Lo mejor del 2005: ArtForum

Y ya comenzaron las listas con lo mejor del 2005. La revista ArtForum ha publicado en su versión impresa cinco listas de curadores, artistas y críticos. Esta es la que publica el artista visual Isaac Julien:

1. Brokeback Mountain (Ang Lee) Una película de cowboys con un cambio. El tour de force de Lee es todavía mejor que la historia corta en que se ha basado. El cine queer ha crecido finalmente y se ha convertido en un asunto del mainstream.

2. Darwin's Nightmare (Hubert Sauper)Un documental contra la globalización, filmado como un film de terror ambientado en Africa, donde los peces "caníbales" con enormes dientes son cambiados por armas o aviones traídos por los rusos.

3. Last Days (Gus Van Sant)El arte del cine y el arte de la imagen-movimiento toman otro paso juntos en esta narración fragmentada que reconstruye el tiempo cinematográfico.

4. Inconsolable Memories (Stan Douglas) Una inteligente relaboración de "Memorias del subdesarrollo" de Gutiérrez Alea , el clásico filme cubano de 1968, retoma a los actores de la película original como personajes contemporáneos en una alegoría política que mantiene su sentido de misterio.

5. Moolaadé (Ousmane Sembene) El padre del cine africano se mantiene impresionante en este exposé persuasico de la circunsición femenina. Nada menos que una obra maestra.

6. Broken Flowers (Jim Jarmusch) Jim está de regreso con una típica pieza. Dirección cool enfatiza una suprema actuación contenida de Bill Murray y un casi cameo de Tilda Swinton (nada menos que con una peluca negra).

7. Innocence (Lucile Hadzihalilovic)En este extraño y maravilloso cuento de hadas sobre el cambio de niñas prepúberes, una fuente de agua se convierte en lo que podría ser descrito como una toma orgásmica.

8. Non-Specific Threat (Willie Doherty) Uno de los puntos altos de la 51ava. versión de la Bienal de Venecia, el conmovedor video de Doherty gira alrededor de una hombre blanco calvo cantando un himno acerca de la alienación interna de la psiquis ( de Irlandadel norte).

9. Frammenti Elletrici 1-2-3-4 (Electric Fragments 1-2-3-4) (Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi) Turnándose una y otra en cuantro pantallas, estos fragmentos olvidados de material de archivo, bajaban de velocidad hacia lo hipnótico convirtiéndose al rojo, naranja, azul y verde; con encantadores encuentros coreográficos entre historias personales europeas y las "otras".

10. Three Times (Hou Hsiao-Hsien) Con el énfasis de Hou en la duración fílmica, la puesta en escena se convierte en todo, dejando a la narración fuera.

Viewing Log: octubre

Estas son las películas que he visto durante octubre (no cuento repeticiones):

1. Nobody Knows (Koree-da Hirokazu): estupenda revisión de lo duro que es crecer en una sociedad donde el concepto "prójimo" parece no existir.

2. Red Eye (Wes Craven): Peliculeta hecha para matar el tiempo. La película se ajusta al funcionalismo del género con inocencia, y con Rachel Griffiths, heredera directa de la escuela de interpretación Julia Roberts, es decir, "smile 'til the shot is over".

3. ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Abbas Kiarostami): grandiosa película del director iraní sobre el mundo cotidiano de un niño del Irán rural, que tiene que enfrentar sus propias obligaciones y sentido moral frente a un vertical mundo de adultos. Todo el drama es mínimo, con cierta tendencia al minimalismo que desarrollará el director posteriormente.

4. As Tears Go By (Wong Kar Wai): primera película de Wong en la que varios de las estrellas del cine de Hong Kong viven un drama fraternal y pasional. Andy Lau, Maggie Cheung y Jackie Cheung forman parte de esta tragedia de la pequeña mafia hongkonesa. Por ratos, de la mano de JC, la película tiene mucho de los tonos exaltados de un John Woo, pero en otros momentos, prefiere la atmósfera a la acción, la imagen a los actores.

5. La vida continúa (Abbas Kiarostami): un terremoto que azota la tierra en que se filmó ¿Dónde está...? es el inicio de la búsqueda del protagonista. Nunca sabemos de él directamente, lástima, porque se trata de un pretexto para ver cómo los seres humanos tenemos el instinto de seguir viviendo pese a las circunstancias más adversas, incluso ante aquellas sobre las que no tenemos algún poder de cambio.

