, lo más representativo de la cultura occidental. En una segunda parte vemos a un capitán de barco y tres mujeres que representan diferentes valores del occidente actual en una amena conversación cada uno en un idioma diferente. Un final sorpresivo que nos hace ver el filme como el testimonio del final de una época irrecuperable.

05. 2046 (Wong Kar-wai)
Notable Wong trae lo que el Village ha llamado el más grande material extra de un DVD (en alusión a su relación con "In the Mood for Love"). En 2046, Wong reflexiona, entre otras cosas, sobre las relaciones entre la memoria y la creación artística de un modo nada didáctico que supera esa visión romantizada de la creación como el lugar donde se subliman los demonios personales.

04. Goodbye Dragon Inn/Wayward Cloud (Tsai Ming Liang)
Ambas películas tienen en común que se tratan de obras que se encuentran en el límite del cine. Goodbye... es una pequeña elegía a la experiencia social del cine, la de la gran sala en la que se proyectan filmes épicos de aventuras (como las de Hu). Wayward es una excentricidad a tono de musical sobre la soledad de la experiencia sexual. Goodbye... es un film notable, milimétricamente manejado en gestos y atmósferas. Wayward... es irregular, y algo polémico en su tratamiento femenino y en el "buen gusto" de algunas secuencias...

03. Ten (Abbas Kiarostami)
Grabada con pequeñas cámaras digitales, esta es una de las grandes obras del mejor representante del minimalismo fílmico, ese que realmente trata con las estructuras, con lo más básico de la forma y el registro fílmico.

02. Le Temps du loup (Michael Haneke)
Una familia atrapada en una gran crisis de tintes apocalípticos. ¿Cómo nos comportamos los integrantes de una sociedad civilizada y moderna ante una gran crisis? ¿Son suficientes los pactos sociales e institucionales lo suficientemente sólidos para vencer nuestros instintos básicos? ¿Es la regla del más fuerte una cosa del pasado? ¿Hay acaso algún lugar para la esperanza?

01. Three Times / Café Lumièré (Hou Hsiao Hsien)
Dos filmes notables que examinan cómo las personas encajamos en eso que llaman historia y cambios sociales. En el centro de ambos filmes encontramos a mujeres en constante evolución, pero cuyas sociedades las enfrentan. Hay algo de Edith Warthon en las heroínas de Hou, en sus deseos de romper con los afixiantes patrones sociales.

Lo mejor del 2005: 17 - 11

2005-12-31T19:59:00.000-05:00

17. Turtles Can Fly (Bahman Gobadhi)
Sorprendente filme de un realizador más que interesante. Aunque habría que criticarle cierto gusto por la manipulación (niños lindos y lisiados, música que dicta sentimientos, etc.). Sin embargo, la fuerza del mensaje político es arrolladora, ahora más que nunca.

16. President's Last Bang (Im Sang-soo)
Otro filme koreano en mi lista... Esta vez se trata de un espectacular thriller político (podría ser alguna adaptación de alguna de las novelas políticas de Vargas Llosa) sobre el asesinato de un dictador por parte de uno de sus más cercanos colaboradores. Buenas intenciones, cumplimiento del deber, etc. se ponen en juego en una trama precisa que delata los mecanismos que rodean al poder.

15. Manderlay (Lars von Trier)
Ya que estamos en el terreno político, el # 15 de mi lista es la película uno de los directores más ácidos de estos últimos años. En el fondo, creo que von Trier es un idealista (en realidad un "optimista desencantado" como diría Savater) que despotrica contra lo inherentemente perversas que pueden resultar las instituciones. Manderlay sigue el camino trazado por Dogville (aunque en cierto sentido también lo invierte) para hacer alusión a la "exportación" de la democracia a la que se dedica cierto país.

14. Three... Extremes (Takashi Miike, Fruit Chan, Park Chan-wook)
Segunda ejercicio de un filme colectivo cuya idea original es tomar a tres directores de Asia para trabajar un tema común. En este caso, el japonés Miike, el chino Chan y el coreano Park realizan cada un cortometraje de media hora sobre el horror.

The Box (Miike) es una pequeña obra maestra sobre la culpa, en la que una mujer tiene que enfrentar un hecho traumático de su pasado que la acecha muchos años después en sus sueños. La imaginería visual de Miike está totalmente alejada del kitsch por el que tanto se ha hecho famoso, pero no podría ser más rica, ni estar mejor ejecutada.

En Dumplings (Chan), el horror no proviene de la mente, sino de las acciones. Es una cinta sobre monstruos morales: una mujer que quiere ser joven para no perder a su esposo, una sexy comadrona inescrupulosa, un esposo egoísta y una sociedad que cultiva la juventud como un valor máximo. Notable.

Cut (Park) es la más perturbadora de las tres, pero no por eso es la mejor. Al contrario, es bastante efectista, algo descabellada y manipuladora en el peor sentido. Es innegable el talento de Park, pero esta cinta hace que Three... Extremes no califique más alto.

13. Unknown Pleasures (Jia Zhang Ke)
Filmada en video digital, esta obra del director chino es otro retrato de los jovenes de provincia de la China continental, que tienen que enfrentar un mundo cambiante con todas sus contradicciones: nuevos roles de género, el ingreso del comercialismo capitalista, el desempleo, el ingreso de la cultura occidental, etc.

12. La niña santa (Lucrecia Martel)
El segundo largo de la directora argentina no podría ser mejor. Dedicada a crear atmósferas, romper las expectativas de la trama, nos muestra una historia sobre una etapa dentro del paso a la madurez de una adolescente.

11. Zatôichi/Dolls (Takeshi Kitano)
Uno de los grandes maestros del cine actual. La obra de Kitano siempre está en movimiento. En un año hace una cinta intimista y fragmentada sobre el amor, el otro hace su versión de una figura del folklore japonés. Ambas cintas son fabulosas, aunque prefiero Zatôichi porque demuestra a un Kitano concentrado en un solo motivo que además es harto conocido, no duda de llevarlo al extremo, de hacer un cine de espectáculo y divertido como sólo él sabe hacerlo.

Lo mejor del 2005: 23 - 18

2005-12-31T17:41:00.000-05:00

23. A Tale of Cinema (Hong Sang-soo)
Un filme sobre otro filme es el punto de partida para esta simpática reflexión sobre las relaciones humanas, sobre la idea del éxito en las sociedades modernas (como el la de Seúl), sobre el peso de las ilusiones en la vida diaria.

22. Election/Fulltime Killer/Breaking News (Johnnie To)
El último de los representantes de la más reciente época dorada hongkonesa, Johnnie To, hace un cine de acción, que pese a querer hacerse del mayor público posible, no le teme a la innovación ni subestima la capacidad de retención del espectador. Junto a su compañía productora, Milkyway, viene realizando una obra interesante, donde explora las posibilidades de la imagen en el campo del entretenimiento. Fulltime Killer y Breaking News son cintas obsesionadas con el ritmo y la fuerza de la acción de sus personajes, mientras que Election, la más reciente cinta, es una recreación de los enfrentamientos morales al interior de la mafia hongkonesa.

21. Taste of Tea (Katsuhito Ishii)
Lisérgico viaje al interior de una familia japonesa, otrora centro del conservadurismo de este país. Estructurado a partir de una serie de raros incidentes (algunos de los cuales sólo suceden en la mente de los personajes), la cinta sorprende por su peculiar sentido del humor, su abundante creatividad.

20. Cowards Bend the Knee (Guy Maddin)
Cine de guerrilla. Una cinta filmada en 18 mm, proyectada en formato digital, sin lo que algunos llamarían "transfer profesional". Este pequeño homenaje al cine mudo y al noir, explota los recursos del "lenguaje fílmico" al máximo.

19. Ce jour-lá (Raoul Ruiz)
Brillante cinta de Ruiz, contada en tono de farsa de misterio, sobre una sociedad donde el Estado y el poder económico se confabulan para hacerse de la fortuna de una insana heredera.

18. Padre e hijo (Aleksander Sokurov)
Filme alegórico sobre las relaciones entre los hombres: padres, hijos, amigos, conocidos; así como todos los valores que se ponen en juego en el mundo masculino: la performance, la lealtad, el amor a la patria, etc.

Lo mejor del 2005: 30 - 24

2005-12-30T00:05:00.000-05:00

A un par de días de acabarse este año, me animo a crear una lista con algo de lo mejor que he visto durante el 2005.

La mayor tendencia que he percibido este año, y que parece ser una tendencia general, es el alejamiento de las salas comerciales. Las mejores cosas para ver están en un 80% fuera del sistema del celuloide, gracias a que la distribución del cine norteamericano copa lo que ofrecen las multisalas. Lo poco que se estrena fuera de los parámetros narrativos del cine americano es recibido, en el mejor de los casos fríamente, o en el peor de los casos con una grocería inconcebible.

En esta ciudad ir al cine se ha convertido en casi una tortura. La gente se la pasa hablando como si estuvieran en la sala de sus casas sin tener el más mínimo respeto por los que vamos a ver la película y no a matar nuestro aburrido tiempo. Lo malo es que los comentarios casi siempre son dignos de un niño de cinco años que se acaba de golpear la cabeza. El comentario más estúpido que he escuchado en este año fue durante una proyección de La caída. "¿Quién es ella?", pregunta una mujer de cerca de 30 años casi a la mitad de la película en una escena en la que aparece Eva Braun. "Es la enamorada de Hitler", responde su compañera...

Y qué decir de los celulares. Los perlas que responden el cel en una sala tienen el descaro de ponerse a conversar y decir: "Aló... Estoy en el cine"... Ni modo ponerse a discutir con semejantes personas...

A esto habría que sumarle la crisis creativa (cuando no comercial) por la que atraviesa Hollywood: sus productos se han vuelto insanamente caros por lo que tratan de alcanzar la mayor audiencia posible atendiendo a una pretendida homogeneidad. Y con resultados nada alentadores. En términos comerciales, Hollywood sigue perdiendo dinero, sosteniéndose en las ventas en retail (DVDs) y en propiedad intelectual (venta a TV, soundtracks, merchandising. etc.). En términos artísticos, la pérdida es todavía mayor. Bajo el criterio marketero de "pre awareness", los estudios lanzan secuelas, remakes, adaptaciones de malas series televisivas, etc. que deben de captar a un público que iría al cine porque conoce los productos de antemano. Lo que no se han dado cuentas estos ejecutivos es que de todas maneras hace falta hacer una película atractiva. Salvo alguna excepción por ahí, la mayoría de estas películas son infumables, incluso para un espectador que va únicamente en busca de entretenimiento.

En todo caso, he confeccionado una lista, algo larga, donde incluyo solamente las películas nuevas que he visto y que se han estrenado entre el 2000 y el 2005. Claro que cuando me refiero a estreno, me estoy refiriendo al estreno en alguno de los centros culturales de la cinefilia: New York, Paris, o en algún circuito festivalero.

Los que se quedaron fuera:

Ni tan buenas, ni tan malas, con un poco de suerte o en un año aburrido estas películas podrían haber ingresado a mi lista:

* Sideways (Alexander Payne)
* Son frére (Patrice Chereau)
* Ae fond Kiss (Ken Loach)
* Last Days (Gus Van Sant)
* Downfall (Oliver Hirschbiegel)
* Hidden Blade (Yohji Yamada)
* Nobody Knows (Hirokazu Koree-da)
* Bright Future (Kiyoshi Kurosawa)
* Chihwaseon (Im Kwom Taek)
* My Sassy Girl (Kwak Jae-young)

30. Comme une image (Agnès Jaoui)
Una de las mejores guionistas del cine actual (junto a Jean Pierre Bacri), Jaoui realiza un film más que interesante; quizás es algo inferior a "El gusto de los otros" por cierta mediatización del material hacia el final de la cinta. Pero aun así, me parece estupendo como un retrato de la influencia de la cultura de la imagen en las relaciones sociales e interpersonales.

29. Last Life in the Universe (Pen Ek Ratanaruag)
Last Life... es un film imaginativo, bien contado, que no cae en el facilismo de igualar el vacío existencial a la falta de amor romántico. Uno de los mejores trabajos tanto del gran actor japonés Tadanobu Asano (a quien este año vi además en Vital de Sukamoto, Zatôichi de Kitano, Bright Future de Kiyoshi Kurosawa, Taste of Tea de Ishii, Café Lumière de Hou) y del director de fotografía Christopher Doyle.

28. Infernal Affairs (Andrew Lau, Siu Fai Mak)
Lo mejor del mainstream hongkonés (Tony Leung Chiu Wai, Andy Lau, Kelly Chen, Eric Tsang, Danny Pang en la edición, Chris Doyle en la fotografía) funcionando como un mecanismo de relojería para mostrarnos una de las más eficientes cintas de acción y entretenimiento realizadas en el cine de los últimos años. Aprendan gringos...

27. Me and You and Everyone We Know (Miranda July)
Miranda July es una "estrella" del circuito cultural de occidente. Mucho antes de interesarse por el cine, ya había realizado varias exposiciones sobre las relaciones de los medios con las personas. Pese a esto, Me and You... es lo menos parecido que hay a un trabajo sobre intelectualizado o autorreflexivo, por el contrario, July asume las convenciones del género de la comedia romántica con el rigor formal de un maestro de los años 30. Una puesta en escena funcional, un retrato adulto y no condescendiente de niños y mayores, hacen de este filme una verdadera delicia.

26.La Fleur du mal /Merci pour le chocolat (Claude Chabrol)
El maestro francés sigue terco en realizar un cine que disfruta. Ambas películas están ambientadas en la clase media alta de provincias, cuentan con repartos estelares (Huppert. Flon, Magimel, etc.) y se dedican a rastrear el lado oscuro de lo que debería ser una vida apacible de privilegios.

25. Kung Fu (Stephen Chow)
Diversión de primer nivel, imaginación a raudales, el cine movimiento en su máxima expresión. Chow no le tiene miedo al ridículo y realiza las más disparatadas secuencias para contarnos esta suerte de parodia del descubrimiento personal, tan cara a las cintas de aventuras.

24. Vera Drake (Mike Leigh)
La película de Leigh es todo lo contrario a los filmes de Chabrol. Acá son las buenas clases trabajadoras las que no acceden al privilegio y las libertades que tienen las personas con dinero. Pero más allá de los, a veces simplistas, análisis sociales de Leigh, lo que se plantea este film es un problema moral: las acciones bien intencionadas frente a las acciones buenas. Vera Drake, notablemente interpretada por Imelda Staunton, es una especie de ángel sin guía, que actúa por su sentido de la compasión, del bienestar del prójimo basado en su propia experiencia.

TO BE CONTINUED...

Lo mejor del 2005: Boston Film Critics

2005-12-12T22:29:00.000-05:00

Aquí va:

Boston Film Critics Awards

Best Picture
Brokeback Mountain

Best Director
Ang Lee (Brokeback Mountain)

Best Actor
Philip Seymour Hoffman (Capote)

Best Actress
Reese Witherspoon (Walk The Line)

Best Supporting Actor
Paul Giamatti (Cinderella Man)

Best Supporting Actress
Catherine Keener (Capote)

Best Screenplay
Dan Futterman (Capote)

Best Documentary
Murderball

David Brudnoy New Filmmaker Award
Joe Wright (Pride & Prejudice)

Best Ensemble Cast
Syriana

Best Cinematography
Robert Elswit (Good Night and Good Luck)

Best Foreign Film
Kung Fu Hustle

Lo mejor del 2005: LAFCA

2005-12-11T14:50:00.000-05:00

El primer premio de peso para la temporada del Oscar fue anunciado. Se trata de Los Angeles Film Critics Association, que dio como ganador a "Brokeback Mountain" de Ang Lee (contrincante: A History of Violence de Cronemberg)

Esta es su lista de premios.

Mejor director: Ang Lee (Brokeback Mountain) Contendiente: D. Cronemberg
Mejor actriz: la poco conocida Vera Farmiga (Down to the Bone) Contendiente: la favorita de la Academia, Judi Dench (Mrs. Henderson Presents)
Mejor actor: el brillante Phillip Seymour Hoffman (Capote) Contendiente: Heath Ledger (Brokeback Mountain) ¿Y Jake???
Mejor guión: Empate entre Capote (Dan Futterman) y "The Squid & the Whale" (Noah Baumbach)
Mejor actriz de reparto: Catherine Keneer (por cada película en la que ha participado este año). Contendiente: Amy Adams (Junebug)
Mejor actor de reparto: William Hurt (A History of Violence) Contendiente: Frank Langella (Good Night, And Good Luck)
Mejor film extranjero: Caché de Michael Haneke. Contendiente: 2046 de Wong Kar Wai
Mejor documental: Grizzly Man de Werner Herzoeg. Contendiente: "Enron: The Smartest Guys in the Room" de Alex Gibney.
Mejor diseño de producción: el siempre notable William Chang por 2046
Mejor música: Joe Hisaishi y Youmi Kimura por "Howl's Moving Castle". Contendiente: Ryuichi Sakamoto por "Tony Takitani"
Mejor cinematografía: Robert Elswit por "Good Night, And Good Luck".Contendientes: Chris Doyle, Leung Kwan Pun & Lai Yiu-Fai por 2046.

Me llama la atención que los apartados más técnicos tengan una predominancia extranjera: Tony Takitani, 2046, Howl's Moving Castle. Para que vean los de Hollywood que con mucho menos dinero se pueden obtener mejores resultados que con toda la pasta que se gastan en sus sosos blockbusters.

Lo mejor del 2005: Newsweek

2005-12-11T13:06:00.000-05:00

Las agencias de PR de Hollywood deben estar con los crespos hechos. David Ansen, crítico estrella del Newsweek acaba de publicar su lista de las mejores películas del 2005, y ha puesto cuatro películas extranjeras (la #1 es extranjera), completando la lista con alguna que otra película "independiente", es decir, películas financiadas por las divisiones "artísticas" de los estudios como Fox Searchlight.

Ansen dice que 2005 se recordará como el año de las películas depresivas, por el tono sombrío del que no se salvan ni los blockbusters tipo "War of the Worlds" o "The Revenge of the Sith".

Esta es la lista:

1. Head On, del turco alemán Faith Akin
2. Good Night, and Good Luck, de George Clooney (financiada en parte por Warner Independent Pictures)
3. Rois et reine del ya famoso Arnaud Despechlin
4. Brokeback Mountain de Ang Lee (que espero sea más en la línea de "The Ice Storm" que de "CTHD", financiado por varias compañías como Focus features (perteneciente a Universal), Good Machine (otra especialidad de Universal), Paramount Pictures y otras compañías independientes.
5. La Meglio gioventù, obra de poco más de seis horas de Marco Tullio Giordana.
6. Capote de Bennet Miller. Financiada por United Artists
7. Caché, la última obra del siempre genial Michael Haneke.
8. Munich de Spielberg, el proyecto más interesante del director en mucho tiempo. Producida por Universal, Amblin (la firma de SS), Dreamworks, entre otros socios minoritarios.
9. The Squid & The Whale de Noah Baumbach, la única cinta realmente independiente de la lista.
10. A History of Violence de David Cronemberg, producida por New Line Pictures, que no alcanza a ser una major, pero que se rige bajo algunos de los criterios comerciales del típico Hollywood.

Lo mejor del 2005: Korea

2005-12-11T12:51:00.000-05:00

La 25va. edición de los "Premios de la crítica de Korea" (국제영화평론가협회상 en su idioma original XD) ha hecho pública su lista de diez mejores películas. Destaco la presencia de 그때 그 사람들 (The President's Last Bang) dirigida por Im Sang-soo, que se trata de una estupenda mirada irónica al poder, que enfrenta "las buenas intenciones" con los resultados, que enfrenta el deber con el "deber ser".

