Tokyo Raiders - Seoul Raiders

El cine pan-asiático no sólo es famoso por sus grandes autores, sino también por lograr lo que hasta ahora sólo habían alcanzado el cine norteamericano y el cine hindú: crear un circuito cinematográfico basado en criterios industriales. Corea del Sur, Hong Kong, Taiwán, Tailandia, Japón, China continental, entre otros, forman hoy un interesante circuito comercial de la industria del espectáculo (incluyendo la música popular, la televisión, Internet y otros medios digitales) donde Hollywood tiene una presencia importante pero no de absoluto dominio, como sí sucede en buena parte del mundo.

De todas estas industrias, sin duda, la más solvente es la hongkonesa, que con sus directores de filmes de acción, tales como John Woo o Tsui Hark, han logrado influenciar incluso al cine occidental. Al interior de esta gama de directores, se encuentra Jingle Ma, un artesano con el suficiente oficio y visión comercial como para hacerse de un par de éxitos de taquilla.



Tokyo Raiders y la secuela Seoul Raiders, sin embargo, estuvieron algo lejos del tan añorado éxito comercial, funcionando relativamente bien en la taquilla. Ambas películas se basan en tramas que buscan la constante sorpresa, la ejecución de escenas adrenalínicas, abundantes cantidades de acción y piruetas, algunas dosis de humor, así como el encanto de sus protagonistas.

Las historias de ambas películas involucran a Lin (Tony Leung Chiu Wai), una suerte de agente secreto de filiación hongkonesa que se pasea en las calles de ambos países (Japón y Korea del Sur) para defender los intereses de algún tercero en discordia. Para esto, cuenta con una serie de artefactos y un grupo de bellezas locales que lo ayudan en cada una de sus tareas.



En Tokyo Raiders (2000), trata de cuidar a Macy (Kelly Chen), hija de un famoso empresario, que acaba de ser abandonada por su novio japonés (Tôru Nakamura). Ella viaja a Tokyo para buscarlo junto a Yung (Eking Cheng), su estafado diseñador de interiores. Así, cuentan con la ayuda de Lin y sus asistentes para encontrarlo cuando tropiezan con el jefe Ito (Hiroshi Abe), uno de los yakuzas más poderosos del país.

Seoul Raiders (2005), por su parte, introduce a Lin convertido en un cazarecompensas tratando de atrapara a un grupo de hongkoneses que han robado las placas para realizar billetes norteamericanos y vendérselos a la mafia koreana, quienes a su vez, lo venderían a los grupos radicales islámicos. El encargado de esta venta es Owen (Richie Ren). En el camino de sus actividades, Lin se encuentra con una joven que dice ser también una cazarecompensas, la china J.J., interpretada por Shu Qi.



Hay una clara diferencia estilística entre una película y otra. TR parece una película de Jackie Chan en su tratamiento de la acción en términos cómicos, su fotografía (realizada por el mismo Ma) opaca, casi naturalista. SR parece un producto más hi-tech, con hombres vestidos de un negro brillante, trabajo fotográfico más estilizado, acciones más basadas en la grandiosidad que en la pirueta del actor.



En fin, se tratan de películas bastante livianas, con algunas resoluciones visuales algo torpes, interesadas en dar golpes de efecto al espectador, retrogradamente sexistas, poco novedosas, etc. Quizás, la menos lograda sea SR debido a lo rebuscada de sus salidas dramáticas y sus postizas resoluciones en la trama.



Si hay alguna razón para ver esta película es el estupendo grupo de actores que forman parte del star system de la zona. En primer lugar, es interesante ver a Tony Leung Chiu Wai retomar su papel de actor de artes marciales, donde además, maneja una personalidad chispeante y cínica. Como todo actor de la zona realiza sus propias piruetas (incluído el salto entre dos vehículos en movimiento). Esta es la segunda vez que veo a Ekin Cheng y ha cambiado un poco la percepción que tenía de él, en esta película lo veo mucho más animado, expresivo, capaz de crear un personaje donde casi no lo hay. Kelly Chen demuestra acá porque es una de las mujeres más adoradas de Hong Kong. Shu Qi, la notable actriz de Millenium Mambo y El Ojo 2, luce simplemente esplendorosa. Richie Ren, Tôru Nakamura e Hiroshi Abe cumplen con sus roles algo secundarios. También se tiene la oportunidad de ver un par de cameos interesantes como el de Yuki Moriyama y Cecilia Cheung.

Morrissey versus Warhol

Paul Morrissey

"Realmente tengo que explicar quién era Andy (Warhol). Era un hombre discapacitado, autista y disléxico al grado de no poder leer una sola palabra. Era asustadizo y tímido; no tenía intereses artísticos y no le interesaba otra cosa que hacer dinero". Estas son palabras de Paul Morrissey al Times UK (www.timesonline.co.uk), quien parece ya estar harto de que sus obras sean atribuídas al artista emblema del arte pop de los Estados Unidos.

De acuerdo al investigador Maurice Yacowar, también biógrafo de Morrissey: "Él fue responsable de las tres cosas por las que el público conocía a Warhol: el grupo de rock (los proyectos con la Velvet Underground), la revista (Interview Magazine) y, especialmente, las películas (Flesh, Trash y Heat)."

"Alguna vez alguien me preguntó ¿Qué significaba ser el manager de Andy'. Yo respondí que tenía que pensar las cosas que Andy debía hacer, hacerlas y luego pretender que él estaba involucrado", sigue diciendo Morrissey.