6. Ashes of Time (Wong Kar Wai): el wu xian pi convertido en poema visual. Este film es el corolario del cine de acción hongkonés, antes que Yimou lo convertiera en un asunto de manierismo. Las historias pasionales se entrecruzan, vemos historias típicas del género, bajo la lupa preciosista de Wong.

7. 5x2 (Francois Ozon): este director francés va en picada; cada película nueva que veo me parece inferior a la anterior. Esta vez, trata la trama de modo inverso, convirtiendo su película en una suerte de charada visual, de trampa para el espectador (como lo fue Swimming Pool). Salva a esta película la siempre grata presencia de Valeria Bruni Tedeschi.

8. Shall We Dance (Mark Sandrich): primera incursión de la dupla Astaire y Rogers como pareja cinematográfica. Como siempre Astaire está magnífico, sus movimientos son magníficos, su presencia en pantalla es apabullante. La Rogers, curiosamente, mantiene la dicción de las actrices menos interesantes de los 30s (muy raro, considerando lo bien que sale en Stage Door y 42nd Street), pero se ilumina maravillosamente junto a Astaire.

9. The Skybridge is Gone (Tsai Ming Liang): cortometraje "puente" entre What Time is it There? y Wayward Cloud. En términos de trama, nos cuenta el regreso de Shang y el nuevo oficio de Hsao. Estilísticamente, la película anuncia el cambio de registro entre el letargo del primero y lo idiosincrático del segundo.

10. This Gun's for Hire (Frank Tuttle): film noir que marca el inicio del estrellato de Veronika Lake y Alan Ladd. Lo curioso es el estado del registro de ambos. La Lake es la típica estrella que basa su personaje en su belleza, su star quality y que como actriz es una perfecta tabla. Ladd es, por el contrario, un magnífico actor, capaz de darle vida a un rol algo menor en un filme de por sí imperfecto.

11. Legend of Sansho Bailiff (Kenji Mizoguchi): otra de las grandes tragedias de Mizoguchi. Esta vez es la triste historia de la desintegración de una familia, como producto de una actitud moral superior, que obliga a los personajes a buscar el bien comun, sacrificando su propio bienestar. Mizoguchi filma como pocos, llenando cada imagen de fuerza expresiva.

12. Taste of Tea (Katsushito Ishii): delirante historia de una familia japonesa. Ishii apela a la imagen surrealista, a la narración sugerente, a la ausencia de una trama general. Simplemente una gran obra, aunque -lástima- sea tan poco conocida.

13. Clash by Night (Fritz Lang): melodrama ambientado en un pequeño pueblo pesquero. La Stanwyck, brillante como de costumbre, se enfrenta a sus propias pasiones y ambiciones para al final descubrir el verdadero valor de sus sentimientos.

14. Cinderella Man (Ron Howard): "Richie Cunningham" está lejos de ser uno de los mejores artesanos del Hollywood actual, al contrario, muchas de sus cintas -incluída esta- tiene tantos desbalances que parecen impensables en una industria tan consolidada. Aun así, Cinderella es su mejor filme hasta el momento. Tiene una historia coherente, una resolución clara, unas preocupaciones bien llevadas (aun cuando podríamos no estar de acuerdo con la política que subyace al filme). Russell Crowe es un actor notable, lo mismo que Paul Giamatti (el otro lado de la moneda). Lo único lamentable a nivel actoral es la presencia de Reneé Zelwegger, que parece estar en otra época, cuya dicción es impensable para una mujer de la época, cuya voz de pato Donald hace imposible cualquier disfrute de sus escenas.

15. La sed (Ingmar Bergman): crisis europea tras la segunda guerra mundial. Una serie de viñetas sobre el amor en tiempos de dolor, donde la soledad y el vacío existencial sólo se sostiene por un pacto imperfecto por naturaleza, pero que parece ser lo único que nos queda para hacer la vida más soportable.

16. 47 espadas de venganza (Kenji Fukasaku): versión setentera del drama japonés sobre la rebelión de los servidores de un señor contra el Shogun. Este filme se concentra precisamente en este conflicto, en la separación en términos de acción de los que se preparan para la venganza y del mundo establecido (¿inactivo?) del Shogun. Toshiro Mifune y Sonny Chiba se encuentran como personajes secundarios de ambos bandos.