También en la lista está 친절한 금자씨 (Sympathy For Lady Vengeance) dirigida por el siempre notable Park Chan-wook y que cierra la famosa trilogía de la venganza. Espero verla pronto.

달콤한 인생 (A Bittersweet Life) dirigida por Kim Ji-Woon (espero verla antes de que acabe el año), autor de la interesante "A Tale of Two Sisters".

La lista la completan:
말아톤 (Marathon) - DIR. Jung Yoon-Cheol
주먹이 운다 (Crying Fist) - DIR. Ryu Seung-Wan
혈의 누 (Blood Rain) - DIR. Kim Dae-Seung
연애의 목적 (Rules of Dating) - DIR. Han Jae-Rim
웰컴 투 동막골 (Welcome To Dongmakgol) - DIR. Park Gwang-Hyun
형사 (Duelist) - DIR. Lee Myung-Se
너는 내 운명 (You Are My Sunshine) - DIR. Park Jin-Pyo

Cierre 2005: Las 50 personas más frías del 2005

2005-12-08T00:08:00.000-05:00

Como es costumbre, Film Threat colocó en su site la lista de las 50 personas en Hollywood y alrededores que se enfriaron de alguna manera u otra para el mundo cinematográfico.

El primer lugar fue, obviamente, para Tom Cruise por haber hecho uno de los ridículos más grandes de la historia del cine con su alocado (¿?) romance con Katie Holmes, sus peleas públicas con Brooke Shield, su defensa cerrada a la cientología, su ataque a la psiquiatría (pensar lo bien que le haría a él), etc. Como dicen en FT: " no longer an untouchable movie star, but rather a man on a career suicide mission"

La lista continúa con la víctima de las payasadas de Cruise, es decir, Katie Holmes, que no terminó de cuajar en "Batman Begins" por lo que ha quedado fuera de los planos del remake.

Siguen en la lista: Brett Ratner por el fracaso de X Men (puesto 3), Tom Sizemore por sus problemas legales que incluyen el uso de un pene artificial para pasar una prueba de orina (puesto 4), JLo por sus constantes fracasos comerciales en el cine (puesto 5), Silvester Stallone por sus decrépitos intentos de revivir su "franquicia" de Rocky (puesto 6), Bill Cosby (pongan la razón que pongan siempre estaré de acuerdo - puesto 7), Russell Crowe por ser el patán que siempre ha parecido ser (puesto 8), George Lucas porque a pesar de contar con innumerables recursos -como pocas personas en el mundo pueden- sigue obstinado en hacer esos monumentos a la codicia en que se ha convertido su saga -perdón, franquicia- de Star Wars...

En el puesto 10 algo que me parece importante: ir a una sala de cine. Y es que, aparentemente, es una tendencia mundial el comportarse como un cretino en el cine. La gente habla todo el rato, responden el celular, comen como marranos, llegan media hora tarde y encima te interrumpen para pedirte algo... Con lo buena que se está poniendo la tecnología (incluyendo mi querido BT) lo mejor alternativa es quedarse en casa.

La lista completa de los 50 puede encontrarse en www.filmthreat.com

Lo mejor del 2005: NBR

2005-12-07T23:55:00.000-05:00

En un movimiento que podría calificarse de turbio, la National Board of Review (la asociación de críticos, historiadores y cinéfilos que inician la temporada de premios) retrasó en una semana la entrega de sus premios a lo mejor del año.

Roger Friedman de Fox News (¿les suena 20th Century Fox?) acusó a la asociación de crear un complot contra ciertas películas y estudios para favorecer a aquellos estudios que han sido "buenos con ellos durante el año"...

La NBR hizo público un comunicado en el que anunciaba el retraso de una semana de sus premios por "la naturaleza incompleta de la lista de filmes elegibles para los premios"...

¿Exposé de Fox News? ¿Presión de los ejecutivos de marketing de los estudios para que incluyan las películas que ellos quieren comercializar bajo el paraguas que dan los premios?

Lo mejor del 2005: ArtForum

2005-12-03T13:49:00.000-05:00

Y ya comenzaron las listas con lo mejor del 2005. La revista ArtForum ha publicado en su versión impresa cinco listas de curadores, artistas y críticos. Esta es la que publica el artista visual Isaac Julien:

1. Brokeback Mountain (Ang Lee) Una película de cowboys con un cambio. El tour de force de Lee es todavía mejor que la historia corta en que se ha basado. El cine queer ha crecido finalmente y se ha convertido en un asunto del mainstream.

2. Darwin's Nightmare (Hubert Sauper)Un documental contra la globalización, filmado como un film de terror ambientado en Africa, donde los peces "caníbales" con enormes dientes son cambiados por armas o aviones traídos por los rusos.

3. Last Days (Gus Van Sant)El arte del cine y el arte de la imagen-movimiento toman otro paso juntos en esta narración fragmentada que reconstruye el tiempo cinematográfico.

4. Inconsolable Memories (Stan Douglas) Una inteligente relaboración de "Memorias del subdesarrollo" de Gutiérrez Alea , el clásico filme cubano de 1968, retoma a los actores de la película original como personajes contemporáneos en una alegoría política que mantiene su sentido de misterio.

5. Moolaadé (Ousmane Sembene) El padre del cine africano se mantiene impresionante en este exposé persuasico de la circunsición femenina. Nada menos que una obra maestra.

6. Broken Flowers (Jim Jarmusch) Jim está de regreso con una típica pieza. Dirección cool enfatiza una suprema actuación contenida de Bill Murray y un casi cameo de Tilda Swinton (nada menos que con una peluca negra).

7. Innocence (Lucile Hadzihalilovic)En este extraño y maravilloso cuento de hadas sobre el cambio de niñas prepúberes, una fuente de agua se convierte en lo que podría ser descrito como una toma orgásmica.

8. Non-Specific Threat (Willie Doherty) Uno de los puntos altos de la 51ava. versión de la Bienal de Venecia, el conmovedor video de Doherty gira alrededor de una hombre blanco calvo cantando un himno acerca de la alienación interna de la psiquis ( de Irlandadel norte).

9. Frammenti Elletrici 1-2-3-4 (Electric Fragments 1-2-3-4) (Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi) Turnándose una y otra en cuantro pantallas, estos fragmentos olvidados de material de archivo, bajaban de velocidad hacia lo hipnótico convirtiéndose al rojo, naranja, azul y verde; con encantadores encuentros coreográficos entre historias personales europeas y las "otras".

10. Three Times (Hou Hsiao-Hsien) Con el énfasis de Hou en la duración fílmica, la puesta en escena se convierte en todo, dejando a la narración fuera.

Viewing Log: octubre

2005-11-01T14:02:00.000-05:00

Estas son las películas que he visto durante octubre (no cuento repeticiones):

1. Nobody Knows (Koree-da Hirokazu): estupenda revisión de lo duro que es crecer en una sociedad donde el concepto "prójimo" parece no existir.

2. Red Eye (Wes Craven): Peliculeta hecha para matar el tiempo. La película se ajusta al funcionalismo del género con inocencia, y con Rachel Griffiths, heredera directa de la escuela de interpretación Julia Roberts, es decir, "smile 'til the shot is over".

3. ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Abbas Kiarostami): grandiosa película del director iraní sobre el mundo cotidiano de un niño del Irán rural, que tiene que enfrentar sus propias obligaciones y sentido moral frente a un vertical mundo de adultos. Todo el drama es mínimo, con cierta tendencia al minimalismo que desarrollará el director posteriormente.

4. As Tears Go By (Wong Kar Wai): primera película de Wong en la que varios de las estrellas del cine de Hong Kong viven un drama fraternal y pasional. Andy Lau, Maggie Cheung y Jackie Cheung forman parte de esta tragedia de la pequeña mafia hongkonesa. Por ratos, de la mano de JC, la película tiene mucho de los tonos exaltados de un John Woo, pero en otros momentos, prefiere la atmósfera a la acción, la imagen a los actores.

5. La vida continúa (Abbas Kiarostami): un terremoto que azota la tierra en que se filmó ¿Dónde está...? es el inicio de la búsqueda del protagonista. Nunca sabemos de él directamente, lástima, porque se trata de un pretexto para ver cómo los seres humanos tenemos el instinto de seguir viviendo pese a las circunstancias más adversas, incluso ante aquellas sobre las que no tenemos algún poder de cambio.

6. Ashes of Time (Wong Kar Wai): el wu xian pi convertido en poema visual. Este film es el corolario del cine de acción hongkonés, antes que Yimou lo convertiera en un asunto de manierismo. Las historias pasionales se entrecruzan, vemos historias típicas del género, bajo la lupa preciosista de Wong.

7. 5x2 (Francois Ozon): este director francés va en picada; cada película nueva que veo me parece inferior a la anterior. Esta vez, trata la trama de modo inverso, convirtiendo su película en una suerte de charada visual, de trampa para el espectador (como lo fue Swimming Pool). Salva a esta película la siempre grata presencia de Valeria Bruni Tedeschi.

8. Shall We Dance (Mark Sandrich): primera incursión de la dupla Astaire y Rogers como pareja cinematográfica. Como siempre Astaire está magnífico, sus movimientos son magníficos, su presencia en pantalla es apabullante. La Rogers, curiosamente, mantiene la dicción de las actrices menos interesantes de los 30s (muy raro, considerando lo bien que sale en Stage Door y 42nd Street), pero se ilumina maravillosamente junto a Astaire.

9. The Skybridge is Gone (Tsai Ming Liang): cortometraje "puente" entre What Time is it There? y Wayward Cloud. En términos de trama, nos cuenta el regreso de Shang y el nuevo oficio de Hsao. Estilísticamente, la película anuncia el cambio de registro entre el letargo del primero y lo idiosincrático del segundo.

10. This Gun's for Hire (Frank Tuttle): film noir que marca el inicio del estrellato de Veronika Lake y Alan Ladd. Lo curioso es el estado del registro de ambos. La Lake es la típica estrella que basa su personaje en su belleza, su star quality y que como actriz es una perfecta tabla. Ladd es, por el contrario, un magnífico actor, capaz de darle vida a un rol algo menor en un filme de por sí imperfecto.

11. Legend of Sansho Bailiff (Kenji Mizoguchi): otra de las grandes tragedias de Mizoguchi. Esta vez es la triste historia de la desintegración de una familia, como producto de una actitud moral superior, que obliga a los personajes a buscar el bien comun, sacrificando su propio bienestar. Mizoguchi filma como pocos, llenando cada imagen de fuerza expresiva.

12. Taste of Tea (Katsushito Ishii): delirante historia de una familia japonesa. Ishii apela a la imagen surrealista, a la narración sugerente, a la ausencia de una trama general. Simplemente una gran obra, aunque -lástima- sea tan poco conocida.

13. Clash by Night (Fritz Lang): melodrama ambientado en un pequeño pueblo pesquero. La Stanwyck, brillante como de costumbre, se enfrenta a sus propias pasiones y ambiciones para al final descubrir el verdadero valor de sus sentimientos.

14. Cinderella Man (Ron Howard): "Richie Cunningham" está lejos de ser uno de los mejores artesanos del Hollywood actual, al contrario, muchas de sus cintas -incluída esta- tiene tantos desbalances que parecen impensables en una industria tan consolidada. Aun así, Cinderella es su mejor filme hasta el momento. Tiene una historia coherente, una resolución clara, unas preocupaciones bien llevadas (aun cuando podríamos no estar de acuerdo con la política que subyace al filme). Russell Crowe es un actor notable, lo mismo que Paul Giamatti (el otro lado de la moneda). Lo único lamentable a nivel actoral es la presencia de Reneé Zelwegger, que parece estar en otra época, cuya dicción es impensable para una mujer de la época, cuya voz de pato Donald hace imposible cualquier disfrute de sus escenas.

15. La sed (Ingmar Bergman): crisis europea tras la segunda guerra mundial. Una serie de viñetas sobre el amor en tiempos de dolor, donde la soledad y el vacío existencial sólo se sostiene por un pacto imperfecto por naturaleza, pero que parece ser lo único que nos queda para hacer la vida más soportable.

16. 47 espadas de venganza (Kenji Fukasaku): versión setentera del drama japonés sobre la rebelión de los servidores de un señor contra el Shogun. Este filme se concentra precisamente en este conflicto, en la separación en términos de acción de los que se preparan para la venganza y del mundo establecido (¿inactivo?) del Shogun. Toshiro Mifune y Sonny Chiba se encuentran como personajes secundarios de ambos bandos.

17. Formula 17 (Chen Yin-jung): simpática comedia sobre un adolescente gay que viaja a la gran ciudad a conocer un "affaire" on-line. La historia está enraizada en el género de la comedia romántica y por ratos mantiene varias de las estrategias típicas de una comedia norteamericana (como la trama y las apariciones musicales de bandas con música de moda casi inofensiva). Es un filme que se explica más por el cine mismo, que por la realidad.

18. The Barkleys of Broadway (Charles Walters): última aparición del dúo Astaire-Rogers. La historia es algo abusiva para la parte femenina, que es retratada como una incompetente tonta que no puede hacer nada sin su hombre. Los musicales están bien, aunque algo lejanos de los mejores momentos de la dupla.

19. A Scene at the Sea (Takeshi Kitano): otra gran cinta de Takeshi. Esta vez apela más al minimalismo, a la repetición de escenas y secuencias enteras que demuestran lo irrepetible del tiempo.Esto, pese a lo estancado de la vida de los personajes que parecene encontrar en el surf y el mar, la única salida para su existencia anodina, su calidad de outsiders.

20. Son frére (Patrice Chereau): más que interesante ejercicio de Chereau sobre los estados del cuerpo, sobre la degradación espiritual del cuerpo. Un pequeño movimiento que muchos han asociado a Lucien Freud, pero la escena previa a la operación, para mi gusto, es puro Mantegna.

21. Ce jour-lá (Raoul Ruiz): integrado en la cultura europea, Ruiz hace un ejercicio entre surrealista y rivettiano sobre la ambición que mueve la cultura occidental actual. El Estado suizo (ejemplo de la civilización occidental) mueve los hilos del poder económico para asesinar a la delirante Livia, la heredera de una fortuna derivada del comercio actual (el de las marcas), para lo que deja libre a un confundido asesino.

22. Um filme falado (Manoel de Oliveira): notable filme del maestro Oliveira sobre los avatares de la Europa contemporánea. Un mundo de rico pasado y apacible presente, pero que todavía ve al resto de la humanidad con una mirada exótica, como el souvenir de la mujer musulmana, como un problema ajeno al mundo en que viven. El estilo es radical, la primera parte es una suerte de visita guíada por las ciudades más importantes (en términos culturales) del mediterráneo, en el que la cámara se pasea con una intención difícil de adivinar en un principio. La segunda parte es una larga conversación entre tres brillantes mujeres, representantes de lo mejor y peor (el filme sugiere constantemente las contradicciones de la cultura) del mundo europeo junto al capitán del barco, un norteamericano. La tercera parte, es la inclusión en la mesa de la madre e hija turistas, cuyo final es amargo, terrible, es el final del deseo de entender más el pasado, las otras culturas, de integrarse a un mundo, que meses después de la fecha del filme (julio 2001) se convierte en una pesadilla.

Viewing Log: narcisismo puro

2005-10-20T00:20:00.001-05:00

Siguiendo la tradición ciberné(rd)tica de poner una lista de películas nuevas que se ha visto en un período, haré una lista mensual. Esta es la que corresponde a setiembre, mes de terrible inactividad de mi blog:

Por orden de visión:

1. Sympathy for Mr. Vengeance de Park Chan Wook. Por cierto, una película fascinante y una película, a mi gusto, mucho mejor que OLDBOY.

2. Ucellacci e Uccellini de Pier Paolo Pasolini. El placer de ver al ucellini favorito de PPP: Ninetto Davoli, en una película brillante. Por cierto, siempre entendí que se trataba de un cuervo perteneciente a la inteligentsia socialista.

3. Assasination of Richard Nixon de Niels Muller. Mucho mejor de lo que esperaba.

4.Meet Me in St. Louis de Vincent Minelli. Aunque los números musicales no son exhuberantes, se trata de uno de los filmes más bellos de la época. Es un verdadero placer escuchar a la Garland.

5. Stagefrigth de Alfred Hitchcock. El cine de Hitch nunca cansa, aun cuando no se trate de una obra maestra. La Dietrich no pierde oportunidad para mostrar sus números musicales y Hitch se manda unas tomas directamente tomadas de von Sternberg. El villano del filme es de antología.

6. Teorema de PPP. Uno queda como transformado luego de esta más que brillante parábola de ribetes cristianos. Y eso que no cuento el placer de ver a Silvana Mangano en uno de esos roles de "mujer rica pero sexualmente insatisfecha, frívola pero infeliz, y con una autoconsciencia de clase que le habrían ahorrado varios dolores de cabeza a la corono británica." Además de Laura Betti alcanzando la santidad. También aparece Ninetto entregando cartas mientras vuela como un pajarillo.

7. 3 Iron de Kim Ki-duk. La última media hora de esta película es poco más que fascinante, es cine en su estado puro. Kim es capaz de hacer una obra brillante como esta y una cosa tan mamarrachienta como su Spring, Summer y demáses. En todo caso, se trata de una cinta excepcional, como pocas de las que se han realizado en los últimos años.

8. Sin City de Robert Rodriguez. Los vanos intentos de RR de ser novedoso e interesante. Una banda sonora hecha por un adicto al speed metal o alguien que trabaja taladrando pisos. La cinta tiene sus momentos, pero desfallece al intentar dar unidad a algo que quedaba mejor como viñetas, como episodios sueltos en el aire.

9. The Fury de Brian de Palma. Esta película me convenció que los Douglas tienen mala vejez. A los que no se les da por casarse con chicas 30 años menores que ella, les da por salir semi desnudos y jugar al decrépito héroe de acción. La película es insufrible, pese a su gusto por la serie B y pese a John Cassavettes.

10. Last Days de Gus Van Sant. Mi comentario sobre este filme está en otro post, más abajo.

11. Stella Dallas de King Vidor. La última vez que lloré tanto por algo, fue con Andrea Chernier. El melodrama de sacrificio en su mejor expresión. El movimiento de cámara final que hace Vidor sobre la Stanwyck, me recuerda a ciertos fragmentos de Breaking the Waves. Y no puedo dejar de asociar el despertar final de la Bergman de Stromboli, al sentimiento que la niña despierta en el alma de Stella Dallas.

12. A Tale of Cinema de Hong Sang-soo. Si se trata de hacer cine inteligente y arriesgado, ya sabemos hacia dónde ir. Hong es un director in progress, alguien que parece estar haciendo los cimientos de grandes obras. Esperaré un poco más para dar mi opinión sobre este director, que hasta ahora viene haciendo las cosas muy por encima del promedio.

13. Le Boucher de Claude Chabrol. Uno de los clásicos del director francés que muestra los límites entre una sociedad civilizada y los instintos humanos más profundos.

14. El ángel ebrio de Akira Kurosawa. Nuevamente AK demostrando por qué es una de las figuras centrales del cine. Como el Fellini post neorealista, AK prefiere una puesta en escena que tiende hacia un estilo clásico, controlado y funcional. Si hay algo que da a entender cada película de Kurosawa es que un director de cine es, sobre todo, un creador de imágenes.

15. Palindromes de Todd Solondz. Ejercicio formal medio tramposo. Ya comentaré más adelante.

16. Super espías de Danny Pang. Hong Kong hi tech, para un director con escasa imaginación.

17. A la verticale de l'été de Ann Tran Hung. Vietnamita radicado en Francia, haciendo una mezcla medio pesada de Lou Reed, exotismo oriental, intentos Chejovianos y fotografía preciosista. Hay tanto de realidad en esta película, como en la sonrisa de Tom Cruise.