Joe Dallesandro en Heat (Paul Morrissey, 1972)

Christopher Doyle

Aparentemente los días para ser salvajes entre el director Wong Kar Wai y el director de fotografía Christopher Doyle han terminado. En una entrevista aparecida hace unos días en el diario británico The Guardian, Doyle sostiene: ¿Cuántos años me quedan? ... Creo que el problema para mó es que hay gente que me importa y que son realizadores, y estoy constantemente rechazando proyectos debido a su (se refiere a los largos rodajes de Wong) situación fuera de control. El viaje ha sido maravilloso, pero hay otros grandes amigos míos que me han estado esperando."

Sobre 2046 dice: "Siento, en retrospectiva, que 2046 era innecesaria. Creo que Wong Kar-Wai lo notó en algún momento, y es por eso que le tomó tanto tiempo. Te das cuenta que básicamente habías dicho lo que tenías que decir, así que, ¿para qué decir más? Es como lo siento. Creo que eventualmente tienes que continuar."

Senses of Cinema: nuevo número en línea

Ya está en línea la más reciente edición de Senses of Cinema, la mejor revista de cine que se pueda encontrar en la red. Ahora se pública en períodos más espaciados que antes, pero mantiene la característica de contar con varios de los comentarios más lúcidos e informados de la red, así como una base de datos crítica de algunos de los grandes directores del cine.

Ahora destaco un artículo sobre esa pequeña obra maestra del último cine norteamericano llamada Elephant.



Otro artículo que relaciona, en términos filosóficos, el concepto de "hospitalidad" en Dogville de Lars Von Trier.

Una entrevista a Lisandro Alonso, director de Los muertos, una de las mejores películas hechas en esta parte del continente.


Un análisis de Lancelot du Lac de Robert Bresson

Además una continuación de un artículo sobre los trailers de las películas de Alfred Hitchcock (quien también se suma a la base de datos crítica), un análisis sobre Douglas Sirk, un perfil analítico de Clouzot, Winterbottom y mucho... mucho más.

Azumi

Azumi es un manga de Yu Koyama, dibujante de casi 60 años, con una larga y fructífera presencia en este género. Desde su aparición en 1997 se hizo de una gran legión de fanáticos, por lo que su transformación en una película de acción real era sólo cuestión de tiempo. La TOHO, el mítico estudio japonés, responsable de buena parte de lo más importante -cuando no de los más bizarro- del cine de su país, se hizo cargo de la adaptación.

El encargado de tal empresa fue Ryuhei Takamura, cuya Versus, un delirante filme de bajo presupuesto había llamado la atención de los fanáticos del cine de serie B y de ciertos cinéfilos con el criterio un poco liviano.




La película cuenta el nacimiento de Azumi como héroe. La historia se ubica en el Japón feudal, cuya tradición fílmica (desde Mizzoguchi a Kitano) lo pinta como un territorio inhóspito, donde los estamentos más altos y fuertes tienen un poder tiránico frente al pueblo, siendo las mujeres, niños y campesinos los más golpeados. Al inicio de la película vemos que la madre de Azumi ha muerto y ella está abandonada en un paraje desértico, donde un hombre acompañado de un grupo de niños, se la lleva. Este sujeto es un ronin, un antiguo samurai, que ahora tiene la misión de formar un grupo de asesinos que ayudarán a mantener el orden en el reino, atacando a cualquier señor feudal que quiera combatir al poder establecido.

Este grupo de jóvenes se cría en las montañas, donde aprenderán las más sofisticadas técnicas del combate con sable. Alcanzada cierta edad, el Maestro los obliga a matar a su compañero más cercano y partir en busca de la primera misión: asesinar a tres señores feudales que intentan poner en jaque al estado actual. La película ahondará entonces, en la lucha que tienen con dos de estos señores y su bizarro séquito.



Estamos pues, ante una historia canónica en su sentido más literal: ante la muerte de la figura materna aparece la figura paterna (y si queda duda hay una crucifixión de alguien a quien llaman Maestro) que enseñará las reglas de un mundo difícil. Es un lugar masculino, misógino y misántropo. Es la creación del mito de una mujer masculinizada, convertida en una especie de ser andrógino (para eso la capa), que blande el sable ante la maldad del mundo.

Pero todo está ambientado dentro de un universo excesivo y hasta kitsch. Los habitantes del Japón feudal forman parte de una suerte de imaginario delirante, parecen sacados de un filme de serie B de Hong Kong o un filme de Sam Raimi. Incluso la música es una versión en guitarra y sintetizador de un filme de aventuras. Se trata de una postura estética del director, legítima sí se quiere.



En general, es una película aplicada, concentrada en sus temas y en su estética. Pero a veces, eso no es suficiente. La película es cavernaria en su tratamiento del bien y del mal, manipuladora con los sentimientos, retrógrada en el tratamiento de las diferencias (sólo los buenos son bellos, el resto de malos son sexualmente ambiguos, animalescos, feos), superficial en temas como la muerte (hay muertes y sangre por doquier). Su dramaturgia es de fórmula cuando no se muerde la cola (por ejemplo, la reacción del maestro al arribo final de Azumi). Quizás la palabra que mejor resume y describe esta película es "infantil", como gran parte del arte que quiere alcanzar un público heterogéneo.



Se podría argumentar que esto es cine en estado bruto, es decir, un cine que usa la imagen para alcanzar el máximo movimiento posible, un cine de extensidad y no de intensidad. Puede ser que sea cierto. Pero en este caso, la palabra "bruto" adquiriría un significado muy amplio.