17. Formula 17 (Chen Yin-jung): simpática comedia sobre un adolescente gay que viaja a la gran ciudad a conocer un "affaire" on-line. La historia está enraizada en el género de la comedia romántica y por ratos mantiene varias de las estrategias típicas de una comedia norteamericana (como la trama y las apariciones musicales de bandas con música de moda casi inofensiva). Es un filme que se explica más por el cine mismo, que por la realidad.

18. The Barkleys of Broadway (Charles Walters): última aparición del dúo Astaire-Rogers. La historia es algo abusiva para la parte femenina, que es retratada como una incompetente tonta que no puede hacer nada sin su hombre. Los musicales están bien, aunque algo lejanos de los mejores momentos de la dupla.

19. A Scene at the Sea (Takeshi Kitano): otra gran cinta de Takeshi. Esta vez apela más al minimalismo, a la repetición de escenas y secuencias enteras que demuestran lo irrepetible del tiempo.Esto, pese a lo estancado de la vida de los personajes que parecene encontrar en el surf y el mar, la única salida para su existencia anodina, su calidad de outsiders.

20. Son frére (Patrice Chereau): más que interesante ejercicio de Chereau sobre los estados del cuerpo, sobre la degradación espiritual del cuerpo. Un pequeño movimiento que muchos han asociado a Lucien Freud, pero la escena previa a la operación, para mi gusto, es puro Mantegna.

21. Ce jour-lá (Raoul Ruiz): integrado en la cultura europea, Ruiz hace un ejercicio entre surrealista y rivettiano sobre la ambición que mueve la cultura occidental actual. El Estado suizo (ejemplo de la civilización occidental) mueve los hilos del poder económico para asesinar a la delirante Livia, la heredera de una fortuna derivada del comercio actual (el de las marcas), para lo que deja libre a un confundido asesino.

22. Um filme falado (Manoel de Oliveira): notable filme del maestro Oliveira sobre los avatares de la Europa contemporánea. Un mundo de rico pasado y apacible presente, pero que todavía ve al resto de la humanidad con una mirada exótica, como el souvenir de la mujer musulmana, como un problema ajeno al mundo en que viven. El estilo es radical, la primera parte es una suerte de visita guíada por las ciudades más importantes (en términos culturales) del mediterráneo, en el que la cámara se pasea con una intención difícil de adivinar en un principio. La segunda parte es una larga conversación entre tres brillantes mujeres, representantes de lo mejor y peor (el filme sugiere constantemente las contradicciones de la cultura) del mundo europeo junto al capitán del barco, un norteamericano. La tercera parte, es la inclusión en la mesa de la madre e hija turistas, cuyo final es amargo, terrible, es el final del deseo de entender más el pasado, las otras culturas, de integrarse a un mundo, que meses después de la fecha del filme (julio 2001) se convierte en una pesadilla.

Viewing Log: narcisismo puro

Siguiendo la tradición ciberné(rd)tica de poner una lista de películas nuevas que se ha visto en un período, haré una lista mensual. Esta es la que corresponde a setiembre, mes de terrible inactividad de mi blog:

Por orden de visión:

1. Sympathy for Mr. Vengeance de Park Chan Wook. Por cierto, una película fascinante y una película, a mi gusto, mucho mejor que OLDBOY.

2. Ucellacci e Uccellini de Pier Paolo Pasolini. El placer de ver al ucellini favorito de PPP: Ninetto Davoli, en una película brillante. Por cierto, siempre entendí que se trataba de un cuervo perteneciente a la inteligentsia socialista.

3. Assasination of Richard Nixon de Niels Muller. Mucho mejor de lo que esperaba.

4.Meet Me in St. Louis de Vincent Minelli. Aunque los números musicales no son exhuberantes, se trata de uno de los filmes más bellos de la época. Es un verdadero placer escuchar a la Garland.

5. Stagefrigth de Alfred Hitchcock. El cine de Hitch nunca cansa, aun cuando no se trate de una obra maestra. La Dietrich no pierde oportunidad para mostrar sus números musicales y Hitch se manda unas tomas directamente tomadas de von Sternberg. El villano del filme es de antología.

6. Teorema de PPP. Uno queda como transformado luego de esta más que brillante parábola de ribetes cristianos. Y eso que no cuento el placer de ver a Silvana Mangano en uno de esos roles de "mujer rica pero sexualmente insatisfecha, frívola pero infeliz, y con una autoconsciencia de clase que le habrían ahorrado varios dolores de cabeza a la corono británica." Además de Laura Betti alcanzando la santidad. También aparece Ninetto entregando cartas mientras vuela como un pajarillo.