18. House of Bamboo de Samuel Fuller. Sospecho que esta es una pésima introducción al cine de este director, la historia es bastante sosa, la cinematografía está un poco mejor, pero poco ayuda a una cinta que quiere decir tan poco en tanto tiempo.

19. Wayward Cloud de Tsai Ming Liang. Uno de mis favoritos hace una obra delirante, excéntrica y polémica. Salvo el final, que borda el esperpento, la película está bastante bien, aunque sin llegar a los niveles de Good Bye Dragon Inn o The River.

20. Die With Your Boots On de Raoul Walsh. Me da la impresión que nadie editaba con la velocidad con la que se trabajaban los filmes de este director. Tanto White Heat como Die with... se adelantan varios años al aburrido de Scorsese y sus imitadores. La escena de despedida entre Flynn y De Havilland podría ser una película por sí misma.

21. Nightmare Alley de Edmond Goulding. Ya le dedicaré un poco más de tiempo a esta obra fascinante, que me ha enseñado varias cosas valiosas sobre el cine y sobre el mundo mismo. Tyron Power es de esos actores que ya no pueden existir porque el mundo se ha hecho más pequeño, parafraseando a Norma Desmond.

Los 15 años de IMDB

2005-10-18T21:39:00.000-05:00

Tengo que admitir que le tengo mucho cariño a IMDB. De hecho, fue la primera página a la que ingresé en uno de los tres salones de la UdeL que permitía que los alumnos más curiosos entráramos, por una hora, a conocer un novedoso invento llamado Internet.

Desde entonces, es mi referencia para chequear los datos de las películas: qué ha hecho antes el director, el reparto, si la película tiene premios, links a críticos de medios como el NYT, el Village Voice, WSW, el a veces gracioso Mr. Cranky, y mis favoritos, DVD Beaver.

Las dos peores cosas que tiene son las críticas de los usuarios, en un 95% opiniones cargadas de ignorancia, y los messages boards, también responsabilidad de unos usuarios que parecen tener un sistema que les permite escribir desde los cojones a la PC.

Para terminar de malograr su buena imagen (y quizás sea la razón de las cosas malas), acaban de publicar una lista de las mejores 15 películas según el staff de IMDB. Francamente, creo que se la escribió un ejecutivo de PR de una distribuidora gringa o del Blockbuster. Simplemente patética. Y ni qué decir de sus comentarios año a año, en el que se enteraran de grandes hechos que han marcado la historia del cine de los últimos 15 años, como los rompimientos entre Bradd Pitt y Jennifer Anniston, o el de Tom Cruise y Nicole Kidman.

Christopher Doyle ... again

2005-10-18T20:54:00.000-05:00

Filmmaker Magazine acaba de poner en circulación su nuevo número. Entre otras cosas, destaco la entrevista a Christopher Doyle, el más endiosado de los directores de fotografía actuales. Independientemente de lo brillante de su trabajo, creo que la gente tiende a inflar mucho su participación en el resultado final de una película (alguna vez leí la opinión de algún cretino que decía que sin él Wong Kar Wai no sería nada), como -citando a All About Eve- si se olvidaran que el piano no compuso la sinfonía. En todo caso, se manda unas declaraciones que tienen mucho de verdad. Estos son unos fragmentos que traduzco:

"Creo que la diferencia (entre el cine norteamericano y el asiático) es el nivel de energía. Asia está como la nueva ola australiana, el cinema novo brasileño, la nueva ola francesa. ¿Por qué? Porque hay una confluencia de intenciones y economía, aquellos elementos que funcionaron bien antes. Lo que es extraño en occidente, -bueno, no tan extraño-, es que la gente está perdida. Seamos honestos (se ríe). Ya sea que culpen al 11 de setiembre o a la falta de educación de las escuelas, la gente está perdida."

"El clima actual en la mayoría de los países occidentales es anti-artista, poque la función de un artista es abrirle los ojos a la gente, y esa no es la función de una meritocracia petrolera texana. Hello! Y cada persona en el mundo real ve esto, y es por eso por lo que nosotros (los asiáticos) hacemos el cine que hacemos. Porque ustedes no tienen la libertad, no tienen la integridad. Tienen que hacer remakes de todo lo que hacemos. Voy a ver a Martin Scorsese y le digo: "¿No crees que debería decirte acerca de los lentes?" Él me dice: "¿Qué quieres decir?" Y le digo: "Bueno, estás haciendo un remake de mi film Inffernal Affairs. Película que fue probablemente escrita en una semana, la filmamos en un mes y tú vas a hacer un remake. Ja, ja, ja. ¡Buena suerte!"

Doyle acompañado de Tom Twyker en la Berlinale 2003

Sobre Shall We Dance? (2004): La nueva versión es el pedazo más grande de mierda. Uno no sabe de qué mierda se trata. Y la versión original no es precisamente arte. No estamos hablando de un Kieslowski o Tarkovsky. Estamos hablando de una película del mainstream japonés, y ni siquiera pueden hacer eso bien.

Sobre The Aviator: "Si Martin Scorsese puede hacer un pedazo de mierda llamado "The Aviator" y entonces hacer un remake de una película hongkonesa, ¿no crees que ha perdido el camino? Piénsalo bien. "¡Necesito mi Oscar! ¡Quiero mi puto Oscar!" ¿Están los americanos locos? No hay una sola persona de los votantes del Oscar que sea menor de 65 años. Ni siquiera saben como conectarse a Internet. No tienen idea de lo que es el mundo real, No tienen más experiencias visuales. Lo que tienen son preocupaciones. Así que, ¿por qué un gran director como Scorsese tiene que chupársela a los miembros de la Academia con una mierda llamada The Aviator? ¿Y ahora tiene que hacer un remake de nuestra película?".

Last Days

2005-09-15T12:18:00.000-05:00

Algo pasó en la mente de Gus Van Sant cuando un amigo suyo le mostró una versión de Satantangó de Béla Tarr. Afincado en una industria cada vez más sosa (salvo notorias excepciones), el director parecía haber encontrado una serie de nuevas ideas para recomenzar su carrera como director interesante. Aun cuando varias de sus películas en Hollywood tengan cierto interés, en especial Good Will Hunting, una película que pese a tener un guión algo predecible, está manejado con un sentido del drama que sólo los mejores directores son capaces (me remito en especial a las secuencias con Minnie Driver). Su proyecto de Psycho, ampliamente criticado, tiene algunos puntos interesantes sobre la puesta en escena, la imposibilidad de re-crear un filme al pie de la letra, etc. Mucho más abajo están To Die For y sobre todo Finding Forrester, que más parece una floja película para televisión.

La primera etapa de Van Sant tiene su punto más alto en My Own Private Idaho, una cinta sobre dos jóvenes dedicados a la prostitución. Este filme es una suerte de adaptación del Henry IV de Shakespeare, convirtiendo a Falstaff en un explotador traficante y vago, y al futuro Henry V en el heredero de una fortuna familiar. Pero, mientras que en la obra de Shakespeare, el paso a la sociedad legal se produce a favor del orden establecido (una nación que recibe del fango a un valiente rey), en MOPI se produce una pérdida espiritual, una traición a la naturaleza libre de la calle.

"Gerry", trabajado junto a Matt Damon y Casey Affleck (quien me parece cambió de apellido recientemente), es minimalismo puro. Un hecho (un paseo en el desierto), una acción (la búsqueda de algo no determinado), un par de personajes, un lugar (el Death Valley de innumerables filmes míticos como Greed de Stroheim) son los elementos básicos para (des)armar una narrativa más que una historia. En este film, acompañado de la música de Arvö Part, el director utiliza la repetición de la estructura básica de una narración dramática y las desnuda, nos muestra su composición, nos muestra el esqueleto de lo que un filme es, léase, enfrentamiento de fuerzas contrarias, creando a partir de la naturaleza misma un mundo abstracto.

"Elephant" lleva esas reflexiones a un hecho todavía más concreto: la tragedia de la escuela secundaria Columbine. Aquí no se trata de re-utilizar la narrativa del periodismo, ni la del drama cotidiano. Es más bien una suerte de revisión del imaginario colectivo adolescente (el outsider, los profesores, la dificultad del mundo adolescente, las relaciones familiares, el mundo estetizado, las relaciones entre pares, etc.), enfrentados con lo más diabólico de la cultura, es decir, la violencia gratuita, injustificada, que nace quizás de la propia naturaleza humana que todo un sistema trata de ocultar a través de sus aparatos culturales. A mi juicio, esta es la obra definitiva del director.

"Last Days", sin llegar a las grandes dimensiones del filme predecesor es un filme poco menos que notable. La película nos muestra las últimas horas de Blake (Michael Pitt), un cantante de grunge inspirado en el malogrado Kurt Cobain, inexplicable ídolo musical de los noventas. A través de la poco más de hora y media del filme, vemos a Blake murmurar melodías, letras de canciones, frases inconexas; mientras se encuentra sumergido en una suerte de estado de letargo producto de alguna droga dura. Las referencias a la realidad del otrora líder de Nirvana son constantes a través de detalles como la casa donde fallece el músico, la visita de músicos amigos suyos para que entre en rehabilitación (cameo de la mismísima Kim Gordon), el look mismo de Blake, etc.

El filme entonces, se concentra en estos últimos días, pero de una manera atípica. La temporalidad como en "Elephant" es indeterminada (aunque a diferencia de ésta no pertenece a ningún punto de vista); vemos escenas que comienzan dos o tres veces, no hay un sentido cronológico claro (la música que abre y cierra el filme nos da la sensación de una forma cerrada), no sabemos si entre un hecho y otro pasan horas o días.

No hay, tampoco, el más mínimo interés en un retrato psicológico, al contrario, Blake es una especie de símbolo. Lo que para mí se convierte en el meollo del asunto. Blake como el líder de Nirvana, pertenece a una cultura que considera que el arte es básicamente una cuestión de "expresión personal". Es una idea muy difundida (cuyo punto de partida es el romanticismo y su punto más álgido es el expresionismo abstracto), pero como nos muestra el mismo filme, se muerde la cola a sí misma. Veamos. La música grunge parte de la idea que el rock americano de finales de los ochentas (la época de la explosión del hair metal) necesita dejar su lado frívolo, aparatoso, comercial, y regresar a la expresión pura, sin importar si se trata de una voz desafinada, unas guitarras sin mayor trabajo de afinación, un patrón rítmico mínimo, etc. En fin, una idea del rock democratizada a partir de una suerte de imperativo categórico emocional: un artista es más válido cuanto más condiciones tenga para expresar lo que siente, independientemente de la (im)pericia técnica.

Blake es precisamente la encarnación de esto. Es un tipo que sólo vive para sentir, ya sea mediante la ayuda de drogas o de los fantasmas que podrían atormentarlo. Su música es precisamente la puesta en escena de esa expresividad en estado puro que tanto parece haberle gustado a la cultura del grunge.

Este último punto es quizás lo que hace que más se diferencie este film de género del bio pic. Películas como "Amadeus", "Tous les matins du monde", "Pollock", "Ray", entre otras, toman al personaje principal y realizan una suerte de hagiografía dramática, donde el artista es víctima de aquellas pasiones que aparecen como una suerte de don divino (como bien lo expresaba el Salieri de Forman), muy a pesar de la sociedad y de ellos mismos. Los fantasmas de Blake son casi inexistentes, su mundo es el de casi un autista, impenetrable, incapaz de relacionarse con nadie realmente.

Alrededor de Blake pululan una serie de personajes que viven como en una especie de culto al cantante. No le hablan directamente (salvo cuando necesitan algo), lo dejan andar todo el día en el estado que quiere, etc. Son como los sacerdotes del mito cultural, aquellos que contribuyen a que la idea del creativo excéntrico se pueda mantener. Ellos al mismo tiempo se encuentran encerrados en su propio universo de placer (música, drogas, sexo, alcohol, etc.), que ciertamente es de una índole más comunitaria, pero que simboliza la suerte de canibalismo con la que la cultura trata a estos ídolos emocionales.

"Last Days" acaba con la ascención del "santo" a los cielos mientras suenan las voces de un motete de Janecquin, un músico renacentista, representante de aquella época en que la música era un camino a la espiritualidad, pero que se basaba en principios formales estrictos y la caprichosa "expresión personal" era una cuestión que quedaba lejos del arte. Por lo menos del verdadero.

Café Lumière

2005-09-10T13:47:00.000-05:00

Hou Hsiao-hsien es uno de los más importantes directores que aparecieron en la década de los 80s en Taiwán. Aunque, ciertamente, nació en un pequeño poblado rural de la China contiental. Para muchos, uno de los autores más visionarios del panorama mundial cinematográfico actual y que a la fecha cuenta con alrededor de 20 películas.

La obra de Hou es árida, compleja, absolutamente ajena a cualquier parámetro del cine como entretenimiento. Sus largas tomas, con las que se le asocia permanentemente, lo hacen uno de los directores menos atractivos para la industria, consiguiendo una alarmante escasa distribución mundial, y la chance de verlo se reduce a las posibilidades de los festivales locales y, gracias a Dios, al DVD.

A Hou le gusta experimentar constantemente, aun cuando apele a una serie de constantes iconográficas, temáticas y de estilo. Cada film suyo de los estrenados en la última década apuesta por un régimen de puesta en escena y puesta en serie diferentes. En Flowers of Shanghai, por ejemplo, opta por una narrativa episódica, con una cámara que se mantiene fija durante el registro. En Millenium Mambo, se trata de un film apoyado en la memoria, con largas tomas acompañadas de música que parecen arrancadas de algún sueño. En The Puppet Master se trata de una entrevista a un titiritero real, acompañadas de la dramatización de su vida, y así.

Café Lumière apuesta también por un registro diferente aunque, me parece, no desentona con la obra general del autor. El film nace como un proyecto de encargo de la compañía Sochiku, uno de los grandes estudios del Japón, que celebraba el centenario del mítico Yazujiro Ozu. Por esta razón CL se encuentra ajena a ciertos contenidos temáticos de la obra anterior de Hou, como sucede con las relaciones entre memoria e historia (que eran la base de filmes como Puppet Master o Good Men, Good Women).

Así, el film toma una serie de elementos iconográficos y temáticos derivados del cine de Ozu: los trenes arribando a la estación, la familia conversando durante una comida, los problemas de la modernidad frente a los valores tradicionales tan caros a los japoneses, las tomas largas, etc. Pero que ahora se encuentran rodeados de las reflexiones y del rigor estilístico del director chino.

Aunque el filme no tiene una trama, en el sentido de una historia concatenada a partir de acciones, hay una narrativa que el espectador puede interpretar a partir de lo expuesto: Yoko (Hitoto Yo), una joven japonesa que vivía en Taiwán, le cuenta a su familia (madrastra y padre) que se va a convertir en madre soltera, a la par que investiga sobre un músico taiwanés que vivió en el Japón. Mientras pasa esto, aprovecha su tiempo para visitar a Hajime (Asano Tadanobu), un librero que se dedica a grabar los sonidos de la cadena de trenes que se encuentran en Tokyo.

Como en otros filmes del director, estamos frente a una mujer que se encuentra en un momento decisivo de su vida, desafiando a un sistema opresivo por naturaleza, aun cuando la nueva sociedad japonesa le permite potencialmente vivir una vida tranquila como madre soltera. De hecho, Yoko parece llamada a convertirse en una outsider por su renuencia a algunas reglas tradicionales a partir de su rechazo a hacer una familia con el taiwanés (rechazándolo además porque no se encuentra a gusto con la familia grande del sujeto y por el negocio familiar). Asimismo, por realizar pequeños detalles mal vistos por su madrastra, una persona de provincias (donde se resiste más a abandonar las costumbres de las sociedades tradicionales), como sucede cuando Yoko pide sake y vasos de una vecina.

Estamos en un Tokyo impersonal, donde las viejas tradiciones son solo un recuerdo, una fotografía descolorida (como las que encuentra al entrevistar a una pariente del músico taiwanés), locales famosos que ya nadie recuerda, largos viajes en el tren, etc. Pero también, nos encontramos ante una familia disfuncional, donde las posibilidades de real comunicación se han extravíado, a pesar de que se comparten algunas actividades que en el Japón tradicional servían como procesos de integración familiar, léase la visita al cementerio, las comidas familiares, etc.

Yoko y Hajime mantienen una relación basada en una compañía tácita, pero fiel (recordemos como Hajime la acompaña mientras duerme); compartiendo los datos de la investigación, haciéndose regalos sin mayor efusividad, mostrando las cosa que hacen (como los gráficos que Hajime le muestra a Yoko), en suma, compartiendo su soledad.

Al igual que este film es una suerte de espejo de un film de Ozu, la cinta de Hou se dedica a crear mundos que se reflejan unos a otros: el padre de Yoko se encierra en su mutismo, mientras que la madrastra se frustra por no tener la autoridad paternal para encaminar a su hijastra; Hajime crea un gráfico en la que él se dibuja al centro como un feto cubierto por una matriz formada de vagones, mientras que la ciudad se encuentra rodeada de vías ferreas; Hajime, una japonesa que escapa del clima mercantilista de Taiwán (simbolizado por la familia industrial), investiga la vida de un músico taiwanés que disfruta los valores tradicionales de Japón; en la estación del tren (un lugar público) Hajime y Yoko se encuentran más cerca de lo que ella se encuentra con su familia al interior del hogar (lugar privado).

Café Lumière es, a fin de cuentas, una espiral del mundo, un espacio cíclico en que las cosas parecen que se repiten una vez sobre otra. Es una reflexión sobre un tiempo casi cíclico que a manera de una espiral repite la misma historia, pero alterando los elementos, es la misma figura repetida en cantidad, pero que al mismo tiempo tiene un inherente cambio cualitativo. Es como la metáfora misma del nombre, que alude a los Lumière, aquellos franceses pioneros que filmaban con la cámara fija y que filmaban a las personas salir y entrar a los trenes.

Tokyo Raiders - Seoul Raiders

2005-08-22T18:38:00.000-05:00

El cine pan-asiático no sólo es famoso por sus grandes autores, sino también por lograr lo que hasta ahora sólo habían alcanzado el cine norteamericano y el cine hindú: crear un circuito cinematográfico basado en criterios industriales. Corea del Sur, Hong Kong, Taiwán, Tailandia, Japón, China continental, entre otros, forman hoy un interesante circuito comercial de la industria del espectáculo (incluyendo la música popular, la televisión, Internet y otros medios digitales) donde Hollywood tiene una presencia importante pero no de absoluto dominio, como sí sucede en buena parte del mundo.

De todas estas industrias, sin duda, la más solvente es la hongkonesa, que con sus directores de filmes de acción, tales como John Woo o Tsui Hark, han logrado influenciar incluso al cine occidental. Al interior de esta gama de directores, se encuentra Jingle Ma, un artesano con el suficiente oficio y visión comercial como para hacerse de un par de éxitos de taquilla.

Tokyo Raiders y la secuela Seoul Raiders, sin embargo, estuvieron algo lejos del tan añorado éxito comercial, funcionando relativamente bien en la taquilla. Ambas películas se basan en tramas que buscan la constante sorpresa, la ejecución de escenas adrenalínicas, abundantes cantidades de acción y piruetas, algunas dosis de humor, así como el encanto de sus protagonistas.

Las historias de ambas películas involucran a Lin (Tony Leung Chiu Wai), una suerte de agente secreto de filiación hongkonesa que se pasea en las calles de ambos países (Japón y Korea del Sur) para defender los intereses de algún tercero en discordia. Para esto, cuenta con una serie de artefactos y un grupo de bellezas locales que lo ayudan en cada una de sus tareas.

En Tokyo Raiders (2000), trata de cuidar a Macy (Kelly Chen), hija de un famoso empresario, que acaba de ser abandonada por su novio japonés (Tôru Nakamura). Ella viaja a Tokyo para buscarlo junto a Yung (Eking Cheng), su estafado diseñador de interiores. Así, cuentan con la ayuda de Lin y sus asistentes para encontrarlo cuando tropiezan con el jefe Ito (Hiroshi Abe), uno de los yakuzas más poderosos del país.

Seoul Raiders (2005), por su parte, introduce a Lin convertido en un cazarecompensas tratando de atrapara a un grupo de hongkoneses que han robado las placas para realizar billetes norteamericanos y vendérselos a la mafia koreana, quienes a su vez, lo venderían a los grupos radicales islámicos. El encargado de esta venta es Owen (Richie Ren). En el camino de sus actividades, Lin se encuentra con una joven que dice ser también una cazarecompensas, la china J.J., interpretada por Shu Qi.

Hay una clara diferencia estilística entre una película y otra. TR parece una película de Jackie Chan en su tratamiento de la acción en términos cómicos, su fotografía (realizada por el mismo Ma) opaca, casi naturalista. SR parece un producto más hi-tech, con hombres vestidos de un negro brillante, trabajo fotográfico más estilizado, acciones más basadas en la grandiosidad que en la pirueta del actor.

En fin, se tratan de películas bastante livianas, con algunas resoluciones visuales algo torpes, interesadas en dar golpes de efecto al espectador, retrogradamente sexistas, poco novedosas, etc. Quizás, la menos lograda sea SR debido a lo rebuscada de sus salidas dramáticas y sus postizas resoluciones en la trama.

Si hay alguna razón para ver esta película es el estupendo grupo de actores que forman parte del star system de la zona. En primer lugar, es interesante ver a Tony Leung Chiu Wai retomar su papel de actor de artes marciales, donde además, maneja una personalidad chispeante y cínica. Como todo actor de la zona realiza sus propias piruetas (incluído el salto entre dos vehículos en movimiento). Esta es la segunda vez que veo a Ekin Cheng y ha cambiado un poco la percepción que tenía de él, en esta película lo veo mucho más animado, expresivo, capaz de crear un personaje donde casi no lo hay. Kelly Chen demuestra acá porque es una de las mujeres más adoradas de Hong Kong. Shu Qi, la notable actriz de Millenium Mambo y El Ojo 2, luce simplemente esplendorosa. Richie Ren, Tôru Nakamura e Hiroshi Abe cumplen con sus roles algo secundarios. También se tiene la oportunidad de ver un par de cameos interesantes como el de Yuki Moriyama y Cecilia Cheung.

Morrissey versus Warhol

2005-07-30T17:34:00.000-05:00

Paul Morrissey

"Realmente tengo que explicar quién era Andy (Warhol). Era un hombre discapacitado, autista y disléxico al grado de no poder leer una sola palabra. Era asustadizo y tímido; no tenía intereses artísticos y no le interesaba otra cosa que hacer dinero". Estas son palabras de Paul Morrissey al Times UK (www.timesonline.co.uk), quien parece ya estar harto de que sus obras sean atribuídas al artista emblema del arte pop de los Estados Unidos.

De acuerdo al investigador Maurice Yacowar, también biógrafo de Morrissey: "Él fue responsable de las tres cosas por las que el público conocía a Warhol: el grupo de rock (los proyectos con la Velvet Underground), la revista (Interview Magazine) y, especialmente, las películas (Flesh, Trash y Heat)."

"Alguna vez alguien me preguntó ¿Qué significaba ser el manager de Andy'. Yo respondí que tenía que pensar las cosas que Andy debía hacer, hacerlas y luego pretender que él estaba involucrado", sigue diciendo Morrissey.

Joe Dallesandro en Heat (Paul Morrissey, 1972)

Christopher Doyle

2005-07-21T16:49:00.000-05:00

Aparentemente los días para ser salvajes entre el director Wong Kar Wai y el director de fotografía Christopher Doyle han terminado. En una entrevista aparecida hace unos días en el diario británico The Guardian, Doyle sostiene: ¿Cuántos años me quedan? ... Creo que el problema para mó es que hay gente que me importa y que son realizadores, y estoy constantemente rechazando proyectos debido a su (se refiere a los largos rodajes de Wong) situación fuera de control. El viaje ha sido maravilloso, pero hay otros grandes amigos míos que me han estado esperando."

Sobre 2046 dice: "Siento, en retrospectiva, que 2046 era innecesaria. Creo que Wong Kar-Wai lo notó en algún momento, y es por eso que le tomó tanto tiempo. Te das cuenta que básicamente habías dicho lo que tenías que decir, así que, ¿para qué decir más? Es como lo siento. Creo que eventualmente tienes que continuar."

Senses of Cinema: nuevo número en línea

2005-07-21T16:09:00.000-05:00

Ya está en línea la más reciente edición de Senses of Cinema, la mejor revista de cine que se pueda encontrar en la red. Ahora se pública en períodos más espaciados que antes, pero mantiene la característica de contar con varios de los comentarios más lúcidos e informados de la red, así como una base de datos crítica de algunos de los grandes directores del cine.

Ahora destaco un artículo sobre esa pequeña obra maestra del último cine norteamericano llamada Elephant.

Otro artículo que relaciona, en términos filosóficos, el concepto de "hospitalidad" en Dogville de Lars Von Trier.

Una entrevista a Lisandro Alonso, director de Los muertos, una de las mejores películas hechas en esta parte del continente.

Un análisis de Lancelot du Lac de Robert Bresson

Además una continuación de un artículo sobre los trailers de las películas de Alfred Hitchcock (quien también se suma a la base de datos crítica), un análisis sobre Douglas Sirk, un perfil analítico de Clouzot, Winterbottom y mucho... mucho más.

Azumi

2005-07-17T22:58:00.000-05:00

Azumi es un manga de Yu Koyama, dibujante de casi 60 años, con una larga y fructífera presencia en este género. Desde su aparición en 1997 se hizo de una gran legión de fanáticos, por lo que su transformación en una película de acción real era sólo cuestión de tiempo. La TOHO, el mítico estudio japonés, responsable de buena parte de lo más importante -cuando no de los más bizarro- del cine de su país, se hizo cargo de la adaptación.

El encargado de tal empresa fue Ryuhei Takamura, cuya Versus, un delirante filme de bajo presupuesto había llamado la atención de los fanáticos del cine de serie B y de ciertos cinéfilos con el criterio un poco liviano.

La película cuenta el nacimiento de Azumi como héroe. La historia se ubica en el Japón feudal, cuya tradición fílmica (desde Mizzoguchi a Kitano) lo pinta como un territorio inhóspito, donde los estamentos más altos y fuertes tienen un poder tiránico frente al pueblo, siendo las mujeres, niños y campesinos los más golpeados. Al inicio de la película vemos que la madre de Azumi ha muerto y ella está abandonada en un paraje desértico, donde un hombre acompañado de un grupo de niños, se la lleva. Este sujeto es un ronin, un antiguo samurai, que ahora tiene la misión de formar un grupo de asesinos que ayudarán a mantener el orden en el reino, atacando a cualquier señor feudal que quiera combatir al poder establecido.

Este grupo de jóvenes se cría en las montañas, donde aprenderán las más sofisticadas técnicas del combate con sable. Alcanzada cierta edad, el Maestro los obliga a matar a su compañero más cercano y partir en busca de la primera misión: asesinar a tres señores feudales que intentan poner en jaque al estado actual. La película ahondará entonces, en la lucha que tienen con dos de estos señores y su bizarro séquito.

Estamos pues, ante una historia canónica en su sentido más literal: ante la muerte de la figura materna aparece la figura paterna (y si queda duda hay una crucifixión de alguien a quien llaman Maestro) que enseñará las reglas de un mundo difícil. Es un lugar masculino, misógino y misántropo. Es la creación del mito de una mujer masculinizada, convertida en una especie de ser andrógino (para eso la capa), que blande el sable ante la maldad del mundo.

Pero todo está ambientado dentro de un universo excesivo y hasta kitsch. Los habitantes del Japón feudal forman parte de una suerte de imaginario delirante, parecen sacados de un filme de serie B de Hong Kong o un filme de Sam Raimi. Incluso la música es una versión en guitarra y sintetizador de un filme de aventuras. Se trata de una postura estética del director, legítima sí se quiere.

En general, es una película aplicada, concentrada en sus temas y en su estética. Pero a veces, eso no es suficiente. La película es cavernaria en su tratamiento del bien y del mal, manipuladora con los sentimientos, retrógrada en el tratamiento de las diferencias (sólo los buenos son bellos, el resto de malos son sexualmente ambiguos, animalescos, feos), superficial en temas como la muerte (hay muertes y sangre por doquier). Su dramaturgia es de fórmula cuando no se muerde la cola (por ejemplo, la reacción del maestro al arribo final de Azumi). Quizás la palabra que mejor resume y describe esta película es "infantil", como gran parte del arte que quiere alcanzar un público heterogéneo.

Se podría argumentar que esto es cine en estado bruto, es decir, un cine que usa la imagen para alcanzar el máximo movimiento posible, un cine de extensidad y no de intensidad. Puede ser que sea cierto. Pero en este caso, la palabra "bruto" adquiriría un significado muy amplio.

A Fond Kiss... (Ken Loach)

2005-07-15T00:13:00.000-05:00

El realismo sucio británico fue una suerte de tendencia del cine británico de los ochenta y comienzos de los noventas. Los críticos agruparon la obra de varios directores preocupados por la dinámica social de los barrios bajos del Reino Unido, que tan poco se parecía a la imagen de corrección, pulcritud e intelectualidad que el cine tiene de los ingleses. Entre los directores de esta tendencia realista se encontraban Stephen Frears (My Beautiful Launderette, Sammy & Rosie Get Laid), Mike Leigh (Naked, Life is Sweet) y, en especial, Ken Loach.

Como buena parte de los directores británicos, Loach comenzó en la televisión, logrando el éxito en 1969 con su película "Kes", que ya desde entonces mostraba el interés del director por un cine cercano al realismo socialista. Pero Loach no ha tenido una carrera fácil, al contrario, su ánimo por la denuncia, su total desinterés en el cine como espectáculo y diversión, le han valido poco reconocimiento general, aun cuando es uno de los directores más constantes e interesantes que se pueden encontrar en la actualidad.

A la luz de los atentados en Inglaterra, vale la pena revisar uno de sus más recientes películas: A Fond Kiss... Realizada en el 2004, la película cuenta la historia de amor entre un descendiente de pakistaníes (Atta Yakub) y una chica irlandesa (Eva Birthistle).

La historia comienza con una exposición escolar de Tahara (Sabana Bakhsh) la hermana menor de Cassim (Yakub) , frente a un letrero en el pizarrón que anuncia su apoyo a la guerra en el Oriente. Tahara critica la visión occidental del Islam y, en general, de la multiculturalidad, finalizando: "Soy una adolescente de Glasgow, de descendencia musulmana y paquistaní, quien apoya a los Glasgow Rangers en una escuela católica. Porque soy una deslumbrante mezcla y estoy orgullosa de serlo."

Lo que más o menos viene a sintetizar la postura del director. Inglaterra viene cambiando por la inmigración, y lo que resultará de este cambio tiene que adaptarse positivamente, aunque duela hacerlo.

Como una especie de Romeo & Julieta de Glasgow, Cassim y Roisin (Birthistle) ven su romance entorpecido por un mundo que no considera la posibilidad de tal unión. Cassim vive con sus padres; el papá es dueño de una bodega en la zona comercial, mientras que la madre asume el típico rol de una esposa tradicional de Pakistán (viste tradicionalmente, usa el inglés con muy poca frecuencia). Su hermana, una inteligente y sofisticada psicóloga, asume su legado pakistaní naturalmente y decide aceptar un arreglo matrimonial con un profesional descendiente de pakistaníes igual a ella. Cassim es un DJ que está a punto de abrir su nuevo negocio y espera casarse en otro matrimonio concertado con una chica que aún no conoce. Sólo Tahara, la hija menor parece estar fuera de la tradición familiar, pues quiere asumir el rol de la mujer occidental en una sociedad moderna.

Hasta que Cassim se enamora de Roisin, profesora de música en la escuela católica a la que asiste Tahara. Esta relación desencadenará el drama familiar, pues los arreglos se hacen como una manera de obtener prestigio social y como parte de la interrelación al interior de la comunidad. El posible rompimiento del matrimonio concertado de Cassim viene a ser una ruptura al interior del núcleo familiar y una vergüenza ante los demás. Loach se dedica buena parte de la cinta a mostrar la dinámica de la tradición familiar de los inmigrantes pakistaníes, que además tratan de relacionarse y prosperar con sus vecinos nativos, como es el caso de los trabajadores que ayudan al padre de Cassim a hacer una ampliación de su casa.

Asimismo, vemos el otro lado de la moneda. Roslin acaba de romper con su novio con el que vivía y ahora tiene un nuevo apartamento. Su relación con Cassim parece no alterar su vida demasiado. Van de paseo a España, donde otros europeos pasean en la tranquilidad de las playas españolas, sale con Cassim, etc. Sin embargo, cuando el colegio católico le niega un ascenso y la posible renovación de su contrato por mantener una relación fuera del matrimonio, comienza a sentir que el fundamentalismo no sólo se encuentra en las sociedades orientales.

Doble drama entonces para una pareja que no tenía idea la cantidad de problemas de las relaciones interraciales de hoy, considerando la posición a la que han sido puestos los ciudadanos de origen islámico. A lo que se suman las transformaciones al interior de las comunidades islámicas en occidente, que ven alteradas sus costumbres y modo de vida, a favor de nuevas maneras de relacionarse.

Como es de esperarse, considerando obras tan bien manejadas como "Riff Raff" o "Bread & Roses", A Fond Kiss nunca se desborda más allá de lo permitido. No hay concesiones innecesarias, ni guiños al espectador, aunque el tono del final no sea tan duro, y en general, el director no se aleja demasiado de las convenciones. Es menos duro que "Bread & Roses", otro filme que también exponía una relación sentimental a los conflictos interraciales y de clase.

Ken Loach es un director de mensaje. Su concepción del cine es básicamente la de un medio para exponer ideas y plantear los problemas sociales, no para entretener ni para plantear problemas del medio. Es más, creo que en sus mejores películas el medio funciona de un modo invisible, cuya retórica no afecta al mensaje. Y este sea quizás el problema fundamental de A Fond Kiss, quedarse demasiado en los límites genéricos del melodrama familiar y la historia de amor imposible por las relaciones sociales. Es un tema que se ha mediatizado demasiado, y pese al uso de algunos actores no profesionales, Loach no logra alcanzar la profundidad de análisis que ha logrado en otras cintas, ni plantear problemas más urgentes (como sí lo logran algunas películas de John Sayles, Laurent Cantet o los Dardenne, por ejemplo).

Aun así, la película pone en el tapete un puñado de temas interesantes. Tiene una gran fuerza emocional, unas interpretaciones por encima del sobresaliente. Si bien no es uno de los mejores filmes de Ken Loach, es un filme que tiene mucho que ofrecer, en especial ahora, que la inmigración es tratada con tanta ligereza y no se piensa en los aspectos más internos de ella.

OLDBOY

2005-07-13T14:37:00.000-05:00

Con la reciente y alarmante noticia de un posible remake de OLDBOY por parte de un "yes man" de Universal Pictures, me animo a escribir un par de palabras sobre esta película, antes que nos arruinen el recuerdo. Sólo espero que Park Chan-wook haya recibido una buena cantidad de dinero.

Chan-wook Park forma parte de una generación de directores que son considerados una "nueva ola", pero que en realidad forman parte de un interesante sistema cinematográfico. Tras la caída de la dictadura en 1992, el Estado koreano les exige a las distribuidoras y exhibidoras locales que tengan un porcentaje de producción nacional, de manera que, se limita la introducción de películas foráneas y se permite tener un mercado diversificado para el cine local, que no sólo se preocupe por recuperar costos, sino que pueda satisfacer las exigencias de diferentes audiencias, fanáticos del cine de terror, cine cómico, melodrama, cine de autor, etc.

Park es filósofo de profesión, se dedicó la crítica cinematográfica hasta que Joint Security Area, su tercer largometraje se convirtió en un éxito de público. OLDBOY forma parte de una suerte de trilogía que el director se ha planteado sobre el tema de la "venganza".

La historia es bastante intrincada. Oh Daesu (el extraordinario Choi Mik-sik) es un tipo medio irresponsable que de repente es secuestrado por 15 años en una habitación. Sus captores lo alimentan, mientras él va haciendo un diario de todas aquellas personas a las que les ha hecho daño. Finalmente, un buen día, deciden dejarlo libre. La pregunta entonces es ¿por qué?...

Detrás de todo esto hay un gran secreto, y contar más de la historia sería arruinar parte del encanto del filme. Y es que OLDBOY es una suerte de puzzle épico en el que todos los elementos al final forman una gran imagen, un conjunto complejo de elementos sentimentales.

La película tiene algo de Grand Guignol en su afán por llevar al extremo las relaciones de los personajes sus sentimientos, sus derrotas y sus anhelos. Pero también tiene de drama jacobino, de hecho, hay dos grandes movimientos en la narrativa del filme, una compuesta por la venganza de Oh Daesu, y la otra venganza ejecutada por el que podríamos llamar el "villano" de la película, compuesto por Ju Yi-tae (otro magnífico actor). Ambas venganzas parecen dispersas hasta cierto momento del filme donde aparecen las grandes revelaciones, alcanzando ribetes trágicos, dignos de cualquier obra de la Grecia clásica.

OLDBOY es una montaña rusa emocional, explora con intensidad visual, cada uno de los sentimientos de los personajes, mostrándonos una violencia que por ratos está plagada de un sentido del humor bastante ácido.

Visualmente, Park apela a una serie de registros que le permiten crear esa sensación de rompecabezas que tiene el filme. Pasa de la narración en off a la fantasía, del registro verista a los recuerdos, de la pesadilla al presente, etc. con una facilidad y naturalidad envidiables. De hecho, el director tiene un gran talento narrativo y dramático encomiable. La preocupación de Park por los detalles no sólo se queda en la narración, sino que inundan todos los elementos que se encuentran en el encuadre. Recordemos sino el uso de elementos como el papel tapiz de la habitación-presidio, que en su patrón rítmico nos trae a la cabeza la idea misma de rompecabezas que acapara el filme, o el uso del agua en el edificio del villano, que trae también a la mente una escena importante en el desarrollo de la trama.

La música es sensacional. Aunque nada destaca en particular, las versiones medio estandarizadas de uno de los movimientos del invierno vivaldiano se lucen magníficamente y son un contrapunto brillante para las imágenes que el filme desplega. En general, la banda sonora contribuye notoriamente con ese sabor épico que despide OLDBOY, con sus tonos melodramáticos, melancólicos, dignos de un filme de aventuras.

En suma, una película notable, atípica, que nos muestra un universo personalísimo, cargado de sentimientos, de pericia técnica, de ideas claras, como poco de lo que se ve en el cine actual.

Melinda & Melinda

2005-07-12T17:39:00.000-05:00

Woody Allen siempre me ha parecido un director algo sobrevalorado. Ciertamente alguien muy dedicado a su oficio, pero menos eficiente de lo que uno suele pensar. Pensémoslo bien. Está lejos de los afanes intelectuales de un Godard, lejos de las astucias formales de un Hou Hsiao Hsien o Gus Van Sant, lejos de la espiritualidad de un Aleksander Sokurov, de la idiosincracia particular de un Kaurismaki o un Almodóvar. De hecho, buena parte de su obra es bastante derivativa (¿manierista?). Sweet & Lowdown es un reflejo de La Strada, September lo es de Sonata Otoñal, Husbands and Wives lo es de Escenas de la vida conyugal, Stardust Memories a 8 y 1/2, las mujeres intelectuales de sus películas se parecen tanto a las de la saga de Antoine Doinel, etc. Las referencias en Allen están siempre presentes, en sus mejores momentos con una cuota de visión personal, y en sus peores momentos con una cuota de reduccionismo, como sucede con Interiors que es una versión mediocre de cualquier película de Bergman.