7. 3 Iron de Kim Ki-duk. La última media hora de esta película es poco más que fascinante, es cine en su estado puro. Kim es capaz de hacer una obra brillante como esta y una cosa tan mamarrachienta como su Spring, Summer y demáses. En todo caso, se trata de una cinta excepcional, como pocas de las que se han realizado en los últimos años.

8. Sin City de Robert Rodriguez. Los vanos intentos de RR de ser novedoso e interesante. Una banda sonora hecha por un adicto al speed metal o alguien que trabaja taladrando pisos. La cinta tiene sus momentos, pero desfallece al intentar dar unidad a algo que quedaba mejor como viñetas, como episodios sueltos en el aire.

9. The Fury de Brian de Palma. Esta película me convenció que los Douglas tienen mala vejez. A los que no se les da por casarse con chicas 30 años menores que ella, les da por salir semi desnudos y jugar al decrépito héroe de acción. La película es insufrible, pese a su gusto por la serie B y pese a John Cassavettes.

10. Last Days de Gus Van Sant. Mi comentario sobre este filme está en otro post, más abajo.

11. Stella Dallas de King Vidor. La última vez que lloré tanto por algo, fue con Andrea Chernier. El melodrama de sacrificio en su mejor expresión. El movimiento de cámara final que hace Vidor sobre la Stanwyck, me recuerda a ciertos fragmentos de Breaking the Waves. Y no puedo dejar de asociar el despertar final de la Bergman de Stromboli, al sentimiento que la niña despierta en el alma de Stella Dallas.

12. A Tale of Cinema de Hong Sang-soo. Si se trata de hacer cine inteligente y arriesgado, ya sabemos hacia dónde ir. Hong es un director in progress, alguien que parece estar haciendo los cimientos de grandes obras. Esperaré un poco más para dar mi opinión sobre este director, que hasta ahora viene haciendo las cosas muy por encima del promedio.

13. Le Boucher de Claude Chabrol. Uno de los clásicos del director francés que muestra los límites entre una sociedad civilizada y los instintos humanos más profundos.

14. El ángel ebrio de Akira Kurosawa. Nuevamente AK demostrando por qué es una de las figuras centrales del cine. Como el Fellini post neorealista, AK prefiere una puesta en escena que tiende hacia un estilo clásico, controlado y funcional. Si hay algo que da a entender cada película de Kurosawa es que un director de cine es, sobre todo, un creador de imágenes.

15. Palindromes de Todd Solondz. Ejercicio formal medio tramposo. Ya comentaré más adelante.

16. Super espías de Danny Pang. Hong Kong hi tech, para un director con escasa imaginación.

17. A la verticale de l'été de Ann Tran Hung. Vietnamita radicado en Francia, haciendo una mezcla medio pesada de Lou Reed, exotismo oriental, intentos Chejovianos y fotografía preciosista. Hay tanto de realidad en esta película, como en la sonrisa de Tom Cruise.

18. House of Bamboo de Samuel Fuller. Sospecho que esta es una pésima introducción al cine de este director, la historia es bastante sosa, la cinematografía está un poco mejor, pero poco ayuda a una cinta que quiere decir tan poco en tanto tiempo.

19. Wayward Cloud de Tsai Ming Liang. Uno de mis favoritos hace una obra delirante, excéntrica y polémica. Salvo el final, que borda el esperpento, la película está bastante bien, aunque sin llegar a los niveles de Good Bye Dragon Inn o The River.

20. Die With Your Boots On de Raoul Walsh. Me da la impresión que nadie editaba con la velocidad con la que se trabajaban los filmes de este director. Tanto White Heat como Die with... se adelantan varios años al aburrido de Scorsese y sus imitadores. La escena de despedida entre Flynn y De Havilland podría ser una película por sí misma.

21. Nightmare Alley de Edmond Goulding. Ya le dedicaré un poco más de tiempo a esta obra fascinante, que me ha enseñado varias cosas valiosas sobre el cine y sobre el mundo mismo. Tyron Power es de esos actores que ya no pueden existir porque el mundo se ha hecho más pequeño, parafraseando a Norma Desmond.