En los últimos años, nos encontramos con un Allen algo ajetreado. Tal como lo declara la lúcida reseña del World Socialist Website, el director neoyorquino no ha ido a la par de su país. El mundo intelectual de filiación judía y liberal ha desaparecido. El neo conservadurismo y el libre mercado (cuando no la inmigración) han transformado la gran manzana, pero para Allen nada parece haber cambiado desde Annie Hall. A esto sumémosle una industria que parece no tener un lugar para alguien como Allen, ajeno a los grandes presupuestos, a los géneros, aunque sí ha cedido a las grandes estrellas. De hecho, muchos de los últimos filmes de Allen no funcionan porque tienen un reparto cuestionable. Demi Moore, Leonardo Di Caprio, Julia Roberts, Amanda Peet, Natalie Portman, Robin Williams, etc. desentonan en las películas del director. Los mejores momentos de los filmes Allen, tan apegados al diálogo punzante, tanto en drama como en comedia, se deben a buenos actores como Judy Davis, Mia Farrow, Dianne Wiest, Diane Keaton, etc. y no al uso de estrellas replicando por enésima vez sus desgastados gestos.

Melinda & Melinda tiene un poco de esta herencia que el director viene arrastrando varios años ya. El comienzo es de lo más prometedor. Como en Flirt de Hal Hartley, se parte de un comienzo común que va a cambiar dependiendo de una circunstancia. En este caso, la historia de la mujer triste que irrumpe en la cena de una pareja es contado a partir de dos registros, la comedia y la tragedia (drama si se quiere).

Las historias parten de manera diferenciada, pero luego se entremezclan con toda naturalidad. Allen siempre ha sido un buen guionista, capaz de crear estructuras complicadas de manera fluída, con unos personajes bien delineados y uno que otro chispazo de genialidad. Pero, desafortunadamente el filme tiende a desinflarse porque no alcanza el vuelo necesario, que lo saque de la cómoda medianía en la que se ubica. Y es que las historias que encarna notablemente Radha Mitchell tienen varios de los recursos más usados por Allen y sus imitadores (Edward Burns entre ellos), la crisis matrimonial por un marido poco exitoso, la mujer profesional que se engancha con un tipo rico por cuestiones profesionales, etc. Incluso, la historia que componen Will Ferrel y Amanda Peet es prácticamente la misma que tiene Allen en Crimes & Misdemeanors, salvo el final. Si los dos directores teatrales que abren el filme realmente existieran, diríamos que son bastante mediocres.

El reparto es algo irregular. Rhada Mitchell está estupenda. Chlöe Sevigny y Brooke Smith están estupendas también en sus roles como amigas doble estándard de Melinda, e incluso, me atrevería a decir, van mejor que la misma Mitchell. En el reparto masculino Johnny Lee Miller cumple en su rol de marido fracasado, mientras que la mirada oligofrénica de Ferrel no desentona. Amanda Peet está fuera de caja en este papel. Es tan inexpresiva que su supuesto rol cómico no le da ni para un sit com de segunda. Papelón el que hace Vinessa Shaw como Stacey, pese a tratarse de un papel pequeño la actriz se encarga de arruinarlo.

Quizás pueda leerse esta película como un filme despedida, ante el hecho que Allen se ha ido a filmar a Inglaterra. Estos son los últimos vestigios de una New York que ya se fue. Aunque con los últimos lamentables hechos en Londres, queda la pregunta si es el mundo que conoció Allen es el que ya desapareció.

9 Songs (Michael Winterbottom)

2005-07-11T15:17:00.000-05:00

Michael Winterbottom es uno de los directores más prolíficos de la actualidad, quizás comparable a Takashi Miike o Johnnie To en su actividad fílmica, aunque todavía más ecléctico. El director ha hecho filmes futuristas (Code 46), filmes de época (Jude), sobre la guerra en Europa (Welcome to Sarajevo), sobre la inmigración árabe a Europa (In this World), sobre la movida musical de Manchester (24 Hour Party People), etc. Ciertamente, no todo está al mismo nivel, pero sí hay una voluntad por realizar un trabajo serio, y en sus mejores momentos, como en 24 Hour Party People, Winterbottom puede llegar a ser un director notable.

Por eso, la aparente "polémica" que ha despertado 9 Songs no es fruto de ningún tipo de oportunismo, como sí lo es de la vocación artística de alguien que quiere probar una y otra vez los límites del cine.

La película es cualquier cosa menos un filme pornográfico y hay que ser bastante torpe para afirmarlo. Lo que quiere el director británico es hacer una obra con escenas sexualmente explícitas, como las tienen "El imperio de los sentidos" (Nagisha Oshima) o los filmes de la sosa Catherine Breillat (la única persona a la que se le ocurre usar "coño" y "existencialismo" en una sola frase). ¿Con qué propósito? Pues, muy simple, con la finalidad de desenmascarar la postura que la cultura occidental le da al sexo, relegando su representación al lado de lo ambigüamente "prohibido", de lo "perverso", de lo irrepresentable seriamente, de lo abyecto como lo es la industria pornográfica (de la que tanto reniegan, pero que no se ha convertido en una industria precisamente por voluntad divina). En fin. El filme de Winterbottom no es un filme pornográfico porque no comparte la estética del género; aquí no hay fantasías a cumplir, no hay la mínima intención de "sobre" erotizar los cuerpos (de hecho, la mujer es poco atractiva), no hay la intención de satisfacer sexualmente al espectador, aun cuando -como es lógico- pueda despertar cierto sentido erótico en la audiencia, de la misma manera que una escena de llanto puede despertar la compasión o una escena cómica, la risa.

9 Songs cuenta la historia de Matt (Kieran O'Brien), un tipo británico, de alrededor de 30 años, y que está en amores con Lisa (Margo Stilley), una joven norteamericana de 21 años, que pasa sus vacaciones en UK. Ambos comparten su afición por asistir a conciertos de música rock. De hecho, la película se concentra en cuatro grandes áreas: el continente antártico, desde donde Matt recuerda la relación; las salas de concierto; la habitación de Matt y el resto de la casa donde comen, se bañan, conversan ligeramente o se drogan.

Por un lado, la película tiene mucho de performance: las actuaciones están grabadas en vivo con el público que regularmente asiste a estos conviertos y los actores realizan el sexo de modo no simulado. Así, tenemos una primera reflexión sobre la puesta en escena de los sentimientos (en el show de rock y en los diversos actos sexuales) en un mundo donde la gratificación parece el propósito, y donde la estética forma una parte importante.

Y es que la historia de amor de ambos es bastante anodina. Se basa fundamentalmente en una serie de relaciones sexuales y salidas a conciertos que no parecen llevar a nada. No se conocen profundamente y no tienen la intención de hacerlo. Es una relación literalmente epidérmica, basada en los principios de la piel, y de lo que la sociedad actual establece como diversión (las comidas, las drogas, la música pop).

Muchas de las críticas para el filme, vienen de ese lado; que no conocemos mucho de los personajes, que la historia de amor no es atractiva, que no existe la posibilidad de una identificación entre público y personajes. Todo eso es cierto. Pero, creo que a estas alturas del cine, el modelo narrativo que busca la catarsis, la exploración psicológica, etc., no es el único camino. Todo lo contrario, queda la duda si ese modelo todavía es vigente, si todavía es posible realizar una narración a lo Howard Hawks o a lo Ingmar Bergman, sin la necesidad de referirse a ellos, con la pureza de una primera vez.

Si hay algo molesto en el filme de Winterbottom es que la relación entre Matt y Lisa se parece a tantas otras relaciones expuestas en el cine. Comienzan con el sexo de manera regular y luego caen en prácticas reminiscentes al sadomasoquismo. ¿Es esa la fantasía heterosexual más añorada? A mí, me suena a cliché.

En todo caso, las escenas sexuales están fuera de toda discusión. Forman parte del filme, como los chistes en una película de Woody Allen, es decir, son parte del recurso narrativo, la manera en que el director crea una atmósfera, nos ofrece la sensación que experimentan los personajes. Ahora bien, si son de "buen gusto" o no, depende del espectador. En lo personal, las escenas se me hicieron bastante naturales (salvo mis reservas puestas arriba), y no me parecen incómodas para nadie, bueno, casi nadie.

El filme fue grabado en HD, lo que no se nota a primera vista, porque el transfer está hecho sobre una proyección digital. Los resultados son más que positivos. La cinta tiene un look graneado muy bueno, los conciertos (Von Bondies, Black Rebel Motorcycle Club, Elbow, Primal Scream, Dandy Warhols, etc.) lucen maravillosamente bien, las escenas de interiores pueden obtener todo el contraste de sombras y luces que necesita, etc.

En suma, quizás no sea la mejor cinta de Winterbottom (si es posible determinar eso), pero vaya que tiene punch, que demuestra las intenciones serias de alguien que no quiere ir ganándose premios por todos lados, pero que sí quiere hacer algo por el cine, sacarlo del estupor al que las transnacionales lo han arrinconado.

Ordet (La palabra)

2005-07-10T23:29:00.000-05:00

Kaj Harald Leininger Munk era un pastor danés que además escribía obras de teatro en las que obviamente se hacía palpable su fe religiosa. Sus más grande influencia, además de la fe cristiana, fue la literatura escandinava de Adam Oehlenschläger. Ambas le llevaron a escribir una amplia obra teatral donde se cuenta los desafíos del hombre hacia la ley divina. En cierta manera, Munk apreciaba mucho ese intento, lo que lo llevó a admirar la valentía de algunos personajes poco recomendables como Mussollini, Hitler y Napoleon. Aunque ciertamente, fue asesinado por los nazis durante la ocupación en Dinamarca por su férrea oposición al Führer. Su obra teatral "Ordet" responde a esta vocación por dar testimonio de la dinámica entre la acción humana y la acción divina.

Gustaf Molander, uno de los directores escandinavos más sólidos, ya había llevado esta obra al cine varios años antes, aunque sin el impacto que logró la versión de su compatriota Carl Th. Dreyer.

El punto de partida de Ordet es la casa de la familia Borgen. En ella viven el patriarca Morten (Henrik Malberg), representante de la cristiandad liberal y próspera, quizás un poco arrogante; su hijo Mikel (Emil Haas Christenssen), quien es agnóstico, pero vive con su preciosa mujer, Inger (Birgitte Fiederspel), el verdadero centro espiritual de toda la cinta; su hijo menor Anders (Cay Christianssen); así como Johannes (Preben Lerdorff Rye), quien aparentemente ha enloquecido y ahora cree ser el mismo Jesucristo. Los problemas parecen comenzar cuando Anders quiere casarse con Anna, la joven hija del sastre del pueblo, quien además es líder de un grupo de cristianos puritanos.

Como se puede esperar los puritanos rechazan a Anders si este no acepta la conversión. Es entonces que Inger convence a Morten que enfrente al sastre y trate de hacerlo cambiar de opinión. Súbitamente Inger enferma por problemas en su embarazo. Al oir esto el sastre le dice a Morten que si no se arrepiente y se acoge a la ley de Dios, Inger no se recuperará.

Partiendo desde ahí, Dreyer nos enfernta a varias posturas sobre la religión: la postura laica, más interesada en los problemas terrenales que en la vida espiritual (Morten), el ateísmo cientifista (expuesta a través del médico que atiende a Inger), la religiosidad institucionalizada (el pastor que llega al pueblo), el agnosticismo (Mikel), el fundamentalismo (el sastre), la santidad optimista (Inger), pero sobre todo la religiosidad que sale de los parámetros de lo racional (la de la niña, la del milagro producido por el loco). Y es que lo que Ordet busca es contarnos lo maravilloso (y uso esta palabra en toda su extensión) de la experiencia religiosa, aquella que sale de los límites de lo que la cultura asume como natural y no la que proviene de la tradición o de la elaboración mental.

En cuanto al estilo visual, Dreyer mantiene un cierto sentido pictórico; sus exteriores son breves pero llenos de lirismo, sus interiores son más bien sombríos, donde la confluencia entre luces y sombra son la constante. Pienso en una suerte de unión entre Munch y algunas pinturas religiosas del barroco. Y es que el filme constantemente remite a la construcción de la imagen a partir de poses, controlando el movimiento al interior del encuadre, creando una realidad más bien artificial, aunque paradójicamente es el lugar desde que parte el autor para contar la verdad.

Ordet es simplemente un filme fundamental del canon. Es una de las grandes obras de la humanidad. Un filme admirable, una experiencia cinematográfica inigualable. No me canso de pensar en él, aun cuando me sea difícil seguir escribiendo más cosas... Pienso si ese sería el efecto que quería lograr Dreyer al filmarlo...

Despedidas

2005-07-07T23:50:00.000-05:00

Nada más triste que decir adiós... Aunque viendo las noticias de hoy, uno ya no sabe si es para mejor...

Ernest Lehmann (1915 - 2005)

Alberto Lattuada (1914 - 2005)

Destry Rides Again

2005-07-03T02:39:00.000-05:00

Como toda producción hollywoodiense de la época, Destry Rides Again bebe de innumerables fuentes. Hay una película con el mismo título que data de 1932 (dirigida por Benjamin Stoloff) y pertenece a la época en que el western era un género populachero en el que rara vez se fijaban las estrellas o los estudios importantes como Universal Pictures. De este filme, toma la premisa del personaje que lucha sin armas. Al mismo tiempo, se basa libremente en una novela escrita por Max Brand (uno de los cinco seudónimos usados por Frederick Schiller Faust), un escritor de novelas del oeste, y famoso por brindar los personajes para un serial sobre un médico llamado Dr. Kildare y su mentor Dr. Gillespie, interpretados por Lew Ayres y el gran Lionel Barrymore.

Poco queda de la novela escrita por Brand, pues Felix Jackson, uno de los guionistas del filme, realizó una adaptación que sirvió de punto de partida para la escritura final del guión, en el que además intervinieron Gertrude Purcell y Henry Myers.

La película cayó en manos de George Marshall, uno de los directores más populares de la época, pero que ha sido bastante postergado en los últimos años, en favor de los autores favoritos de la crítica francesa: John Ford, Howard Hawks, Raoul Walsh, William Wellman, etc. El género favorito del director había sido la comedia, por lo que trabajó con Laurel & Hardy, W. C. Fields, entre otros. En Destry Rides Again se siente esa fuerte influencia de la comedia, pues el filme mantiene un tono humorístico generalizado, tendiendo más bien al alboroto y la caracterización cómica de los personajes.

El filme se sitúa en Bottleneck (literalmente cuello de botella), un pueblo del lejano oeste, dominado por una serie de bribones comandados por Kent (Brian Donlevy), estafador y jefe de los delincuentes; el alcalde (Samuel S. Hinds) y Frenchy (Marlene Dietrich), cabaretera y cómplice en algunas fechorías de Kent. Tras asesinar al sheriff luego de una de sus estafas, el alcalde y Kent nombran en el cargo a Washington Dimsdale (Charles Winninger), el borrachín de pueblo. Pero, Wash les tiene una sorpresa. Hace varios años atrás había sido alguacil de Tom Destry, una leyenda en el oeste americano. Ahora que tiene el cargo de sheriff, Wash decide llamar a Tom Destry Jr. (James Stewart), quien deberá traer orden al pueblo siguiendo los preceptos de héroe de acción de su padre.

Pero Destry Jr. es todo, menos un hombre violento. Al contrario, está convencido que la única manera de enderezar el pueblo es a través del cumplimiento de los propios mecanismos que la ley ofrece, y no tomar la ley por sus propias manos. Y la mejor manera de hacer entender eso a los ciudadanos no es precisamente el uso de las armas, sino la comprensión e interiorización de las reglas.

Aquí es donde surge uno de los temas recurrentes del género: el enfrentamiento entre el mundo violento del oeste donde vale la ley del más fuerte/astuto/rico y no la ley como orden legitimado. Temas que vemos en películas tan distintas como The Ox Bow Incident (William Wellman), pero sobre todo en The Man who Shot Liberty Vallance de John Ford. En este caso, tenemos una exposición más bien canónica por lo que el guión despliega los temas de manera más o menos obvia, como para que no quede duda de lo que se está queriendo decir. Todo en perfecta consonancia con la ideología del cine americano, de transmitir los valores democráticos al público de una manera amena y demostrativa.

Para esto se sirven no sólo del guión, sino de la presencia de James Stewart, estrella de la época que representaba al americano promedio, bonachón, pacífico, pero de una agudeza que a primera vista no parece tan clara. Las actuaciones tienden a estar en el registro de la comedia, actores como Una Merkel y Charles Winninger tienen roles más bien cómicos, aunque el Walsh de Winninger es un prototipo que luego veremos en algunos filmes de John Ford. Por su parte, la Dietrich en su primer rol como ciudadana americana, hace un rol apartado del glamour melodramático que había sido su marca en los filmes de Von Sternberg.

Destry mantiene el estilo del cine norteamericano de los años 30. Su planificación de secuencias es bastante funcional, busca la claridad escénica, aunque hay ciertos rasgos vodevilescos, tanto por las canciones de la Dietrich, como la flexibilidad y desorden de los elementos del encuadre (compárese la lucha final en la cantina frente a cualquier pelea de una cinta de Ford). Asimismo, el filme tiende a no dividir los géneros radicalmente, colocando canciones, luchas, drama, elementos criminales, etc., sin la necesidad de apelar a las convenciones de un género específico.

En suma, Destry Rides Again es una película espléndida. A través de los años, ha logrado hacerse de una importante legión de admiradores que la han convertido en una piedra angular en la construcción del western como género de importancia para la conformación del arte cinematográfico.

Saraband

2005-07-01T14:52:00.000-05:00

Todo el mundo sabe, o debería saber, quién es Ingmar Bergman: uno de los pilares de la modernidad cinematográfica, entendida como la aceptación de las posibilidades artísticas del cine, la aceptación de la existencia de un autor cuya obra explora las inquietudes creativas más íntimas, la exploración del cine como un lenguaje y, sobre todo, la aceptación de la "artificialidad" del cine en su papel de reproductor de la realidad. La presencia del director sueco en el cine es larga. Ha realizado más de 60 películas en casi 40 años de trayectoria, varias de las cuales son las mejores representantes del arte cinematográfico y se han convertido en influencia directa para otros tantos realizadores modernos y contemporáneos.

Saraband es su última obra audiovisual. Fue realizada para la TV sueca en video digital y cuenta el reencuentro de dos personajes suyos que aparecieron en "Escenas de la vida conyugal" (1972), uno de los mejores filmes del director, que retrataba la relación de una pareja a través de los años. En esta primera película, Marian (Liv Ullman) y Johann (Erland Josephson) se enamoraban, se enfrentaban, se eran infieles, se agredían hasta límites inaguantables. En fin, era una de las experiencias más extremas y al mismo tiempo más duras sentimentalmente del director. Varios años luego, encontramos a Marianne, pensando realizar una visita a Johann, quien viudo de su segunda esposa vive solo en el campo.

Johann y Marianne tuvieron dos hijas; una se encuentra recluída en un hospital psiquiátrico y la otra vive en Australia y ha decidido no tener hijos. Por su parte, Johann tuvo un hijo de su segundo matrimonio, un músico y profesor universitario llamado Henrik (Björje Ahlstedt), también viudo, y que vive con una hija de nombre Karin (Julia Dufvenius), quien a su vez tiene la ambición de estudiar música, pues tiene cierto talento en el cello.

Contra todo pronóstico, la película no se sirve totalmente de la relación entre Johann y Marian para establecer la trama, sino que ésta sirve de punto de partida para conocer la dura relación entre Johann, Henrik y Karin. Y es precisamente esta suerte de triángulo filial, uno de los más desoladores que haya planteado Bergman jamás, la que se convierte en uno de los aspectos más interesantes de la cinta. Johann odia profundamente a Henrik, quien se ha convertido en un padre absorbente, sobre protector, desconfiado, incapaz de controlar sus propias emociones, mientras que Julia se encuentra atrapada en medio, en una edad en la que está a punto de tomar su decisión más importante. Pero esta historia, sirve a su vez como reflejo para solucionar uno de los dilemas que Marianne había enunciado al inicio del drama, pero que no asumía como un problema, sino como una circunstancia, es decir, la lejanía física, pero sobre todo espiritual con sus hijas.

La película está contada a partir de 10 escenas, en las que se incluyen monólogos interiores, pequeños flashbacks y la acción directa. Se dice constantemente que la película se remite a la "danza erótica" [sic] de la sarabanda, una danza de salón, famosa en el barroco. Si bien el dato es cierto respecto al origen de una danza llamada sarabanda, el origen del nombre de la película de Bergman se relaciona con uno de los movimientos de la seis suites para cello solo de Johann Sebastian Bach. Esta serie de piezas toma a su vez el modelo de la suite de danzas, es decir, un modelo de composición musical basado en seis formas de danzas distintas, pero que no implicaba necesariamente la ejecución de baile alguno, sino que servía para hacerse de pautas rítmicas en la composición. Así que cualquier relación entre una danza de parejas y el hecho que buena parte del metraje de la cinta tenga conversaciones entre dos personajes me parece errada y hasta cierto punto producto del desconocimiento generalizado que hay para con la música del barroco.

Nuevamente, como en buena parte de su obra, estamos ante una trama que se mueve fundamentalmente a partir de conversaciones en las que se nos permite ver los sentimientos de los personajes en su estado más puro. Así, la red de relaciones de Saraband está marcada por la constante sensación de odio, resentimiento y mezquindad que el personaje de Josephson distribuye entre todas las personas que se encuentran a su alrededor. Aunque quien más afectado se encuentra por eso es Henrik; recordemos sino, una de las conversaciones más duras de la película (quizás comparable en intensidad a la que sostienen Ingrid Thulin y Gunnar Björnstradt en Luz de invierno) en la que el pobre Henrik es humillado de una de las maneras más duras y al mismo tiempo realistas que se hayan visto jamás en el cine. El músico ha quedado reducido por el odio del padre y su incapacidad para superarlo en una especie de pusilánime, que trata de remediar esa relación creando una relación cuasi obsesiva con su hija.

Para esto, los actores de las películas de Bergman siempre han tenido un lugar más que especial. Basta sino recordar a Max Von Sydow, Gunnel Lindblom, Harriet Anderson, Gunnar Björnstradt, Ingrid Thulin, Bibi Andersen, entre tantos otros, que han compuesto maravillosamente varios de los personajes más complejos del cine. En este caso, tenemos a Liv Ullman, uno de los grandes prototipos del director sueco, y que compone a una mujer serena, mucho más cálida y reflexiva que la mujer egoísta que conocimos en Escenas de la vida conyugal. Al contrario, hay toda una evolución en la manera de ver la vida en el personaje de la Ullman, más comprensiva con los demás, menos interesada en satisfacer sus impulsos que en asumir las limitaciones en su vida. Por su lado, el Johann que compone extraordinariamente Erland Josephson, ha creado una suerte de coraza de odio y soledad para protegerse de cualquier posible cargo de conciencia, es un personaje absolutamente negativo, pero que está interpretado con mucha humanidad. Björje Ahlstedt, que interpreta a Henrik, había participado ya en un par de filmes anteriores de Bergman, pero aquí se encuentra formidable, en un papel que a todas luces se ve complicado por la serie de sentimientos que necesita desplegar para hacerse creíble, pues Henrik (como vemos en la escena en la capilla) pasa rápidamente de la serenidad y la bonhomía a la insolencia y al odio más destemplado. Julia Dufevnis, por su lado, está también muy bien como esta joven mujer atrapada en el absorbente amor de su padre.

Divergence

2005-06-30T12:40:00.000-05:00

Benny Chan Muk-Sing es uno de los más nobles artesanos del cine hecho en Hong Kong. Películas como "A Moment in Romance" (producida por Johnnie To) y "Gen X Cops" han hecho de él un director sólido, cuyas películas dedicadas al gran público tienen la inteligencia y complejidad que muchos otros pretenden infructuosamente. Dicho esto, tengamos en claro que se trata de un director evidentemente convencional, que no intenta crear nuevos caminos para el cine ni mucho menos. Lo suyo es hacer películas que funcionen, tanto comercialmente como artísticamente. Por ello, buena parte de su éxito comercial se debe al trabajo con Jackie Chan, la estrella del cine de acción más popular de cara a Occidente.

El punto de partida de Divergence es el traslado de un un obeso contador desde Canadá a Hong Kong. El policía encargado de tal asunto es Suen (Aaron Kwok), un policía que tenía un programa en un medio masivo, y que ahora vive atormentado por la desaparición de su novia Fong (Angelica Lee). En medio del traslado es asesinado por un sniper profesional, Coke (Daniel Wu), que aparentemente ha sido contratado por el empresario investigado por la policía (Gallen Lo) y su abogado, el señor To, (Ekin Cheng). Pero el argumento no se queda ahí, sino que se ramifica aún más, con la relación entre Suen y Coke, pues durante la primera misión del entonces novel delincuente, se ve forzado a matar a una mujer que se cruza casi sin querer por la calle y que bien podría ser la desaparecida novia de Suen. Éste por su parte, no sólo carga el duro peso de la desaparición de Fong, sino también tiene que seguir el caso del asesinato del contador, y descubre a la esposa del abogado quien sorpresivamente se parece demasiado a Fong.

El empresario interpretado por Gallen Lo tiene, por su parte, otra subtrama. Su superior inmediato en la jerarquía de la mafia lo presiona para que cumpla sus funciones en la mafia, para lo que secuestra a su hijo, un popular cantante de pop. Coke también tiene otra línea dramática, la relación que mantiene con Ting (Nin Jing), una hermosa calva que no sólo es su amante, sino que le ayuda a establecer sus contratos como asesino a sueldo.

Precisamente, esta abundancia de sub tramas en una película que llega a poco más de los 100 minutos sea en buena medida lo que hace que Divergence no sea todo lo efectiva que podría haber sido. La historia de Suen es probablemente la mejor del cuadro, no sólo porque Aaron Kwok hace un más que convincente policía, sino porque además se trata de un estudio de personaje más que interesante y atípico. Por un lado, la cinta cuenta todo el proceso del dolor de una desaparición, Kwok se pasea en medio de la cinta como un fantasma cargado de patetismo y que sólo puede ser librado una vez que haga las paces con la muerte que tanto parece estar cerca de él. Por otro lado, la resolución física del filme no está en él, como se supone es parte de las reglas genéricas de un thriller policial, sino que sucede con la lucha entre los gángsters.

La historia de Coke es la segunda en interés, y valgan verdades es un poco confusa, por la ubicuidad del personaje (asesino del abogado, posible secuestrador, etc.), aunque también es cierto que Daniel Wu está bastante bien. Además, es la sección de la película que trabaja mejor la imagen, teniendo sumo cuidado en la construcción del encuadre, logrando el mayor impacto visual de la cinta, aunque no el dramático. Ning Jing como la amante está también bastante sólida.

La historia más débil es la del abogado To, debido a que todo resulta tremendamente esquemático. Desde la interpretación superficial de Cheng, en un rol que necesitaba de un actor de presencia (un Andy Lau, por ejemplo), hasta en cómo se resuelve la escena final. Y que se convierte también en uno de los puntos más flacos del filme, sobre todo en lo que a intriga criminal se refiere, pues la explicación final deja muchos cabos sueltos.

Aun así, estamos ante una cinta apreciable, que trae muy buenos momentos de intriga, buenas dosis de acción y un cast apreciable; además de haber sido realizado con inteligencia, privilegiando los sentimientos antes que la posible reacción de un público que cierta industria occidental tiende a subestimar.

Film meme

2005-06-29T16:49:00.000-05:00

1. Cantidad de DVD y videos que tengo...

Alrededor de 200 DVDs y cerca de 10 películas en VHS.

2. El último filme que compré

Hice una compra múltiple: All that Jazz (Bob Fossee), "El Topo" (Alejandro Jodorowsky), "Destry Rides Again", "Divergence" (Benny Chan), "Antomy of a Murder" (Otto Premminger) y "Fury" de Brian de Palma.

3. El último filme que vi

Anoche vi "Laura" de Otto Preminger.

4. Cinco películas que veo mucho y/o que significan mucho para mí (sin orden en particular).

Voy a escogerlos por puras razones sentimentales, más allá de que se traten de películas notables.

* Chungkin Express de Wong Kar Wai. Si hay alguien que conoce el amor, ese es Wong Kar Wai.

* Through a Glass Darkly de Ingmar Bergman. Este es mi modelo de cinta intimista, de diálogos brillantemente escritos, de relaciones entre personajes, de actuaciones excepcionales. Las palabras finales de Minus, no podían ser mejores: "Papá me ha hablado."

* Stromboli de Roberto Rossellini. Otro de mis grandes modelos. La trascendencia espiritual como parte de la búsqueda emocional. Nuevamente un gran final.

* A través del bosque de olivos de Abbas Kiarostami. Formalismo al máximo con un puñado de recursos. Las palabras son pocas para tamaña maravilla.

* Muerte en Venecia. ¿Qué se puede decir de un músico atrapado entre su pasión formalista y un mundo dionisíaco que le es esquivo, y que acaba de morir?

5. ¿Qué personaje de una película te gustaría ser?

Me gustaría ser un personaje secundario de Muerte en Venecia... Sentado en una playa, junto a la gente que quiero, disfrutando de un día tranquilo, sin complicaciones...

Lo nuevo de Park Chan-wook

2005-06-29T15:29:00.000-05:00

"Sympathy for Lady Vengeance"

La última película del director koreano Park Chan-wook, famoso por la gran OldBoy, se estrenará en pocos días en Seúl.

La película cuenta la historia de Geum-ja, una angelical joven de 20 años, condenada a 13 años de prisión por asesinato. Ella se gana el cariño de los demás presos que le ayudarán a hacer realidad un viejo deseo de venganza.

Actúan Lee Young-hae y Choi Min-shik (OldBoy)´

Poster oficial

Lee Young-hae y Park Chan-wook en pleno rodaje

Dos momentos de la película con Lee Yooung-hae

Choi Min-shik: uno de los grandes actores koreanos

Las damas del bosque de Boulogne

2005-06-28T12:04:00.000-05:00

Con sólo 13 filmes en toda su carrera, Robert Bresson se ha convertido en uno de los directores más importantes del cine europeo. Su estilo austero, basado en la ausencia de grandes movimientos de cámara, la parquedad de los actores, el uso controlado del sonido, etc.; así como su tendencia al minimalismo (creación a partir de estructuras recurrentes como en Lancelot del lago), ha servido de inspiración a más de un director.

Nacido a principios del siglo XX (1901), Bresson intentó convertirse en pintor para luego volcarse completamente al cine. Su famoso "estilo trascendental" (como lo llamó Paul Schrader) no apareció inmediatamente, sino que fue parte de una búsqueda emocional y artística, en la que el autor pudo volcar no sólo sus ideas sobre lo que debería ser el cine, sino también su jansenismo (presente en el argumento de varias de sus películas), sus ideas sobre la composición visual y su experiencia personal como prisionero de guerra.

"Las damas..." es su segundo largometraje, tras "Les Affaires publique", una comedia cuyas copias han desaparecido. La historia está basada en un cuento del escritor de la Ilustración francesa Denis Diderot, y fue co-escrita por el mismo Bresson y el gran Jean Cocteau. Precisamente, el resultado final tiene un poco de ambos. Por un lado, están el manejo elegante del encuadre, una que otra referencia pictórica, la contención de las emociones, pese a tratarse de un melodrama; mientras que la influencia de Cocteau se puede encontrar en unos diálogos singulares, a veces perspicaces, otras tanto contradictorias, etc., así como en la presencia de Maria Casares, la estupenda actriz que años más tarde reencontraremos junto a Cocteau en "Orfeo" y en "El testamento de Orfeo."

La historia es muy típica del estilo de Diderot, y tal como Jacques le fataliste, se trata de una historia de amantes engañados. Hélène (Maria Casares), es una mujer de alta sociedad que acaba de terminar una relación aburrida con su novio Jean (Paul Bernard), sólo para darse cuenta que su orgullo ha sido herido, por lo que decide armar una trampa para su ex pareja. Así, busca a unas antiguas amigas suyas, una madre (Lucienne Bogaert) y su hija (Elina Labourdette) que lo han perdido todo y que ahora viven del trabajo de "copetinera" de la hija. Las saca de ese ambiente y se las presenta a Jean, consciente que él se sentirá atraído hacia la chica. Una vez comprometido con la joven, Jean se convertirá en el hazmerreír de la sociedad francesa.

La cinta está contada en un tono más bien elegante, con ciertos toques de melodrama, pero sin caer en excesos, aunque ciertamente, hay un intento por hacer algo sofisticado, lo que podemos notar en elementos de la puesta en escena como los trajes de las actrices, el comportamiento, las deliciosas escenas de baile, etc. Ni qué decir de las performances de los actores, que están a medio camino entre la contención absoluta de los filmes posteriores de Bresson y la típica actitud del actor de la época.

Asimismo, el director se las ingenia para realizar varias tomas que se acercan al tableau vivant, pero sin el efecto kitsch. Al contrario, sus tomas más rígidas tienden a contribuir con el dramatismo de la pieza. La narrativa del filme es también trabajada a partir de la contención, la eliminación de cualquier proceso de identificación entre público y actores. Eso puede decir mucho de por qué del fracaso comercial y crítico en la Francia de la época, y por qué esta cinta suele considerarse como una obra menor dentro de la filmografía de Bresson.

Pero, no nos engañemos. Esta película es realmente magnífica. Una pequeña pieza de precisión narrativa, de preparación para una de las escenas finales más brillantes del cine, donde se muestra una de las escenas más puras y transparentes que haya visto jamás. Son esos descubrimientos que el mismo director trabajará con todavía mayor intensidad en los siguientes años.

Lección de Abbas Kiarostami

2005-06-19T12:10:00.000-05:00

Cuatro reglas de oro

¿Quieres conocer los secretos del ganador de la Palma de Oro en Cannes? Paul Cronin los sabe, ya que se inscribió en un taller conducido por el legendario director iraní Abbas Kiarostami, y aprendió a hacer un filme.

Traducido de The Guardian UK (17/05/2005)

Con películas como "El sabor de la cereza", "El viento nos llevará" y "Ten", su cinta digital realizada íntegramente en un auto, el director iraní Abbas Kiarostami se ha convertido un favorito de la crítica en los últimos años, aunque ha estado produciendo una serie de obras magníficas desde comienzos de la década del setenta. Suerte, la mía, de haber sido escogido como uno de los 20 estudiantes en un taller de ocho días sobre cine digital, organizado por el London Film School, y conducido por uno de los directores más grandes en ese campo. Aquí cuatro ideas centrales que Kiarostami nos ha dado ha considerar a lo largo de nuestra semana al interior del London's French Institute.

Aprendiendo, no enseñando

Lunes, 9:00 am, Abbas Kiarostami va al grano: "No tengo nada que enseñarles. No quiero darles ningún consejo. Solamente voy a compartir información con ustedes, y estoy seguro que aprenderé tanto como ustedes. Lo que vamos a discutir aquí y lo que voy a decir no es ni malo ni bueno, ni equivocado ni cierto. Es como ir a un psiquiatra: solo estamos conversando. Saquen sus propias conclusiones, formen su propia opinión. Mis opiniones son solamente mi trabajo. De hecho, tengo que admitir que no me gusta mucho enseñar."

A pesar de esto, AK hace una fascinante exposición sobre sus propios métodos de grabación digital, usando clips de sus películas, y deteniéndose sólo para inspirarnos los cortos que tendremos que hacer en los siguientes días.

Aún antes de que se acabe el día, tengo la sensación de que AK está ansioso de nuestro potencial como grupo. Él, como nosotros, sabe que la única manera de aprender algo esta semana es hacer y no sólo sentarse a escuchar. Una esquina del salón está llena de cámaras de video, mientras que abajo cuatro islas de edición están listas para esperar los frutos de nuestra labor.

Dos estudiantes tienen una idea para un filme que exponen ante el grupo. AK escucha detenidamente, hace preguntas, y sugiere que están listos para rodar. No hay tiempo que perder. "Mañana por la mañana", dice, "tomen una cámara y a rodar. Recuerden que no espero un gran trabajo de su parte. Prefiero tener un buen filme de 30 segundos que sea sincero y con significado, en ligar de tener una pieza más larga y vistoza que no dice mucho sobre nosotros. Incluso podría ser más acerca de compartir ciertas experiencias que hacer una historia completa. Solamente, salgan y hagan algo que incentive a los demás."

Poner sus propios límites

"En otros talleres que he conducido", dice Kiarostami, "nos pusimos ciertas limitaciones. Recuerdo una clase de creatividad en la Escuela: cuando no tenemos limitaciones a nuestro trabajo, no somos capaces de producir algo. Pero una vez que se ha puesto una restricción, todos podemos escribir algo."

¿Qué restricciones vamos a tener? "Siempre he pensado que un elevador tiene el potencial de ser una buena locación para una historia. ¿Por qué? Dentro de este lugar cerrado hay un espacio limitado. Las películas hechas en un ascensor deben tener un tiempo limitado. Hacen ruido, tienen luces vibratorias, algunos nos hablan. La gente sale o entra, quizás en el piso equivocado, lo que es una buena manera de introducir a nuestros personajes. El ascensor es inevitablemente algo que encontramos en el camino a otras cosas, lugares y gente. Incluso podemos hacer un filme de acción introduciendo un asesino en el quinto piso. Además, viajes en un ascensor requiere una cierta etiqueta, lo que nos puede servir como un mecanismo narrativo. Simplemente, pienso que un ascensor puede ser el escenario para una serie de dramas pequeños. Es una caja mágica para las historias y puede ser un potencial tema. Todos deben traer una historia para componer un filme colectivo de 90 minutes que debemos mostrar la próxima semana. Al utilizar un ascensor en la historia, tendremos una unidad en los trabajos, y ellos se apoyaran unos a otros."

Las ideas empezaron a fluir. Todo uso concebible de los ascensores es considerado. Inevitablemente, sale la sugerencia de hacer una película sobre lo difícil que es cintas sobre filmar en los ascensores. Kiarostami, muerto de dolor por una muela, descarta inmediatamente esa idea. Alguien sugiere basarse en lo que dijo sobre la etiqueta. "¿Qué tal dos personas discutiendo en un ascensor?" dice el estudiante. "Cuando se detiene en un piso y alguien entra, las dos personas están tan avergonzadas que dejan de discutir. Hay un silencio incómodo en los siguientes tres pisos. Entonces, las dos personas salen del elevador e inmediatamente comienzan a discutir." "Muy bueno", dice Kiarostami sin emoción, "Salgan ahora y a rodar."

Explotar el medio

Vamos a trabajar con equipo digital, no hay celuloide aquí. Tal como Kiarostami sugiere constantemente, al igual que su nuevo trabajo "Five" (un filme de 75 minutos compuesto de planos secuencia de 15 minutos), la forma puede dictar el contenido. "Mi cinta "Ten" tiene dos años de antiguedad", explica el director, "y actualmente, no estoy tan fascinado por la tecnología digital. Creo que es porque me acabo de dar cuenta que poca gente sabe cómo usarla con propiedad."