Los 15 años de IMDB

Tengo que admitir que le tengo mucho cariño a IMDB. De hecho, fue la primera página a la que ingresé en uno de los tres salones de la UdeL que permitía que los alumnos más curiosos entráramos, por una hora, a conocer un novedoso invento llamado Internet.

Desde entonces, es mi referencia para chequear los datos de las películas: qué ha hecho antes el director, el reparto, si la película tiene premios, links a críticos de medios como el NYT, el Village Voice, WSW, el a veces gracioso Mr. Cranky, y mis favoritos, DVD Beaver.

Las dos peores cosas que tiene son las críticas de los usuarios, en un 95% opiniones cargadas de ignorancia, y los messages boards, también responsabilidad de unos usuarios que parecen tener un sistema que les permite escribir desde los cojones a la PC.

Para terminar de malograr su buena imagen (y quizás sea la razón de las cosas malas), acaban de publicar una lista de las mejores 15 películas según el staff de IMDB. Francamente, creo que se la escribió un ejecutivo de PR de una distribuidora gringa o del Blockbuster. Simplemente patética. Y ni qué decir de sus comentarios año a año, en el que se enteraran de grandes hechos que han marcado la historia del cine de los últimos 15 años, como los rompimientos entre Bradd Pitt y Jennifer Anniston, o el de Tom Cruise y Nicole Kidman.

Christopher Doyle ... again

Filmmaker Magazine acaba de poner en circulación su nuevo número. Entre otras cosas, destaco la entrevista a Christopher Doyle, el más endiosado de los directores de fotografía actuales. Independientemente de lo brillante de su trabajo, creo que la gente tiende a inflar mucho su participación en el resultado final de una película (alguna vez leí la opinión de algún cretino que decía que sin él Wong Kar Wai no sería nada), como -citando a All About Eve- si se olvidaran que el piano no compuso la sinfonía. En todo caso, se manda unas declaraciones que tienen mucho de verdad. Estos son unos fragmentos que traduzco:

"Creo que la diferencia (entre el cine norteamericano y el asiático) es el nivel de energía. Asia está como la nueva ola australiana, el cinema novo brasileño, la nueva ola francesa. ¿Por qué? Porque hay una confluencia de intenciones y economía, aquellos elementos que funcionaron bien antes. Lo que es extraño en occidente, -bueno, no tan extraño-, es que la gente está perdida. Seamos honestos (se ríe). Ya sea que culpen al 11 de setiembre o a la falta de educación de las escuelas, la gente está perdida."

"El clima actual en la mayoría de los países occidentales es anti-artista, poque la función de un artista es abrirle los ojos a la gente, y esa no es la función de una meritocracia petrolera texana. Hello! Y cada persona en el mundo real ve esto, y es por eso por lo que nosotros (los asiáticos) hacemos el cine que hacemos. Porque ustedes no tienen la libertad, no tienen la integridad. Tienen que hacer remakes de todo lo que hacemos. Voy a ver a Martin Scorsese y le digo: "¿No crees que debería decirte acerca de los lentes?" Él me dice: "¿Qué quieres decir?" Y le digo: "Bueno, estás haciendo un remake de mi film Inffernal Affairs. Película que fue probablemente escrita en una semana, la filmamos en un mes y tú vas a hacer un remake. Ja, ja, ja. ¡Buena suerte!"

Doyle acompañado de Tom Twyker en la Berlinale 2003

Sobre Shall We Dance? (2004): La nueva versión es el pedazo más grande de mierda. Uno no sabe de qué mierda se trata. Y la versión original no es precisamente arte. No estamos hablando de un Kieslowski o Tarkovsky. Estamos hablando de una película del mainstream japonés, y ni siquiera pueden hacer eso bien.

Sobre The Aviator: "Si Martin Scorsese puede hacer un pedazo de mierda llamado "The Aviator" y entonces hacer un remake de una película hongkonesa, ¿no crees que ha perdido el camino? Piénsalo bien. "¡Necesito mi Oscar! ¡Quiero mi puto Oscar!" ¿Están los americanos locos? No hay una sola persona de los votantes del Oscar que sea menor de 65 años. Ni siquiera saben como conectarse a Internet. No tienen idea de lo que es el mundo real, No tienen más experiencias visuales. Lo que tienen son preocupaciones. Así que, ¿por qué un gran director como Scorsese tiene que chupársela a los miembros de la Academia con una mierda llamada The Aviator? ¿Y ahora tiene que hacer un remake de nuestra película?".