"El problema es que la tradicional película de Hollywood se mueve de manera inconsistente con lo mejor del cinema digital que se viene produciendo. No es fácil que los directores más pequeños luchen. El punto es que se debe pensar digitalmente. Cuando se trabaja con una idea, considera que la historia no se pueda hacer utilizando los métodos tradicionales. ¿Puedes grabarlo con una cámara de 35 mm o sólo con una pequeña hand-held digital? Grabar "Ten2 en 35 mm. hubiera sido como llevar a un luchador a una carrera de 100 m. planos. Un luchador debe luchar, un corredor debe correr. Y una vez que hayas escogido usar una cámara de video en lugar de una de películas, y por buenas razones, no compares la calidad de la imagen con la de las otras. Apréciala por lo que es."

A pesar de mi (quizás conservadora) apreciación de la narrativa del cine clásico, y mi general desapego por lo que podría llamarse "cine experimental", me marché con Peter, otro estudiante, al Victoria and Albert Museum, que se encuentra a la vuelta de la esquina, donde hay dos ascensores con paredes de vidrio, uno junto al otro. Peter en uno, yo en el otro con una cámara. Pongo la lente contra el vidrio y comienzo a registrar cómo sube el ascensor, el techo que se acerca y se aleja. Peter pasa recitando un soneto de Shakespeare. Tomas de de 10 minutos. Un filme "artístico." El resultado final tiene tres minutos y es terriblemente pretencioso. Solo para dar la contraria, insisto en no poner créditos o un soundtrack.

Manipular a los actores

"Una buena película de ficción es un documental y viceversa", nos dice Kiarostami. "Cuando ambos se juntan, hemos visto un buen filme. En términos del trabajo con los actores, hay una línea muy fina entre engañarlos para que hagan lo que queremos, y dejarlos improvisar. Algunas veces durante la filmación de "Ten", me sentaba entre el hijo y la madre en la parte trasera del auto. Pero la mayor parte del tiempo, los dejaba solos y veía la cinta más tarde. Rechazo el rol tradicional del director. Esto es lo que la cámara digital nos da, la libertad de no tener que preocuparnos de que se acabe la cinta."

"Los martes el niño iba a nadar, así que arreglábamos que la madre llegara tarde a recogerlo. Esto significaba que el niño estaba preocupado de su competencia de natación, algo que se muestra en el filme. Esa es toda la dirección que hice. Es como si el actor fuera el director. Lo principal es escoger el momento adecuado para estos actores, ninguno de los cuales era profesional, de darnos algo emocionante y real."

Alguien le pregunta a Kiarostami, cómo sabe si un actor no profesional le podrá dar lo que necesita. "Hablo con ellos y prendo la cámara sin que lo sepan. Después de siete u ocho minutos, una vez que hemos encontrado el tema, hago como que prendo la cámara. Si no se ve diferencias entre el momento antes y después de que la enciendo, entonces tenemos un buen actor."

Un estudiante decide poner las ideas de Kiarostami con su sobrino de 17 años como actor principal. Se decide por la historia de un chico que demanda un pago y entra a un ascensor público. Lo graba en el conjunto de departamentos donde vivo yo. Hago el rol de la persona que eventualmente lo echa del edificio. Para el clímax, cuando le digo al chico que se vaya, el director solamente filma mis líneas. No voltea la cámara para grabar las reacciones de su sobrino ni su diálogo, porque ha pasado la mañana grabando los primeros planos requeridos. Le hizo preguntas personales sin ninguna relación con la historia, así, dos horas más tarde, grabó una verdadera respuesta emocional a mis líneas. Todo funcionó de maravilla.

Nuestro sesión final la pasamos afinando nuestros filmes de ascensor para una función pública en el Insituto Francés, por la tarde. El colectivo de 90 minutos tiene una calidad variable, pero en su totalidad es muy bueno. ("Lamento haberlos llamado ociosos," dice Kiarostami). Hay algunas cintas muy imaginativas, hechas en tan solo dos o tres días, algunos en cuestión de horas. Todos están cargados de un profundo humanismo. Es lo que Kiarostami ha dejado en nosotros.

Le Roi danse

2005-06-17T00:27:00.000-05:00

Le Roi Danse (el rey baila) es el título de la última película del realizador blega Gérard Corbiau. Dos de sus películas fueron nominadas a los discutibles premios de la Academia de Hollywood. El primero de ellos, El maestro de música, es una obra bastante simplona que lleva el esquema temático de dos artistas inocentes y su maestro, al campo del mundo lírico. Lo más interesante de esta cinta es la presencia del tenor José van Dam. La otra película suya es "Farinelli, il castrato", la historia del más famoso castrati de la historia del barroco. Criticada por tener algunos excesos dramáticos, así como permitirse excentricidades tales como la de mezclar digitalmente la voz de una soprano y un alto para obtener la peculiar voz del castrati.

Ambas películas se emparentan con "Le Roi danse" tanto en su intento de llevar algunos aspectos de la historia musical al cine como en algunos detalles de la puesta en escena. Veamos.

En esta película nos encontramos con la historia del ascenso de Giovanni Battista Lully, músico de origen italiano (como casi todos los grandes músicos del barroco), quien convertido en Jean Bapstiste Lully cambiaría la cara de la música francesa, y obtendría una influencia notable en la manera en que se compone la música en ese país inclusive varios años después de su muerte.

Todo el relato parte desde un largo flash back de un viejo Lully. Los recuerdos van desde un joven Louis XIV y cómo éste al llegar a la adultez se convierte en el soberano absoluto, al mismo tiempo que vemos su atracción por la música y el baile. Por otro lado, vemos la fascinación casi obsesiva que Lully tiene por el rey y por los beneficios que éste le otorga. Entre ambos se establece una relación que a primera vista es fascinante, pero que la película desarrolla de manera algo torpe.

Las relaciones entre los personajes están manejadas con criterio, en especial, la relación que establece el rey y su madre, Anna de Austria. La del famoso Moliére y Lully parte bien, pero luego se desvanece cuando se trata de dar explicaciones tontas a la muerte de dramaturgo. El personaje de Madeleine, la esposa de Lully carece del suficiente peso emocional como para prestarle demasiada importancia y la verdad aporta muy poco al conflicto central del filme.

La dirección de actores es irregular. Benoît Magimel como Louis XIV está excepcional. Su aplomo, su dicción, la fuerza de la mirada, su personaje parece tener un mundo emocional contenido que parece que jamás podrá mostrar dada sus condiciones reales. Collete Emanuel como Anna de Austria es otro de los aciertos del filme, aunque su rol es más bien breve y sin tantos matices, ella sabe darle convicción al personaje. Tchéky Kayo como Moliére está bien, en el rango mínimo que uno puede esperar de un buen actor como él. Sin embargo, Boris Terral como Lully hace una interpretación mediocre, sobreactuado en algunas partes, sin la presencia escénica ni el ánimo obsesivo que requiere el personaje.

Quizás tenga que ver también con cierto exceso en la construcción de los personajes y en las resoluciones de brocha gorda que el director/guión le da a las escenas. Por ejemplo, la muerte de la reina y la reacción extrema de Louis XIV, la muerte del paje tras la fiesta de Lully y otras tantas escenas de llanto y griterío absurdos.

La ambientación de época es notable, tanto vestuario como ambientes contribuyen a que el filme tenga un toque de realismo más que logrado. A lo que podemos sumar la intervención musical del conjunto Musica Antiqva Köln, bajo la dirección de Reinhard Goebel, en la que sería su segunda incursión en el cine. De hecho, es admirable la decisión de Corbiau de tener a este conjunto que realza varias de las escenas del filme, como las varias escenas de danza del rey o el requiem que adorna la muerte de la reina. Y es que con su apego a la interpretación HIP (Historically Informed Performance), que entre otras cosas, se permite el uso de instrumentos antiguos, la interpretación basada en los principios de la época, etc., los MAK le brindan verdadera autenticidad y arte a una película que en sus convenciones podría resultar postiza.

Rouge de Stanley Kwan

2005-06-14T11:37:00.000-05:00

Stanley Kwan (en mandarín GUAN Jinpeng; en cantonés KWAN Kam-Pang) es uno de los directores más personales del cine de Hong Kong, y que a la fecha cuenta con una filmografía más o menos sólida. Rouge, la tercera de sus películas es también el inicio de su internacionalización.

La historia, como la de todo el melodrama, tiene una tonalidad más bien alta y exagerada. El filme cuenta la increíble historia de una mujer fantasma que recorre las calles del Hong Kong contemporáneo (el de los años 80), en búsqueda de su amante, con el que recuerda haberse suicidado producto de un amor prohibido. Y, sin embargo, la historia está contada con mucha sofisticación, un interesante desarrollo de los encuadres, como los que abren la película en el que se introduce a los personajes principales y el terrible destino que les espera.

En los roles principales tenemos a dos leyendas del cine asiático. En primer lugar, la cantante y actriz, Anita Mui, fallecida durante el rodaje de "La casa de las dagas voladoras", y Leslie Cheung, uno de los íconos del cine de su país (entre otros filmes, lo podemos encontrar en "Adiós a mi concubina" dirigido por Kaige Chen y en "Happy Together" dirigido por Wong Kar Wai), quien se suicidó hace unos años, arrojándose desde lo alto de un edificio.

Anita representa a la prostituta vuelta fantasma, mientras que Cheung interpreta al amante, un comerciante de la ascendiente burguesía comercial que se convierte en el objeto de su afecto.

Ambos están notables, aunque queda claro que los roles femeninos son los que terminan teniendo más peso, en cuanto se trata de un filme enmarcado en el canon del melodrama. Precisamente, la Mui tiene un desempeño excepcional, en el que se aprovecha al máximo, su alicaído semblante y su fuerte presencia escénica.

En términos generales, se trata de una historia sobre la fantasía del amor. El fantasma se ha pasado varios años esperando a su amante, pero él no llega todavía a su encuentro. Para lograr su ansiada reunión, ella recurre a un diario para colocar un anuncio, mientras siente la añoranza de ver su antiguo hogar trasnformado. Para que no se note la palidez de su mortecino semblante, ella sólo sale por la noche y usa un fuerte maquillaje.

Con la ayuda de una pareja del Hong Kong actual, ella una periodista y él un encargado de la publicidad de un diario, logran llegar a su antiguo amante, sólo para encontrar que ha sido traicionada.

Se trata pues, del melodrama en su sentido más moderno, áquel que no termina en la reunión de la pareja (ni en la vida ni en la muerte), sino en la total independencia de la mujer, en la que ella libre de las ataduras de su pasado puede alcanzar un nuevo nivel en su existencia, aunque ésta ya no sea terrena.

"Ten" de Abbas Kiarostami

2005-06-05T11:53:00.000-05:00

Graduado de la Facultad de Bellas Artes de Teherán, Abbas Kiarostami, se ha convertido en uno de los directores más importantes del cine mundial de los últimos veinte años. Aunque, ciertamente, es poco conocido en círculos ajenos a la cinefilia.

Sus mejores películas ("Through the Olives Tree, Taste of Cherry, Close Up) han desarrollado un estilo verdaderamente minimalista, es decir, el estilo que reduce el cine a sus estructuras mínimas, y que se suele confundir con una reducción de las figuras del cine (menos escenografía, menos comentarios musicales, actuaciones simplificadas, etc.). De esta manera, en estas películas se construyen historias en base a recorridos que se repiten constantemente (el viaje en auto o la filmación de una escena, por ejemplo) y a partir de los cuales se genera el significado del filme, todo bajo un clima desdramatizado (en el sentido más formal del término) que por ratos se acerca al registro documental.

"Ten" es una de las apuestas más radicales del director. Se compone de 10 conversaciones realizadas por una mujer profesional de Irán, que maneja su auto por las calles de Teherán. En el trayecto, la vemos conversar con su muy antipático hijo, producto de su primer matrimonio, que vive bastante descontento con la nueva relación; su hermana, que le aconseja sobre sus problemas; una prostituta que la confunde con un hombre; una mujer que acaba de divorciarse y llora desconsoladamente; una chica que está por terminar una relación con su prometido; y una mujer que ha dejado su vida de comodidad para dedicarse a la religión.

Para llegar a este resultado, Kiarostami escogió a sus actores, habló con ellos en profundidad sobre los personajes y el diálogo. Puso dos camaras de video digital en el tablero del auto y los mandó a conversar, pero él no estuvo presente. Se filmaron 23 horas de video, de las que quedaron los 94 minutos que componen el filme. La versión final es en video y no se ha realizado ningún sistema de transferencia a cinta de proceso químico.

Es ciertamente, una postura que va contra la imagen que se suele tener del director controlador, perfeccionista que ve hasta el último detalle de lo que sucede frente a la cámara. Kiarostami así lo entiende, pues para él es una nueva forma de acercarse a la realidad, sin crearla tan artificialmente. Algunos críticos, como Roger Ebert, le han criticado su falta de control sobre lo filmado, y sostienen que ese es un cine que podría hacerlo cualquiera y en uno de sus ataques más rabiosamente conservadores sostiene que apreciar este filme es como apreciar los dibujos de un niño. Cosas parecidas se dijeron en su momento de los fauvistas, los impresionistas, Schöenberg, Wagner, Antonioni, Beethoven, etc. Con el resultado que todos sabemos. Y es precisamente el caso, Marcel Duchamp puso en el tapete un hecho incuestionable en la apreciación del arte de hoy: que lo "artístico" no radica necesariamente en el objeto. Uno ya no puede definir el arte en función de los productos culturales por sí solos, hace falta establecer la red de relaciones contextuales que hace que algo sea arte o no, hace falta realizar un trabajo intelectual que permita dar una lectura mayor que la simple apreciación física o el cuestionamiento del proceso de producción. Así, se puede hablar de Spielberg o Johnnie To en términos artísticos del mismo modo que de Bergman.

Fuera de estas cuestiones, "Ten" es simplemente maravillosa, por las cuestiones que plantea sobre la existencia de sus personajes (los roles masculinos y femeninos en la sociedad iraní), sobre sus sentimientos frente al mundo (las mujeres abandonadas, la religiosidad, el poder patriarcal, etc.), que de alguna manera lo emparetan con otros filmes de la tradición occidental, como el cine de mujeres de Cuckor, Mankiewicz, Almodóvar, etc., donde se plantean los mismos temas, aunque quizás con otros resultados. Y es que el filme no se plantea como una denuncia de las condiciones sociales en el sentido que lo harían un Costa-Gavras o un Oliver Stone, sino más bien se trata de una suerte de exploración del mundo femenino donde no hay preconceptos o determinada agenda política planificada con anterioridad. Al revés, si es posible plantearse una agenda sobre el tema es como resultado de la visión de la película.

Para algunos este es el filme más baziniano que se haya realizado en los últimos años. Kiarostami ha logrado, con la aparente pureza de la imagen, acercarse a la realidad de una manera que pocos realizadores pueden lograrlo. Como esa la de la escena final, interpretada con tal sutileza que uno queda casi mareado por la impresión. Un verdadero momento de antología.

Entrevista a Apitchapong Weerasethakul II

2005-06-04T10:32:00.000-05:00

Continuamos la entrevista con el director tailandés...

Una de las cosas que amo de "Tropical Malady" es cómo la segunda parte del filme reinterpreta la primera mitad. ¿Puedes describir el proceso de poner juntas esas dos historias tan diferentes? ¿Qué es lo que las unió en tu mente?

El proceso fue muy natural. La idea del hombre enfrentado a la naturaleza, el pasado versus el presente (recuerdos). Desde mis cortos, me gusta la estructura dual, por lo que a veces me pregunto si esa es mi debilidad, siempre pensar en dos filmes en uno.

Me acabo de dar cuenta que cada filme tuyp sucede en una selva o en una aldea remota. ¿Es una elección consciente? ¿Cuál es la atracción del aislamiento?

Crecí en un pueblo pequeño, como el que traté de presentar en "Tropical Malady". He trabajado en Bangkok por siete años, así que no estoy muy familiarizado con él todavía. Y los pueblos pequeños cambian tanto estos días, que estoy tratando de capturar ese cambio, lo nuevo y lo viejo. Y Bangkok es tan ruidoso. Me gustan los lugares tranquilos.

La gente que sólo te conocía a través de "Tropical Malady" y "Blissfully Yours" estarán sorprendidos por "Iron Pussy". ¿Puedes describir cómo llegó ese proyecto? ¿Cuál es tu relación con la estrella/co-director? ¿Habrán más filmes como éste?

La gente que está familiarizada con mis trabajos (cortometrajes y videos) no estaban tan sorprendidas. De ehcho, lo esperaban. El filme fue realizado durante "Tropical Malady". Fue un gran viraje luego de filmes tan serios. Pienso en las películas como una performance en la que me fuerzo a mí mismo y al equipo técnico a trabajar como en un estudio antiguo tailandés, es decir, trabajar sin parar y no analizar. Como en los viejos tiempos en que se hacían muchos filmes al mes.

Estuvimos muy emocionados al ver todo el talento involucrado en la antología de cortos del que fuiste parte en el Festival de cine de Jeonju. ¿Cómo te involucraste en él? ¿Tuviste alguna interacción con Song Il Gon y Shinya Tsukamoto?

Nuestros tres cortos son independientes. No hubo temas ni restricciones, así que son tres filmes diferentes. El mío es otro documental, otra performance. Invité a un amigo realizador a realizar un filme imaginario en la selva durante cuatro días. Rentamos una cámara de 35 mm., luces, y filmamos con el material verdadero. Pero no lo procesamos. El équipo técnico no sabía que lo que estaba haciendo era un documental sobre el hecho de filmar.

Song Il Gon ha dicho que tiene planes de expandir su parte de esta antología y presentarla como un filme independiente. ¿Tienes planes similares?

No, mi filme es diferente. Es simplente la documentación de esta performance filmada en la selva. Ya está terminada.

Hasta donde sé "Tropical Malady" y "Iron Pussy" son los únicos filmes tuyos que estan disponivles en el mundo, sin cortes y con subtítulos en inglés. Ambos tienen que ser importados desde Tailandia. ¿Hay planes de hacer que tus películas sean más accesibles? ¿Hay posibilidades que tu cortometraje sea distribuido?

La mayoría de los cortos son pensados en instalaciones, así que no creo que se editen. "Mysterious..." está ya disponible. Estamos en conversaciones para que "Blissfully Yours" salga en DVD.

Vi en tu sitio web que haz realizado algunas instalaciones artísticas. ¿Están puramente basadas en filmes o trabajas también en otros medios?

La mayor parte están basadas en video. Son mis borradores, las extensiones de mis intereses o borradores de películas. También trabajo con fragmentos de sonido.

¿Puedes decirme algo de tu nueva película? ¿De qué se trata? ¿En qué parte del proceso estás? ¿Cuándo esperas acabarlo?

Está todavía en el proceso de ser terminado. Es para celebrar el nacimiento de Mozart, el aniversario 250. Espero tenerlo completado a fines del 2006.

Entrevista a Apitchapong Weerasethakul

2005-06-02T15:38:00.000-05:00

Entrevista a Apitchapong Weerasethakul

Tomado de www.twitchfilm.net

Es difícul medir estas cosas de manera conclusiva, pero se puede hacer un buen argumentos sobre el hecho que el tailandés Apichatpong Weerasethakul es uno de los directores más subvaluados del planeta. A pesar de que un par de filmes suyos, Tropical Malady y Blissfully Yours, obtuvieron premios importantes en el Festival de Cannes y otros alrededor del mundo, Weerasethakul es virtualmente desconocido de los círculos críticos.

Aquí una entrevista con él:

La mayoría de nuestros lectores estarán pocos familiarizados contigo o conocerán solamente "Tropical Malady". ¿Puedes describir tu bagaje? Sé que estudiaste en Chicago...

Soy de un pueblo pequeño al noreste de Tailandia. Estudié arquitectura y luego fui al Instituto de Arte de Chicago para estudiar cine.

Has trabajado exclusivamente en Tailandia, pero exclusivamente fuera del sistema de estudios de este país, ¿fue una elección deliberada o algo a lo que has sido forzado? ¿Consideraste trabajar en alguna otra parte?

Actualmente, estoy trabajando en un estudio y también de manera independiente. La industria cinematográfica tailandesa ha crecido bastante rápido en los últimos cinco años. Ellos aceptan más diferentes tipos de pelícuals. Cuando comencé a realizar mi primera película, era una actitud y un escenario bastante diferentes. No había cine independiente.

El cine tailandés parece estar en el inicio de un surgimiento mayor. Desde tu perspectiva, ¿es cierto esto o es algo que ha estado presente en un largo tiempo, pero que recién ha sido notado por el mundo?

Con el surgimiento del video digital, ahora hay un montón de jóvenes realizadores. Sus trabajos son mucho más interesantes que lo realizado por los estudios. La cámara y la isla de edición son mucho más baratos. Es nuevo super 8. Pero, el sistema educativo tailandés sigue siendo muy conservador. Con el gobierno actual, Tailandia se ha vuelto una sociedad más patriotica y conservadora. Así que, de un modo posititvo ha generado una atmósfera de duda entre los más jóvenes. Algunos de los mejores trabajos resultan de un sentimento de opresión intelectual. Así que el underground joven es el que genera más esperanzas. Los productos de estudio son para divertirse, pero no son emocionantes.

Parece haber también grandes contradicciones al interior de la industria tailandesa... ¿Cómo es que a un filme como Tropical Maladay puede irle mal, mientras que filmes sobre boxeadores transexuales o voleybolistas travestis pueden generar mucho dinero?

A Tropical Malady le fue bastante bien, en realidad. No fue un éxito de taquilla porque lo mostramos en tres salas. Cuando haces filmes personales aquí, se debe pensar en pequeña escala, así como en la combinación del mercado local e internacional. Es un hecho que en los Estados Unidos, si quieres sobrevivir de la realización de un filme, se tiene que pensar en otros países. Es un medio caro, así que las cosas deben estar muy claras. Por ejemplo, estoy tratando de producir un filme para el mercado local, y encuentro que hay más factores que considerar. Es un dolor de cabeza, pero la estoy pasando bien con esta nueva experiencia.

En una entrevista en el DVD de "Last Life in the Universe", Pen-Ek menciona que se siente amenzado como "outsider", y te menciona como alguien que está en la misma situación. Es extraño de escuchar porque las películas de ambos parecen ser obviamente tailandesas y respetuosas de sus raíces y culturas. ¿Sientes lo mismo que Pen-Ek? ¿Qué los diferencia? ¿Es algo tan simple como su formación norteamericana?

La situación está mejorando. Antes, como decía él, eramos tratados como "outsiders". Pen-Ek, de hecho, era un director comercial exitoso., así que no sé porqué se sentiría así. No creo que la educación americana tenga que ver con nuestras diferencias. Hay muchos directores acá que son graduados de universidades del extranjero. Lo más obvio es que hacemos películas fuera del sistema de estudios.

No he tenido la oportunidad de verlo, pero entiendo que tu primer filme fue un inusual documental. ¿Puedes describirlo ¿Cómo ha afectado este filme a tus filmes narrativos?

Era una cinta experimental de ficción y documental llamada "Mysterious Object at Noon." Viajamos a lo largo del país y le pedíamos a la gente que cuente una historia de ficción, como un juego. Entonces, filmábamos esa ficción con actores no profesionales. La estructura era libre e improvisada. Quería lograr la espontaneidad del cast y del equipo técnico, asó como expresar mi afecto a los paisajes.



 Continuará

Perfect Blue

2005-06-02T14:48:00.000-05:00

En realidad, el anime (animación japonesa) me ha dejado la mayoría de veces bastante frío, pese a que de pequeño he disfrutado mi dosis de súper robots y demás fierros. Sin embargo, un pequeño libro sobre el panorama general del cine japonés, me abrió las puertas a este interesante mundo, que no sólo trata de fantasías de ciencia ficción, ciberpunk, animación infantil, softcore, etc., sino también es capaz de explorar la naturaleza humana, así como crear relaciones con el cine y los límites entre ambas artes y la realidad.



Así llegué a Satoshi Kon, un dibujante de manga (una suerte de cómic japonés), que en 1997 se atrevió a adaptar una novela al anime. El resultado es Perfect Blue, una cinta que se ha hecho de un inmenso grupo de fanáticos. La historia es una especie de fantasía surreal (como si se tratara de un Lynch japonés), pero contada con las mediaciones que el cine y el mismo anime proponen.



Lo que vemos es la historia de Mima Kirigoe, una cantante de pop que quiere hacer su paso al mundo de la actuación, pero que es perseguida por un psicótico fan (una especie de Michael Jackson oriental). Aunque, lejos de seguir a pie juntillas los derroteros de un thriller convencional, el filme comienza a crear una serie de juego de espejos entre la historia de la película, la vida de Mima, su representante, los personajes secundarios (aprovechando además el trazo del género que crea tipos físicos muy similares) y una realidad que cada vez se hace más esquiva tanto al espectador como al personaje principal.



 La cinta está tratada sin concesiones, es por momentos directamente cruda, y en otros momentos más sutil, pero no por eso menos efectiva. Como buena parte de la narración oriental, le interesa más la creación de sensaciones puras que cerrar la historia completamente, por lo que le permite al espectador crear una serie de lecturas sobre el verdadero sentido de lo que realmente sucede en el relato.
 
 "Perfect Blue" se convierte rápidamente en un éxito de crítica. Satoshi Kon realiza seguidamente la otra cara de la moneda, "Millenium Actress", la historia de una vieja actriz. Le sigue "Tokyo Godfathers", versión japonesa de "Three Godfathers" de John Ford, y actualmente se encuentra en la difusión de una serie animada llamada "Paranoia Agent."

Entrevista a Tony Leung

2005-05-31T16:16:00.000-05:00

Traducción al español tomada del site Kaiju Shakedown, en la que se habla del nuevo proyecto entre el actor Tony Leung Chiu-wai y Wong Kar Wai, lo que significaría que la horrorosa idean de un proyecto conjunto de Wong y Nicole Kidman es poco probable...
Original en http://www.kaijushakedown.com/interviews/index.html

Durante una entrevista esta mañana con Tony Leun Chiu-wai, le pregunté sobre su próximo proyecto. Esto es lo que dijo :

¿Qué es lo que sigue en tu carrera?
Kar-wai y yo haremos otra película el próximo año. Una película de kung fu sobre el maestro Bruce Lee. Comenzaré el entrenamiento luego del viaje promocional.

¿Cuál será la perspectiva? ¿Será un filme delicado y suave como In the Mood for Love?

Creo que queremos hacer algo diferente. Estos 10 años, creo, estamos haciendo la misma película: desde Days of Being Wild hasta 2046. Alguna vez hablamos en el set y dijimos que debíamos hacer algo diferente, por lo menos para la audiencia. Ellos quieren algo diferente de nosotros. Así que, ¿por qué no una película de kung fu? Nunca hemos hecho antes una película así. Una película de solo kung fu, especialmente ambientada en los 60s, podría ser muy popular.

¿Será históricamente exacta o tendrá más acción?

Creo que tendrá más acción. Tengo que entrenar luego de llegar a casa. Planeo entrenar unos seis meses, porque si eres el maestro de Bruce Lee, tienes que lucir como tal

Bunshinsaba (Byeong-ki Ahn)

2005-05-30T23:42:00.000-05:00

Bunshinsaba



Dirigida por Byeong-ki Ahn (cuyo "Phone" fue un éxito comercial) esta cinta de horror calza en la nueva ola de películas asiáticas basadas en leyendas populares y que además utilizan como personajes a jóvenes chicas de escuela secundaria y a una especie de "ente de horror" interpretado por una mujer de mirada turbia y cabello largo.

La historia cuenta las desventuras de una colegiala maltratada por sus compañeras que decide un buen día, hacer el famoso ritual de la "ouija" e invocar a un espíritu. El resultado es el suicidio de cada una de las compañeras que la molestan. Un par de jóvenes profesores deciden investigar el caso y descubren lo que hay tras de esto.



En el fondo, la película es una historia sobre la xenofobia y el odio/rencor que nace de ella. Aunque no se trata de un film de tesis exactamente, sino un film de entretenimiento, que responde a las necesidades de género y a las expectativas del público.



Curiosamente, las películas de entretenimiento asiáticas tienden menos a la redundancia que las películas americanas. En las primeras, una vez expuesto el tema, no hay lugar a repeticiones morosas, van al grano directamente y no repiten una y otra vez las intenciones del film, sino que buscan las variaciones, mostrar el mayor número de efectos y hechos, que enriquezcan la experiencia fílmica.

Breaking News (Johnnie To)

2005-05-22T21:15:00.000-05:00

Johnnie To está lejos de ser el típico "autor" de cine. Metido al mundo de la producción de cine de género de Hong Kong, el director ha realizado una serie de filmes que poco tienen que ver entre sí temática y estilísticamente. Desde hace unos años maneja su propia compañía productora, Milkyway, y con ella viene haciéndose de un lugar importante en el cine de su país. El año pasado fue invitado por el Festival de Cannes y este año se presentó a la sección oficial, pero no obtuvo ninguno de los premios, aunque su filme fue alabado por la crítica más seria.

"Breaking News"(Dai si gein, 2004) fue su carta de presentación en Cannes. Estoy convencido que se trata de un film brillantemente dirigido. La historia es provocadora, un grupo de policías persigue a otro grupo de asaltantes por las calles de Hong Kong. En medio de la huída se cruzan con un par de policías en servicio, uno de los que al verse amenazado levanta las manos en símbolo de rendición. Esto es filmado por las cámara de televisión, ridiculizando a la policía local. La policía tiene que hacer algo al respecto y decide armar su propio espectáculo televisivo con la finalidad de volver a ganar el prestigio perdido.

Pero, el filme está lejos de ser una reflexión al estilo del cine de tesis de Costa Gavras (¿recuerdan ese film que hizo con Dustin Hoffman y Travolta en los 90s?), y se concentra en las acciones de los personajes, así como en desarrollar la tensión del relato. No se trata de llegar a grandes y moralizantes conclusiones, ni desarrollar temáticamente el relato, como mostrar la pequeña guerra comunicacional que sucede.

La construcción visual del filme no podría estar mejor planteada. El inicio es un virtuoso plano secuencia de poco menos de ocho minutos, en los que la cámara se mueve en una grúa entre un piso y otro, mientras se desarrolla una balacera entre los dos bandos. Precisamente, los planos secuencia se convertirán en un leit motiv de la cinta.

Como en todo filme de acción no hay lugar para un gran desarrollo de los personajes. De hecho, el filme no se plantea jamás, cuestiones como motivación o rasgos psicológicos. Por el contrario, le interesa desarrollar tópicos para alterarlos. Ahí tenemos al policía interpretado por el actor cómico Nick Cheung, quien es el típico policía que trata de salirse de las reglas para atrapar a su presa, pero que en términos de acción se parece más bien al villano indestructible que nunca puede ser vencido, y que hasta el final aparece amenazante. Su rival, el jefe de la banda, interpretado por Siu-Fai Cheung, es un personaje carismático, que le cocina a sus ocasionales rehenes, flirtea con la mujer policía, etc. La mujer policía, interpretada por Kelly Chen, es fría, rompe con la cadena de mando, no se relaciona con ninguno de los hombres de la historia, es más, la única persona que parece confiar en ella, es otra mujer, la responsable de Relaciones Públicas.

"Breaking News" es lo que todos los filmes de acción policiales de los últimos años no son: entretenida, rápida (poco más de hora y media), efectiva en su narración, visualmente deliciosa, llena de encuadres expresivos y que al mismo tiempo ofrecen información narrativa.

Espero que To no vaya jamás a Hollywood.

Indiscretion of an American Wife

2005-05-22T13:17:00.000-05:00



Esta película fue dirigida en 1953 por de Sica como parte de un arreglo con David O. Selsznick, uno de los más importantes productores del Hollywood clásico, que a diferencia de los ejecutivos actuales no estaba tan extraviado con las técnicas narrativas.

El nombre original del filme fue "Statione Termini", nombre de uno de los centros de transporte colectivo más grandes de la ciudad de Roma. En esta historia, una mujer norteamericana, interpretada por la esposa de Selzsnick, Jennifer Jones, mantenía una relación extra conyugal con un joven italiano, interpretado por Montgomery Clift. El director italiano realizó un filme que seguía con cierta fidelidad algunos de los postulados de los neorrealistas que ya se habían hecho más o menos conocidos. Como es el caso, del manejo de un tiempo distendido, donde el drama no se desencadena por la lógica del relato como por el desarrollo interno de los personajes, es decir, un cine donde la acción no es el componente dominante de la configuración del plano.



Pero para los seguidores del cine clásico americano, como el productor Selzsnick, esta visión era impensable para una película que se comercializaría en América, y decidió recortar su metraje y cambiar algunas ambiguedades típicas del retrato de personajes que se estaba haciendo famoso en el cine europeo. Y es que para ojos de los discursos norteamericanos, el tema del filme, una mujer americana en líos extra maritales, ya era un tema escandaloso. Recordemos, si no, que por esos años se llevó a cabo uno de los grandes escándalos de la historia del cine de Hollywood, el abandono de Ingrid Bergman a Vincent Minelli, que casi le cuesta la carrera a la actriz sueca. De esta manera, mientras en el retrato de de Sica, la mujer pasaba por un proceso de aventura casi masoquista (algo así como el personaje de Belle de Jour de Buñuel), en la versión americana, la mujer mantiene el típico sentido de pudor, comedimiento y culpa del melodrama hollywoodiense. Así mismo, se recortaron las partes que alargaban la acción y se trató de seguir las pautas de planificación del cine americano.

Con estos cambios, tenemos una cinta que bordea los 63 minutos  :drr:, frente a la hora y media que quedó del corte de de Sica. De hecho, hay una compañía que ofrece ambos DVDs.

La versión americana, pese a todo, está bastante mejor de lo que se puede esperar dado el contexto (que además incluye los problemas temperamentales de la Jones). La historia está contada de manera coherente, con algunos exabruptos de edición (imperdonables en el cine de la época), con una puesta en escena solvente, unos actores correctos (sorprendemente bien Jennifer Jones) y, en general, con un sentido claro. El film sigue claramente el estilo americano de los 50s, algo enfático cuando quiere resaltar alguna acción o establecer algún efecto de la narración, mantiene el ambiente más o menos colorido que de Sica quería darle a los habitantes de Roma, y, en fin, comedimiento y sentimentalismo a raudales.

Sciusciá (Vittorio de Sica)

2005-04-28T19:12:00.000-05:00


Vittorio de Sica tiene una larga y ecléctica (quizás demasiado) carrera en el cine, que incluye su trabajo como actor en las comedias de "teléfono blanco" hasta director de las comedias sexuales del cine italiano de los setentas auspiciadas por Carlo Ponti.

Sin embargo, es su trabajo en la formación y consolidación del neorrealismo lo que lo convertirá en una de las más grandes figuras del cine. Precisamente, [i]Sciusciá[/i] es una de las películas que delata las aspiraciones de un grupo de cineastas que modificarían el curso del cine tal como era conocido hasta entonces. No en vano, el film fue firmado por el mismo Cesare Zavattini, así como por Sergio Amidei (que colabora en "Bajo el sol de Roma", "Roma ciudad abierta", "Paisá", "Germania Anno Zero", entre otros).

[i]Sciusciá[/i] cuenta la historia de la amistad entre dos niños lustrabotas, Giussepe y Pasquale. De manera que vemos cómo ésta se consolida con la compra de un caballo (símbolo del sueño común) y cómo se resquebraja por las trabas que el sistema social les impone (la familia desprotegida, el abogado inútil, la justicia inepta, el sistema penitenciario, etc.) hasta alcanzar el trágico final.

En términos generales, el film encaja en el género del melodrama, aunque tiene una preocupación moral antes que sentimental o filial (elementos más o menos típico del género). Es más, diría que no es sino hasta el final donde el melodrama pierde su especificidad y el film se desliga del film clásico, al menos ideológicamente. Y es que en términos formales, como todo el neorrealismo, la filiación con el estilo del cine clásico americano es innegable. Tenemos no sólo la planificación pensada en la acción del actor, sino también el acompañamiento musical que subraya las emociones, la funcionalidad de los elementos visuales de acuerdo a una gramática (visual y estructural) prestablecida. Así, por ejemplo, la niña amiga de Giusseppe, el pequeño interno de la afección pulmonar, la madre, el hermano, etc. son elementos que tienen una función dramática específica, y que participan en las escenas necesarias, en las que permiten

Heinrich Schütz

2005-04-15T02:38:00.000-05:00



Este señor de la mirada circunspecta es el compositor alemán Heinrich Schütz

(1585 - 1672)

. Se le considera el primer gran músico alemán del barroco. De él, tengo su "Pasión según San Mateo" en una versión más bien genérica, aunque la música es demasiado poderosa. Está desarrollada siguiendo los parámetros católicos de restricto respeto al texto del evangelio. Sólo al final hay un pequeño comentario que delata el luteranismo de su creador, además de realizar un oratorio, pieza preminentemente litúrgica, en alemán y no en latín, la lengua del catolicismo.

La música está cantada sin ningún acompañamiento instrumental, lo que es raro, considerando la gran influencia italiana que se vivía en la época. Y es que, para el mundo en que vivía Schütz, el stylo moderno había ya comenzado su segunda etapa, la del barroco medio. La monodia ya estaba muy bien asumida por buena parte de los músicos.

El papel del Evangelista (narrador de la obra) está cantada por un tenor, en un estricto recitativo, que sólo se ve alterado por la emotividad que le pone a algunas líneas, como el grito de Cristo en la cruz o de sequedad, como cuando narra el suicidio de Judas. Lo que hace que esta obra pertenezca plenamente al stylo moderno y no al stylo alla Palestrina que todavía seguía, con mayor o menor fidelidad, las reglas del tractus renacentista. La obra incluso no teme a manejar dramáticamente los silencios, que no sólo se producen en los finales de párrafo del evangelio, sino también tras la muerte de Judas.

La presencia del pueblo judío y de los fariseos es interpretada por un coro, que tiende a usar pequeñas formas cerradas y cantadas a manera de un breve motete. Es un coro expresivo y no un coro renacentista, incluso tiene líneas de bajo claramente sugeridas.

Jesús está interpretado por un bajo. La voz se escucha muy bien en el lamento final: "Eli, Eli, lamá sabactami". Es de una intensidad insuperable. Su participación vocal es breve, como lo señala el evangelio según San Mateo.

Judas es interpretado por un alto. Un registro bastante "lujurioso" para una cultura religiosa que valora el comedimiento. Esto se extiende para los personajes menos positivos como los romanos atormentando a Jesucristo, cuyos coros son cantados fundamentalmente por los altos.

La obra es cerrada por un motete "Beschlu

ß" (Conclusión). Está dividido en tres secciones: "Ehre sei dir Christe" (Gloria a Cristo), "und herrchest mir dem Vater dort in Ewigkeit" (y reinará con el Padre en el cielo) y Kyrie Eleison (Señor, ten piedad).

Schütz escribe además otras dos pasiones (San Lucas y San Juan) en el mismo estilo, lo que ciertamente se contrapone a sus primeras obras, en las que la composición instrumental tenía una presencia notable.